En esta quiero humo

Como decíamos ayer... #12: Wild Swans

2012-02-16T18:14:00.000+01:00

The Coldest Winter For A Hundred Years (Occultation, 2011), de The Wild Swans: uno de los discos más románticos que Gog ha escuchado en mucho tiempo, de un romanticismo entendido en su sentido épico y ético, no como una fórmula marchita y sanvalentinesca.

Es un álbum para llorar pero para salir fortalecido. Del que cae y se arrastra por el barro pero es capaz de poner las dos manos en el suelo e impulsarse hacia arriba de nuevo.Y así son sus canciones, almas que caen y se levantan continuamente.Y a Gog le vienen a la cabeza aquellos versos de The Go Betweens según los cuales que caiga la manzana al suelo no es una cuestión de gravedad sino de independencia.

Para quien precise ubicarse un poco, Paul Simpson, centro neurálgico del tinglado, fue cofundador de The Teardrop Explodes, es decir, escena Liverpool junto a Cope, McCulloch, etc. —toma pedigrí— antes de fundar a los rectos y, por lo tanto, perdedores Wild Swans, que en la década de los 80 publicaron tres discos al margen de la gran industria; hasta prácticamente hoy.

Si «Liquid Mercury» y «Chloroform» son preciosas, «English Electric Lighhtning» es maravillosa, con esa facilidad tan inglesa para hablar de sí mismos:

Elizabethan costume dramas
Sun reporters, New World Order
Johnny Rotten, Geoffrey Chaucer
Bargain Booze and Robert Wyatt
Happy-slappers, Toxteth riot

The Wild Swans - English Electric Lightning

Una pequeña historia del rock a través de una sola portada #4

2012-02-14T17:16:00.000+01:00

Hacía mucho tiempo que Gog no hallaba una portada para esta sección (pínchese en la etiqueta para ver toda la sorprendente serie del tirón), así que hoy está muy contento. Como suele ocurrir casi siempre, ha sido el azar el que le ha llevado hasta esta carátula de Hasil Adkins, de un directo suyo de 1992. Y es que andaba Gog interesándose por las canciones que ha reunido el sello Munster para el recopilatorio de singles de The Cramps —a la espera de que le llegue la caja por correo—cuando se ha topado con que una de ellas, «She Said», era de un tal Hasil Adkins. ¿Quién? Pues eso, a investigar un poco.

Pronounced ‘Hassle’ not ‘Haysil’, afirma la wiki en la bio (1937-2005) de este personaje extravagante y con una punta de alunado, precursor de los mismísimos Cramps. Se le considera el padre del psicobilly, o sea, rock n’ roll o más bien rockabilly pasado por unas letras acerca de historias truculentas, ciencia ficción y sexo escabroso. Adkins decía tener un repertorio de más de siete mil temas compuestos por él; de lo que se conoce, la mayoría versa sobre cabezas decapitadas, truculentos episodios de cama, alienígenas y toneladas de carne, desde los hot dogs al pollo (en Poultry in Motion se recopilaron todos sus temas dedicados a esa especie aviar). Los grababa en la autocaravana en la que vivía con un magnetófono de manera absolutamente artesanal. Había ideado un sistema de pedales para tocar él solo la batería mientras tocaba la guitarra, la armónica y cantaba.

[Entrada dedicada a Jaime Cristóbal, buceador de cubetas, rastreador de tesoros vinilescos ocultos y sapiente musicólogo, que le puso a Gog en la pista de la caja de los Cramps.]

Doble o nada #7: Jonathan Wilson

2012-02-12T13:09:00.000+01:00

Cae la aguja sobre los primeros surcos. Suena, por un solo altavoz, un piano de música clásica, en plan Debussy o algo así. A los treinta segundos se detiene y salta, ya por ambos altavoces, un punteo de guitarra; se suma un piano de nuevo y Jonathan Wilson comienza a cantar. Hummm… la melodía recuerda a The Korgis o al primer Leo Sayer. Suena cálido, bello, reconfortante.Todo en Gentle Spirit (Bella Union, 2011) suena cálido, bello, reconfortante. Es un aroma a añejo y a verdes y fragrantes praderas que permanece a lo largo de los trece cortes del álbum.

El segundo tema está bañado con un chelo, hasta que estalla un piano que acaba por reconvertirse en órgano. ¡Leches, cómo duele! Seis minutos de emoción incontenida.La tercera se inicia con unos sonidillos de tecnología analógica, pero en cuanto entre la guitarra volvemos al sabor a barrica de roble o gran reserva cosecha del 70; esta se va hasta casi los ocho minutos. Y así prosigue el disco, como un riachuelo inagotable. La séptima, por ejemplo, órgano mandón y silbido de fondo. ¡Guau! La octava es una nana para adultos que te mece y te acaricia, y de nuevo flota el órgano mientras Wilson canturrea laralalaes.

Si uno se sumerge en esta epopeya sale exhausto del dolor que causa tanta belleza. Wilson canta demoradamente, sin prisa, y cada palabra que pronuncia, cada tecla que pulsa, cada cuerda que rasga, con pausa y calma cruel, son como un bisturí que se desliza por la piel.

¿Que quién es este Jonathan Wilson? Pues un amante del flower power que vivió un tiempo en una comuna jipi de California, aprendió los rudimentos de la ingeniería de sonido y montó una impresionante colección de equipos de grabación analógica. Por su estudio de Laurel Canyon han pasado Costellos, Badus, Brownes, Oldhams…

Para los amantes del objeto, el vinilo es doble, con tapas de cartón reciclado. Y «The Way I Feel» es version de Gordon Lightfood.

Hace mucho frío. Para qué vas a salir a la calle; quédate en casa con una buena chaqueta de lana y este disco de fondo.

5 sobre... #16: ser o no ser un gran artista

2012-02-11T11:07:00.001+01:00

Uno de los componentes del dúo TV Girl —en los que Gog tiene depositadas muchas esperanzas— ha publicado en su muro que una vez leyó que para considerar verdaderamente grande a un artista tiene que haber publicado cinco grandes discos de forma consecutiva. Él propone: Dylan, Springsteen, Velvet Underground (incluyendo el álbum perdido), Beastie Boys y Outkast.La iniciativa ha sido muy bien recibida y muchos seguidores han recogido el guante y han propuesto los suyos, Gog incluido, que ordenados cronológicamente serían:

> The Clash: de acuerdo, Combact Rock es muy muy discutible, pero todo lo anterior es tan enorme...

> Elvis Costello: parece bastante impepinable que sus cinco primeros discos son magníficos.

> Smog: bien con ese nombre artístico, bien como Bill Callahan, tiene encadenadas rachas fantásticas; como Smog, desde Red Apple Falls.

> Pavement: al igual que con The Clash, puede que el último que publicaron sea más que discutible.

> Clinic: son una debilidad de Gog; es más que posible que no tengan ni siquiera un gran álbum, pero todos los que tienen son muy buenos.

Como se ve, no es más que una cuestión de filias muy personales.

Debut #48: Unknow Mortal Orchestra

2012-02-07T19:33:00.000+01:00

De nuevo ha sido la portada. Andaba Gog revolviendo las cubetas de su tienda habitual cuando se topó con la fotografía de un extraño edificio [*]. ¿Qué era aquello? ¿De quién era aquello? Ni idea. Pero atraía.

De haber sido otra época, probablemente Gog se lo hubiera llevado a ciegas, guiado tan solo de su instinto lazarillo y del impulso que le conferían las buenas vibraciones de la cubierta. Hoy día puedes dejar allí el disco (sin necesidad siquiera de cambiarlo a una cubeta más apartada si no llevabas dinero suficiente en ese momento), ir a tu casa, encender el ordenador, descargártelo y, después de escucharlo detenidamente, decidir si te lo compras o no. Así fue. Y en cuanto le sonó «Ffunny Ffrends», Gog supo que tendría que llamar a la tienda para que le apartaran el vinilo.

Unknown Mortal Orchestra-FFunny Frends

Dos o tres escuchas después de este hipnótico, extraño y desconcertante disco, llegó el momento de recabar información internetaria. Gran sorpresa, resultó que se había hablado mucho de ellos en blogs de la cosa alternativa el año pasado y que incluso pasaron en otoño por estas tierras, todo lo cual le había pasado desapercibido a Gog.

El homónimo Unknown Mortal Orchestra (Fat Possum, 2011) proviene de Nueva Zelanda, y resulta que la foto de la portada, con ese aire de futuro antiguo, casa a la perfección con lo que se desarrolla dentro: canciones que contienen muchas reminiscencias del pasado y al mismo tiempo suenan con un tinte futurista, pero pasado por el tamiz analógico. La mayor parte de la gracia está en la combinación de bases funk muy rítmicas, guitarras cortantes y una batería seca que consiguen una mezcla retorcida, oscura y extrañamente pegadiza. A Gog le resulta imposible no darle de nuevo al play al terminar.

Cortes:

1. FFunny FFrends

2. Bicycle

3. Thought Ballune

4. Jello and Juggernauts

5. How Can You Luv Me

6. Nerve Damage!

7. Little Blu House

8. Strangers Are Strange

9. Boy Witch

[*] Se trata de un monumento (spomenik) que mandó erigir Tito en Yugoslavia, según le ha puesto en la pista un arquitecto amigo de Gog, por otra parte un habitual de este rincón.La instantánea, como todas las de la serie que puede verse aquí, son del fotógrafo belga Jan Kempenaers.

Discos con portada con discos #39

2012-02-05T17:53:00.000+01:00

Black Box Revelation: Lust Or Love (Exclusive red heart shaped 12'')

Karen Elson: Vicious / In Trouble With the Lord (7'')

Toddla-T (con Roisin Murphy): Cherry Picking (12”, 300 copies, red vinyl, 2011)

Género chico #19: Miles Kane

2012-02-03T19:06:00.000+01:00

«Come Closer». Ritmo trotón, guitarrazos duros y alma glam. La mejor canción hasta la fecha de Miles Kane, artista a la sombra de Alex Turner y The Last Shadow Puppet que comienza a brillar por sí solo poco a poco.

Es el tema que encabeza Come Closer EP (Columbia, 2011), que un buen y generoso amigo acaba de regalar a Gog en precioso vinilo de 7’’.

Le sigue «Do I Want You?» entre el brit pop y la cosa mod. Kane se ha declarado públicamente fan de Oasis y de Paul Weller, así que ni oculta nada ni puede sorprender en él el ejercico musical retro que practica.

En la cara B, «Kaka Boom» contiene guitarras más agudas y teclados calentorros a las riendas; hay momentos en que parece que vaya a arrancar «You Really Got Me».Cierra «The Responsible», que es versión del tema del francés Jacques Dutronc; aquí Kane ha optado por mantener el toque sixtie y yeyé.

Miles Kane - The Responsible

El arte de la versión #46

2012-01-30T17:18:00.002+01:00

Power, Corruption & Lies —¡qué título más actual!— fue el segundo disco de New Order, pero el primero en el que dejaron de ser como Joy Division. Ahora se cumplen treinta años de aquello, y la revista inglesa Mojo lo celebra en su número de febrero regalando el álbum versioneado de pe a pa por diferentes bandas. Para mayor goce, no se han quedado en los ocho temas originales, sino que han añadido los dos del maxi Blue Monday (es muy sabido que el temazo no se incluyó entonces en el álbum) más otros tres temas grabados también en aquella época por los de Manchester.

1. The Golden Filter – Age Of Consent

2. Tarwater – We All Stand

3. Errors – The Village

4. S.C.U.M – 5-8-6

5. Fujiya & Miyagi – Your Silent Face

6. Seekae – Ultraviolence

7. Walls – Ecstacy

8. Destroyer – Leave Me Alone

9. Biosphere – Blue Monday

10. Zombie Zombie – The Beach

11. Lonelady – Cries And Whispers

12. Another Blood – Lonesome Tonight

13. K-X-P – Murder

Lo primero que llama la atención es el sonido que se ha conseguido para estas reinterpretaciones: es brillante, luminoso; resulta una gozada escuchar una grabación así. A excepción de Destroyer, todas las bandas son de corte electrónico. Y curioso: muchos de estos artistas no habían nacido en 1983. La matrícula de honor va a parar a Fujiya & Miyagi, que elevan «Your Silent Face», tan emocionante siempre, a altas cotas.

Fujiya & Miyagi - Your Silent Face (New Order cover)

Evidentemente, estos experimentos no suelen aportar nada nuevo y nunca podrán sustituir al original cuando se trata de obras mayúsculas y apoteósicas, pero sienta muy bien lavarse los oídos de vez en cuando escuchando otra forma de interpretar una obra maestra mil veces antes escuchada y exprimida, para después volver a percibirla con bríos renovados.

Malditos ingleses, lo han vuelto a conseguir.

Debut #47: Los Lagos de Hinault

2012-01-28T11:45:00.000+01:00

Apellidarse Ynduráin puede marcar. A Carlos Yndurain, al menos, así parece haberle ocurrido. No de otra forma se explica sus constantes referencias al mundo del ciclismo. Para empezar, el nombre de su banda, que comparte con Matilde Tresca (bajo, teclados y coros): Los Lagos de Hinault. Para los poco duchos en las artes del pedal, Bernard Hinault fue un mítico ciclista francés —de cuando este aún era un deporte mítico—, que participó en una también mítica etapa de la vuelta ciclista a España a su paso por Covadonga y los lagos de Enol, de ahí el juego de palabras que surgió en la época. Y una más es rendir homenaje musical a otro ciclista legendario como Marino Lejarreta, titulado como se le apodaba, «El Junco de Bérriz». Evidentemente, puede que todo simplemente sea un juego.

Entonces, ¿Vidas ejemplares (Fikasound, 2011) no es un álbum sobre ciclismo? No, nada de eso. Para empezar, la dedicada a Lejarreta estaba en la primera maqueta que grabó esta pareja madrileña —antes en Portonovo—. En todo caso, si hubiera que señalar el tema más recurrente en sus letras sería el verano. De hecho, esas mismas letras son lo primero que llaman la atención, por irónicas y venenosas, tiernas y ácidas, inteligentes y cínicas, que lo mismo atienden a estados vitales como a la disección social:

> El verano no nos quiere / habrá que hacer abdominales o intentar no respirar («El Verano No Nos Quiere»)
> A los 35 el autoengaño está permitido. / el autoengaño y la resignación (…) Quiero un hijo varón varón y me lo vas a dar (…) se licenciará en ICADE y ¡hará un MBA! («La sabiduría de Occidente»)
> Me cuesta ponerme triste, / y no sé si es alegría o falta de interés («De sueño y café»)
> Nunca llegaré a ser ministro/ ni siquiera de turismo´ («Los pares mínimos»)
> He perdido el autobús / que va a tu calle; / se me olvidó subir, / no llegué tarde. / Simplemente paró aquí delante / y no se me ocurrió reducir, por fin, / la distancia sobrante. (La distancia sobrante»)

En lo musical, predominio de ritmos programados, guitarras y el contraste de las voces de la pareja (aunque la voz cantante la lleva él, y que recuerda a la de Los Directivos). Para quien los conozca, The Magnetic Fields sería un referente que tener en cuenta.

En resumen, 12 cortes, 25 minutos, sin respiro, parapapeos, silbidos, fresco, entrañable. Con acertada versión incluida de un tema de Radio Futura no muy conocido, «Amor en frío», que popularizaron Las Chinas.

Estupendo disco de pop español: lo ha dicho Radio Nacional, lo ha dicho Ignacio Escolar, lo ha dicho el correo del zar. Y Gog lo suscribe.

[Escúchalo en bandcamp]

1. El correo del Zar
2. Oscilobatiente
3. Sí que es guapo (sería estúpido negarlo)
4. Leandro de Borbón
5. Amor en frío
6. El verano no nos quiere
7. Las chicas rubias de Serrano
8. La sabiduría de Occidente
9. Sentido y referencia
10. De sueño y café
11. Los pares mínimos
12. La distancia sobrante

Faropedia #12: cabo de San Vicente

2012-01-25T19:00:00.002+01:00

En la barbilla. En lo que viene siendo la mismísima barbilla de la Península. Estrabón —aquel geógrafo griego con nombre de hierba culinaria— dijo del cabo de San Vicente, allá por el primer siglo de la presente era, que «no era el punto más occidental de Europa, sino de todo el mundo habitado».

Hoy se llegan hasta él hordas de curiosos turistas a contemplar la aparente infinitud marítima que se abre desde allí hacia todas partes.

Los Burros: El faro del fin del mundo

El arte de la versión #44: Javier Corcobado

2012-01-24T19:28:00.001+01:00

Tal vez sólo se puede ser Javier Corcobado para grabar un álbum de versiones donde quepan Fred Astaire y Spacemen 3:

1. The shadow of your smile – Astrud Gilberto

2. The world we knew – Frank Sinatra

3. Te estoy queriendo tanto – Manuel Alejandro

4. Le poinçonneur des lilas – Serge Gainsbourg

5. Coraçao vagabundo – Caetano Veloso y Gal Costa

6. El rey – José Alfredo Jiménez

7. Noche de ronda – Agustín Lara

8. Carioca – Fred Astaire
9. El camino de la noche – José Alfredo Jiménez
10. Losing touch with my mind – Spacemen 3

Como puede verse, en realidad el brindis al sol es el de Spacemen 3, que sería la pieza que habría que señalar si esto fuera el juego de adivina-el-intruso, porque el resto del repertorio tiene una onda más homogénea y lógica. Versionear a un personaje como Gainsbourg, claro; boleros… también, pues siempre ha sido un palo que le ha gustado mucho al madrileño (recordemos aquí su álbum de 1993 Boleros enfermos de amor); o samba y crooners. La osadía es aún mayor cuando se ha enfrentado a unos estándares que requieren de un dominio vocálico notable, algo que nunca ha sido su fuerte; algunos incluso cantados en idiomas. A cambio, el apartado musical es de una imaginería y una claridad que hacen posible que se sostenga el disco.

En cualquier caso, Luna que se quiebra sobre la tiniebla de mi soledad (2011) es Corcobado en estado puro, con su estilo denso, desgarrado y de tendencia al tremendismo, que siempre deja entrever ya desde el título.

Gog quiere traer aquí muy especialmente «El rey», que se escuchaba mucho en su familia de chiquilín en la versión de Vicente Fernández, que era algo así como un Tom Jones mejicano. Contiene tres minutos instrumentales de tralla y electricidad muy notables, que le confieren a la versión una personalidad definitiva.

Javier Corcobado - el rey

Debut #46: Caveman

2012-01-22T10:46:00.004+01:00

Muerto 2011, aún se puede percibir algún coletazo suyo. Coco Beware (2011), del quinteto de Brooklyn Caveman, es uno de esos últimos estertores de vida, de gozosa vida.

Indie pop con tendencia a emplear mucho las percusiones, ese sería el resumen básico. Y que nadie piense en Local Natives o el rollo africanista de Vampire Weekend, porque lo cierto es que Caveman tienen personalidad definida y mundo propio.Y sobre todo, lo que tienen son enormes temas de pop, con un aire tristefestivo muy pegadizo. «My Time», el tercer corte, es uno de los momentos del año para Gog:

Le sigue una especie de interludio instrumental («Vampirer») y luego continúan esas letanías felitristes suyas, con las suaves percusiones y los suaves teclados, como «Old Friend» o la preciosísima «December 28th».

Pulgar hacia arriba.

A mí no hace falta que me cambies el plato #23: David Bowie

2012-01-17T16:56:00.000+01:00

Otra gran serie de los retronautas. En esta, toda una galería de David Bowie haciendo vida «normal». Nos quedamos con unos cuantos momentos alimenticios, porque, aunque nunca lo haya parecido, Bowie también tenía que comer. Uno siempre pensó que realmente era medio alienígena y que se alimentaba de aire.

(1966)

(1970)

(1973)

(1983)

(1987)

(2004)

No son hombres: son Devo #10

2012-01-15T16:54:00.000+01:00

Gog lleva leídas 155 páginas de las 667 que tiene el de momento inocuo pero celebérrimo tocho Libertad de Jonathan Franzen. Como Gog no está muy seguro de que vaya a llegar al final de esta anodina historia de una tal Patty y sus leches de neuras, es el momento de dejar ya reseñado aquí que en la página 82 se lee:

En el equipo de música de Eliza sonaba el nuevo álbum de DEVO.

No se especifica cuál. Sabemos, únicamente, que en ese momento la acción se sitúa a finales de los años setenta. Por lo tanto, haciendo un ejercicio de mucho presuponer, podríamos deducir que se trata de Duty Now For The Future (Warner, 1979). En esa década llegaron a publicar dos discos; de haberse tratado del primero, Franzen debería haberlo dicho de otra forma, pero "el nuevo álbum de DEVO" implica que ya habían sacado al menos otro antes, en este caso, el debut, Are We Not Men? (Warner, 1978).

Sales en mi canción #39 // Hoy llego tarde #1: Chrisma

2012-01-14T10:39:00.002+01:00

Atención a este pedazo de pieza de krautrock de 1977:

Chrisma - 04 c rock

Chrisma (luego Khrisma). Pareja de italianos. Chico y chica. Unos adelantados con su post-punk a lo Magazine y su electro underground decadente y lujurioso, pero que se quedaron olvidados en el maletero de la época. Hoy día, al parecer, son grupo de culto y su par de discos de entonces, dos reliquias inencontrables: Chinese Restaurant (1977) y Hibernation (1979).

Merecen la pena la escucha, sobre todo el primero, para adictos al género y curiosos de la paleontología musical. Gog acaba de descubrirlos a través de un comentario de Jamie Hince, cantante de The Kills; lo cierto es que no había oído hablar de ellos en su vida. Uno cree haber escuchado mucha música, pero siempre aparece algo nuevo que te habías dejado atrás.

El nombre de la banda salió de la unión silábica de sus nombres de pila, CHRIStina Moser y MAurizicio Arcieri. El tema que cerraba su primer disco —«Thank You»— es una larga letanía con la que agradecían la existencia de cosas que les gustaban y músicos admirados:

We would like to thank: Lonnie Donegan, Eddie Cochran, Fats Domino, Jerry Lee Lewis, Little Richard, Bill Haley, Chuck Berry, Wanda Jackson, Charlie Watts, Mick Jagger, The Boys, The Sins [¿The Saints], Bill Wyman, Iggy Pop, ??, ??, Dave Anthony's Moods, Les Paul, Sha Na Na, Roxy Music, Buddy Holly, Gene Vincent, Jimi Hendrix, Johnny Kidd, Brian Jones, Jim Morrison, Elvis Presley, Marc Bolan, Lou Armstrong, Bing Crosby

(Gracias a Viceflai por su magnífico oído. En los comentarios de este post pueden leerse cuáles son sus aportaciones. Quedan sin atar un par de incógnitas a la espera de que algún otro buen oído las complete.)

A mí no hace falta que me cambies el plato #22 // Plataneces #27: The Wave Pictures

2012-01-12T18:11:00.000+01:00

David Tattersall, esto es definitivo, padece una hemorragia de creatividad congénita. No de otra forma puede explicarse el brillante, copioso y honesto cancionero que este chico ya lleva compuesto para sus The Wave Pictures desde mediados de la década pasada. Y no es sólo cuestión de álbum por año, pues todos esos discos los tienen aliñados con ep, descartes, colaboraciones y rarezas varias. En septiembre de 2011, por ejemplo, la revista Rockdelux salió acompañada de una preciosidad de recopilatorio del grupo: I Thought of you Again. Outtakes & Alternative Versions, cuando unos meses antes habían sacado Beer in the Breakers (Moshi Moshi, 2011).

Con este hasta ahora su último disco oficial, parece que Tattersall, además, ha descubierto que se está bien en una cocina componiendo canciones, y que allí hay todo un mundo al que acudir en busca de inspiración, o al menos eso parece después de escuchar en la docena de cortes la cantidad de referencias a este aposento de la casa y lo que en él se cuece:

Once you wrote your name in peppercorns poured out onto the table
(«Now your Smile Comes Over in your Voice»)

Scoop the ice cream with the dipper
Maple syrup on the sheets
You could hear them in the kitchen
(«Walk the Back Stairs Quiet»)

But there’s no love in her kitchen («In Her Kitchen»)

We ate toast cut roughly into halves
with sour jam in an empty bar
(«Little Surprise»)

You said you never really wanted a red wine ever (…)I smiled, sipped at my beer («Two Lemons, One Lime»)

Y momento platanoso: And I, slipping on banana skins («China Whale Brand»)

Desde luego es un disco que, en su sencillez y recogimiento, suena íntimo y familiar, confortable, tibio, como un bizcocho casero. Todo fluye con serenidad a base de guitarra, bajo y batería (tocada con escobillas las más de las veces), apenas hay algo más que se salga de esa línea, quitando la armónica que suena en «Rain Down». Confesiones y escenas cotidianas interpretadas principalmente en tiempos medios y lentos (qué hermosa y triste es «Walk the Back Stairs Quiet»), con algún momento más enérgico («Now your Smile Comes Over in your Voice»).

Disco para pasar recogidos el invierno al calor del hogar, esperando a que la primavera nos desesperece.

Que jamás me bese Helen Marnie si miento #10 // El arte de la versión #43: Azealia Banks

2012-01-10T16:49:00.001+01:00

Hablan de ella como «the next big thing». Y aún ni siquiera ha conseguido un empate. Un tema molón y modernete y poco más de momento, pero a Gog le ha llamado la atención por la versión (o el jugueteo más bien) sobre un tema de Ladytron:

Azealia Banks - Seventeen (Ladytron reworking)

Debut #45

2012-01-08T10:29:00.001+01:00

…pero diez años después. Esa es la curiosa premisa de la lista que acaba de publicar la web Stereogum: grandes discos publicados exactamente diez años después del debut de los artistas. O sea, qué artistas han sido capaces de seguir impactando una década más tarde, a contar desde que publicaran el primero. El orden es puramente alfabético.

Como bien reconocen en Stereogum, atenerse al rigor del calendario les ha hecho dejar fuera enormes álbumes que salieron, por ejemplo, a los once años de los inicios. La propuesta, en todo caso, es interesante, porque da una idea de quién ha poseído o posee verdadero talento artístico, del creador superdotado que es capaz de mantenerse en la vanguardia transcurrido un buen lapso de tiempo, más aún hoy, en estos días tan efímeros y tan como de vida de mariposas.

¿Alguien echa en falta alguno? Gog se ha dado un rápido voltio por su memoria y se le ha ocurrido que quizá podría figurar el Computer World de Kraftwerk.

...Y ellos se juntan #50 // El arte de la versión #42

2012-01-07T08:53:00.000+01:00

El mes pasado, en la Civic Opera House de Chicago, coincidieron Nick Lowe, Mavis Staples y Wilco en los camerinos. Allí mismo improvisaron la que tal vez ya sea la versión definitiva del tema de The Band «The Weight»:

Dedicado a tapires y mylodones (por Lowe), a Miguel S. (por Staples) y a Miss Amanda Jones y Evaristo Aguirre (por Wilco).

Por cierto, Gog le pidió a los reyes tener la elegancia y la prestancia de Lowe, pero todo apunta a que este año tampoco será.

...Y ellos se juntan #49: The Baseball Project

2012-01-06T10:35:00.000+01:00

Esta entrada va a dar motivos de chanza a los amigos de Gog, lo sabe. Porque, para quienes no lo sepan, Gog es un ferviente seguidor de ese deporte en que los jugadores están en pijama y escupen todo el rato.

El a priori matemático de este supergrupo debería impresionar al mismísimo Einstein:

Peter Buck (REM) + Steve Wynn (Dream Syndicate) + Linda Pitmon + Scott McCaughey (The Young Fresh Fellows) = The Baseball Project

El problema —Gog es muy consciente— es que este rock contemporáneo, de predominio guitarrero e interpretado con la sabiduría y clase que se presupone a sus integrantes, está dedicado exclusivamente a narrar hazañas de legendarios jugadores de béisbol, lo cual que por aquí no va a interesar demasiado.

Llevan dos discos: Vol. 1: Frozen Ropes & Dying Quails (Yep Roc, 2008) y Vol. 2: High & Inside (Yep Roc, 2011).

En lo musical, resulta mucho más interesante el segundo: más consistente y mejor vestido, con las peculiaridades de que por vez primera se oye cantar a Linda Pitmon como voz solista («Fair Weather Fans»), meten algún saxo caliente y teclados sabrosos y no hay temas cantados en español como en el primero (cuánto daño a la música ha hecho Jonathan Richman cantando en español).

Por si el póker de ases no fuera suficiente, Ben Gibbard echa una mano en los coros de «Ichiro Goes to the Moon» e Ira Kaplan toca la guitarra en «Buckner's Bolero».

Cada uno de los miembros se declara fan de un equipo:

Wynn → Yankees

Pitmon → Twins

Buck → Braves

McCaughey → Giants

Ah,

Gog → Cubs

Discos con portada con discos #38

2012-01-04T18:30:00.004+01:00

Jamie T: Panic Prevention [Astralwerks, 2007] (Tuvo el buen gusto de incluir a Ian Dury.)

Karina: Oh Carol / Lady Elizabeth (single del álbum Lady Elizabeth [Hispavox, 1974], cuya portada se ve en el suelo)

Napalm Sunday: Musical chairs [Record Cellar, 2004]

Varios: Rodney on the Roq. Volume 2 [Posh Boy, 1981]

Simple Plan: Get Your Heart On! [Atlantic, 2011] (Bajo la cama, carátulas del propio grupo.)

The Stunning: Paradise in the Pictures House [Dirtbird, 2007]

Gastan gafas #44 // Ellas llevan el ritmo #17: Las Kellies

2012-01-03T19:24:00.005+01:00

Las Kellies son un trío femenino de Buenos Aires querido que le dan al sonido garajero con ganas y actitud. Llevan ya tres discos así como quien no quiere la cosa, una con sus gafas sempiternas y su guitarra (Ceci), otra con su bajo (Betty) y otra con su batería (Sil).

Aunque prima el inglés en las letras, no le hacen ascos a cantar en japonés, español, alemán, francés, catalán o portugués, o algo parecido.

En su Facebook, a modo de declaración de intenciones, dicen ser fanes de ESG, Tom Tom Club, The Cramps, Bikini Kill y Devo, toma ya. De los últimos han hecho una versión de categoría, el inolvidable «Mongoloid»:

Las Kellies - mongoloid [Devo]

Género chico #18 // Preparados para un solo de órgano #6: Gruff Rhys

2011-12-26T17:29:00.005+01:00

Gog no es nada dado a disfrutar de manifestaciones navideñas de ningún tipo, ni siquiera las musicales. Las canciones navidescas en general y los villancicos en particular le parecen de una estética dudosa y le producen un sarpullido que ni ponerse un disfraz de santaclaus encima, barba incluida.

Claro que cómo no prestar atención a algo que se llama Atheist Xmas EP (PIAS, 2011), tres temas de Gruff Rhys que para mayor flipe de la curiosidad contiene títulos como «Post Apocalypse Christmas» y «Slashed Wrists This Christmas»; separadas ambas por «At the End of the Line». Las dos primeras del EP, musicalmente, son la lógica continuación de su Hotel Shampoo de este año. La tercera, la de tonada más navideña, le tiene loco a Gog, con ese baile que se marcan el piano principal y un órgano largo y extendido como un fondo nevado.

Pasote de EP.

Gruff Rhys - Atheist Xmas EP by PIASGermany

Parecidos razonables #18

2011-12-24T09:11:00.008+01:00

El mítico pianista Geraint Watkins (acompañante de Van Morrison o McCartney, por ejemplo).

Mark E. Smith, o sea, The Fall.

El asombroso parecido le sobrevino a Gog el otro día, durante el concierto de Nick Lowe, pues Watkins era el teclista de la banda.

Es este el momento oportuno para sacar a colación (qué expresión más raruna) el nuevo álbum de The Fall, Ersatz G.B. [Cherry Red, 2011], otro artefacto sonoro marca de la casa. Y van más de veinte. La crítica más extendida hacia Smith es que desde 1979 lleva haciendo el mismo disco; y se dice que únicamente los fanes con doctorado en The Fall son capaces de diferenciar uno de otro.

¿Qué tiene, entonces, este nuevo que merezca la pena? Muy fácil: el seguidor de la banda no se sentirá defraudado; quien no conozca a The Fall, que empiece por este, se lo ponga a todo trapo y flipe; y quien lo conozca pero no sea fan, podrá escuchar cómo Smith le ha dado ahora mayor espacio a la electrónica o a los sonidos electrónicos como chapa y pintura para su dinamita sónica (probablemente le viene de su ayuntamiento con Mouse On Mars en 2007). Eso sí, hay temas que podrían estar en un catálogo de hardcore. Lo cual, a estas alturas de la vida de Smith, se diría que es casi admirable.

The Fall - Cosmos 7

Sólo en «Happi Song» baja el volumen y cede la voz a la teclista Eleni Poulou, que canta con el tono helado y despegado de Nico, en una pieza que, obviamente, recuerda a ciertos momentos de la Velvet Underground.

Las nuevas aventuras del llanero solitario #20: Memory Tapes

2011-12-21T18:32:00.007+01:00

¿Por dónde empezar: por el recuento de nombres y su procedencia o por consideraciones acerca de cómo la actualidad musical sigue llena de referencias al pasado, en este caso los ochenta?

Qué pereza, de repente, enfrascarse en cualquiera de las dos opciones. Como buen vago que es Gog, queden pospuestas para dentro de un rato, cuando ya no haya más remedio que acometerlas. Vayamos a lo realmente interesante: Player Piano (Carpak, 2011) es un álbum de electro pop con más de un par de temas encantadores.

08. Sunhits - Memory Tapes

El sonido remite a la década de los ochenta, al tecno pop que se hacía por entonces, cuando aún era posible compaginar comercialidad y calidad, algo que en décadas posteriores se ha ido perdiendo porque la brecha entre ambas se ha ido ensanchando más que un roto en un pantalón. En resumen, que esto se está enredando de más: Memory Tapes suena a un cruce entre China Crisis y The Blue Nile.

Decir Memory Tapes implica nombrar a Davye Hawke, que es quien básicamente se encuentra detrás del proyecto. El disco que nos tiene aquí reunidos va detrás de Seek Magic (2009), ya como Memory Tapes, aunque este excomponente de Hail Social no lo tuvo claro al principio cuando se emancipó: que si unas grabaciones como Memory Cassette, que si otras como Weird Tapes… Al final optó por algo así como lomejordecadacasa.

Portada chula, además.

Rock 'n' actor #23: Matt Berry

2011-12-20T17:37:00.006+01:00

Queda instaurado el siguiente premio anual: el mejor álbum con peor portada. El ganador de 2011, por mayoría absoluta —tan de moda estos días—, es Witchazel (Acid Jazz), del actor, cómico y músico inglés Matt Berry . En el fondo, una vez escuchados los trece temas, se comprende ese aire a otra época, a otro siglo o a otro mundo, de la cubierta y contracubierta.

Toda la instrumentación, a excepción de la batería y el clarinete, corre a su cargo: desde la guitarra eléctrica al ukelele, pasando por todo tipo de teclados (pianos, órganos eléctricos, Korgs…), incluidos melotrón y acordeón, y cachivaches varios. Por etiquetarlo de manera que la gente se haga una idea de por dónde van las inquietudes musicales de Berry, podría decirse que practica un folk progresivo setentero, entre pastoral y espacial. Ya: leído del tirón acojona y echa para atrás. Realmente es un panorama de una riqueza musical hermosa y con saborcillo a castañas asadas en fogón añejo que merece una escucha.

Hay una melodía principal que se repite varias veces a lo largo del disco interpretada de maneras diferentes. Y en «Rain Come Down» hace unos coros McCartney.

1. An Awakening
2. Take My Hand
3. Accident At A Harvest Festival
4. A Song For Rosie
5. So Low
6. Look In My Book
7. The Pheasant
8. Woman
9. The Badger's Wake
10. Rain Came Down
11. From The Manger To The Mortuary
12. Into The Sky
13. Roosting Time

Fa-Gog-ritas: 4, 5 y 12

Debut #44: The Blanche Hudson Weekend

2011-12-18T11:57:00.011+01:00

La muy chula «The Bitterest Clash» recuerda a unos Blondie redivivos, pues es puro «Dreaming». Entonces te das cuenta de que el tema anterior, «Union Square Blackout», podría remitir perfectamente a «Union City Blue». La comparación con el grupo de Deborah Harry es aún más odiosa cuando al frente de esta otra banda también hay una como cantante rubia, Caroline McChrystal.

Así que en cuanto se te mete esta semejanza en la cabeza, resulta muy difícil deshacerse de ella, aunque lo cierto es que el resto de You Always Loved Violence (Squirrel, 2011), álbum de debut de The Blanche Hudson Weekend, no remite musicalmente al grupo neoyorquino, sino que es más rollo C-86; pero para entonces la asociación de ideas ya está fijada con laca. De esta otra hornada, destacan «River’s Edge» y «Permanent Ink».

Son de Leeds, y han surgido tras la escisión de The Manhattan Love Suicides. En ambos casos, nombres de banda con influencias cinematográficas: el anterior era el título de un corto del provocador Richard Kern. El nuevo nombre remite a un personaje de ¿Qué fue de Baby Jane? (R. Aldrich, 1962).

Las cosas del directo #24 // Gastan gafas #43: Nick Lowe

2011-12-17T12:16:00.007+01:00

Precioso y exquisito concierto anoche de Nick Lowe. Sobrado de clase para todo: desde su elegante atuendo negro, su pelo nevado y sus gafas pintonas, a una forma de interpretar la música que de cálida, tierna, sentida y excelenciosa podía hacer llorar. Le acompañaban un grupazo de teclista/organista, contrabajo, guitarra y batería.

El público —fiel y dinosáurico, incluso podría asegurarse que había camuflados milodones auténticos— le pidió dos bises. Tocaron éxitos de ayer y hoy (acaba de sacar álbum nuevo, The Old Magic). Cerró con versión acústica de Costello: «Alison». No tocó esta de su disco anterior, que a Gog le gusta toneladas:

Preparados para un solo de órgano #5 // Música y política #15 // Karaoke #15: The Clash

2011-12-15T18:19:00.001+01:00

Anda Gog estos días preparándose una recopilación con temas de ayer y hoy que contengan sónido de órgano, género este que practica más de lo que se pueda sospechar. No se resiste a un adelanto con esta cancionzaca de The Clash, «Washington Bullets». Ritmo tropical y vacilón para hablar de Allende, Víctor Jara, el Dalai Lama, ráfagas de plomo, Nicaragua, Castro… Y cuarenta últimos segundos gloriosos del Hammond de Mick Gallagher, el teclista habitual de Ian Dury.

A mí no hace falta que me cambies el plato #21 // Con la boca #13

2011-12-12T19:06:00.004+01:00

En 1971 Rita Gillian comenzó a trabajar de camarera en el primer Hard Rock Cafe que se fundó, en Hyde Park Corner (Londres). Y allí se quedó hasta su jubilación. Hoy día es una especie de embajadora de la empresa, y la tienen de aquí para allá celebrando en diferentes ciudades del mundo el 40º aniversario de la marca. Vestida de camarera y con más chapas en la solapa que un dictador, concede entrevistas en las que rememora los tiempos en que servía comidas a los famosos «de pelo largo» que se dejaban caer por allí.

Las comandas más excéntricas, según ella:

> Chuck Berry, que acompañado de una chica rubia pidió té y tostadas con mermelada. Los del HRC tuvieron que ir a Harrods a comprarlo todo.

> Paul McCartney pidió una hamburguesa vegetariana cuando entonces no se hacían.

En el primer caso, ¿sería mermelada de straw-berry? Y lo de llamar hamburguesa a un amasijo de lentejas es como decir que Garfield era un gato de raza.

Curiosidad para almacenadores de curiosidades: el nombre de Hard Rock Cafe era como se llamaba la cara A del disco Morrison Hotel (1970), de The Doors, y de ahí proviene.

Dime qué lees y te diré cómo se llama tu banda #13 // El arte de la versión #39 // Gastan gafas #42: They Might Be Giants

2011-12-10T10:52:00.007+01:00

Decir que They Might Be Giants acaban de publicar un álbum de rarezas y descartes no es aportar mucho, pues cada uno de sus catorce o quince discos anteriores pueden ser considerados también así. Tal es el grado de friquería que han gastado siempre los Johns (Linnell y el gafotas Flansburgh). Su extravagante sentido del humor unido a su insobornable y ecléctico modo de entender la música ha hecho que se les tenga siempre por unos artistas imprevisibles y rarunos cual torero con bigote.

Este par de lectores cachondos del Quijote (tradúzcase el nombre de la banda y piénsese en molinos de vientos), siempre a su bola, practican un pop rock lleno de melodías contagiosas y experimentos sonoros. El caso es que Album raises new and troubling questions (Idlewild, 2011) es, en su sentido más ortodoxo, un saco recopilatorio en el que han ido a parar una veintena de piezas de diverso pelaje que tenían por ahí diseminadas y guardadas; pero algunas ya pueden figurar en un «grandes éxitos» que hagan.

Como curiosidad, destaca el asunto de las versiones, ajenas y propias. Entre las primeras, el conocido «Tubthumping» de Chumbawumba o el «Havalina» Pixie en plan sosegado y bañado con un acordeón al principio, tema que poco a poco se va retorciendo y distorsionando (publicado anteriormente en un tributo a los Pixies de 2007). Entre las propias, han rehecho a la moderna su viejo éxito «Istanbul (Not Constantinople)», que ahora queda ideal para la pista de baile de cualquier fiesta cool como «Electronic Istanbul (Not Constantinople)».

Electronic Istanbul

Hit instantáneo #13: The Black Keys

2011-12-06T09:44:00.003+01:00

Con que el resto del próximo álbum de The Black Keys sea la mitad de bueno que el single que lo adelanta, el pasote está asegurado:

Debut #43: Big Deal

2011-12-04T10:15:00.009+01:00

Aquí hay talentazo. Incluso Gog se atreve con un augurio: el dúo chico/chica Big Deal (los ingleses Alice Costelloe + Kacey Underwood) tienen un porvenir como artistas que dará que hablar.

Lights Out (Mute, 2011) es un bellísimo debut de 41 minutos a base de guitarra eléctrica (él), acústica (ella) y voces (ambos), nada más. Ni una línea de bajo, ni una percusión; tan sólo alguna pequeña concesión a un leve teclado en un par de cortes. Así de crudo se lo montan, convencidos de que su sistema de juego es el único posible.

Los doce temas son de una belleza y una profundidad que ciegan, como la portada. Es muy difícil llenar tanto con tanta desnudez, pero ellos lo consiguen; a veces un pequeño rayo de luz basta para iluminar un todo. Esa simple luminosidad hace que sea un disco para escuchar demoradamente, para saborear en la intimidad, para ensimismarse.

1. Distant Neighborhood
2. Chair
3. Cool Like Kurt
4. Swoon
5. Homework
6. Talk
7. With The World At My Feet
8. Locked Up
9. Summer Cold
10. Visions
11. Seraphine
12. Pi

Fa-Gog-ritas: 1, 10 y 11.

Enorme debut. Enorme discazo.

Sales en mi canción #37: Charo

2011-12-03T11:18:00.005+01:00

Acoustic guitar, if you think I play hard
Well you could have belonged to Steve Earle
Or Charo or GWAR, I could sell you tomorrow.
(The Magnetic Fields, en «Acoustic Guitar»)

A ver, Steve Earle es un reputado guitarrista norteamericano; GWAR, una banda metalera y escatológica antecedente de los eurovisivos Lordi; pero esa Charo que cita Stephen Merritt, ¿quién leches es? Pues menuda sorpresa se ha llevado Gog: morrocotuda dicho a la antigua, to’ flipante a la moderna, para que nos entendamos todos.

Y es que lo que consta sobre ella en su entrada de la wiki no tiene desperdicio. Un resumencillo: la murciana María Del Rosario Mercedes Laura Jennifer Pilar Martínez Molina Baeza De Rasten se casó a los 15 años (hay serias dudas sobre su fecha de nacimiento, que ella oculta celosamente) con el entonces sexagenario Xavier Cugat en 1966. Había estudiado flamenco y era una reputada guitarrista clásica (véase el vídeo final), pero su ostentosa y explosiva presencia ocultó esos valores.

Grabó sus cuatro y más valiosos primeros discos con la Salsoul Orchestra. El primero de ellos contiene su al parecer afamado «Cuchi cuchi»; y además versionea desde el «Borriquito» a «Let’s Spend the Night Together». Muy recomendable la escucha para amigos de fricadas varias.

Es un delirio escuchar la pronunciación inglesa que gasta la internacional murciana. Véasela en un programa televisivo junto a Dean Martin y Danny Thomas. Se los come vivos. Qué desparpajo tenía. Y atención al detalle de con qué finura y seguridad le aparta a Dino la mano de su trasero.

En Estados Unidos es muy conocida. Y sigue en activo. Hace poco, en la tele, aseguró que Lady Gaga es Madonna con diarrea. (El youtube está plagado de sus proezas.)

Una crack. Muy grande la Charo.

Las cosas del directo #23: Plastic d'Amour

2011-12-01T19:24:00.008+01:00

El miércoles pasado, en la inauguración de una especie de tienda itinerante de Madrid de muebles vintage franceses, tuvo lugar un hecho inesperado: Alberto Matesanz y Blanca Lacasa, o sea, Plastic d'Amour, se reunieron de nuevo para la ocasión. Al parecer sólo se podía acceder con invitación a los dos pases que hicieron. Interpretaron temas propios, alternados con versiones de Moustaki, Brassens y Gainsbourg. Cuentan que cerraron con «Aujourd'hui», tal vez el tema con más fuerza de su cancionero.

Plastic dAmour - Aujourd Hui

Lamentablemente para los seguidores del grupo, no pueden hacerse conjeturas ni sacar conclusiones de ello, puesto que de momento no hay nada más que invite a pensar en una vuelta a los ruedos musicales; quede al menos reseñada aquí la ocasión extraordinaria.

[Fotos de Marcos Torres.]

Discos con portada con discos #37

2011-11-29T18:51:00.002+01:00

Presidente: ¿Dónde fuiste Simón Jean? (La Produktiva Records, 2010)

Badly Drawn Boy: One Plus One Is One (XL, 2004)

Las cosas del directo #22 // Debut #42

2011-11-27T12:08:00.012+01:00

El Primavera Club es un juego. Quien comprenda eso disfrutará mucho más de un festival itinerante (itinerante sobre todo para los asistentes), en el que como si se tratara de una ginkana hay que intentar pasar unas pruebas para al final comprobar quién ha podido asistir a más conciertos. Primero debes canjear la entrada por una pulsera en un punto determinado; después comienza un de aquí para allá, de sala en sala, exasperante. Si se le permite el chiste a Gog, es un puro festival underground, pero más por la cantidad de veces que hay que montar en Metro.

Lo bueno que tienen los festivales es que es una buena manera de conocer directos de bandas a las que no irías a ver en condiciones normales. Y quien haya asistido a algún festival sabe muy bien que suele ocurrir que grupos en los que tienes depositadas ciertas expectativas patinan y te decepcionan, y al contrario, te sorprenden para bien grupetes por los que no hubieras apostado jamás aunque te pasaran el soplo de que eran un caballo ganador seguro.

En este último caso se encuentra Gog con Still Corners y Givers, de los que había escuchado sus discos de debut pero que no iba a desgranar en En Esta Quiero Humo. Ambos se lo han ganado ahora.

La inglesa Tessa Murray es el proyecto de diva que da alma a Still Corners. Extrañamente, han publicado Creatures of an Hour (2011) en un sello guitarrero por excelencia como SubPop, cuando su dream pop etéreo y vaporoso encajaría sin fisuras en el sello 4AD. Hay temas en el álbum expansivos y profundos, muy bien estructurados, perfectos para estados de acurrucamiento.

Still Corners - Cuckoo by subpop

Aunque el set a veces fue un poco deslavazado por los kilos de pregrabados que traían, tan necesarios para crear esos ambientes oníricos y flotantes, consiguieron enganchar al personal con una propuesta esforzada y creíble. Versionearon el «I’m on fire» springsteeniano en las coordenadas gélidas propias del palo que tocan.

El sorpresón fue ver cómo Givers, quinteto de Lafayette (Louisiana), daba vida a In Light (Glassnote, 2011), un disco muy plano y demasiado lastrado por el referente Vampire Weekend que no refleja el contagioso vitalismo y las excelentes dotes que la banda tiene en directo, donde lo parten. Comandados por un eternamente sonriente Taylor Guarisco, una maravillosa criatura nacida para la música llamada Tiffany Lamson (voz, segunda batería, percusiones mil y ukele) y el poderoso bajista Josh Leblanc, convencieron al público de que si se les había colocado en horario estelar era por algo. Lo dieron todo —la actitud, estúpido, la actitud—, y salieron por la puerta grande. Hicieron una lógica versión de The Talking Heads.

...Y ellos se juntan #48 // Preparados para un solo de órgano #4 // Gastan gafas #42: About Group

2011-11-24T17:55:00.006+01:00

El a priori lo tiene todo para molar:

El cantante de Hot Chip + el batera de This Heat + el teclista de Spiritualized = About Group se han metido en los estudios de Abbey Road para grabar su segunda colaboración juntos, Start & Complete (Domino, 2011).

La realidad es que parece más un álbum de Alexis Taylor (el gafotas de Hot Chip), que lo compone todo, lo canta todo y se encarga de que su Wurlitzer y su Hammond pueblen todo el disco, acompañado de unos músicos de sesión.

En un solo día grabaron estos catorce bonitos medios tiempos de tintes espaciales y flotantes, un fluir sonoro sosegado y en calma, ambiental. El conjunto únicamente se ve sobresaltado por ese delirio improvisado de once minutos que es «You’re No Good», uno de los mejores temas junto a «Don’t Worry».

02 About Group - Don't Worry

Hubo un tiempo en que bastaba con una portada #11: hoy lo cuenta Polidori

2011-11-22T17:25:00.008+01:00

La historia de una portada me manda hacer Gog que en mi vida me he visto en tanto aprieto.

Una entre decenas de miles. Menuda elección. ¿A qué apelar, al sentimentalismo, a la importancia histórica, a su calidad artística? Son muchos años de ver portadas, de manejarlas, de manosearlas para decidirse por una sola. Si al menos fuesen diez, o veinte. Cabrían entonces portadas sublimes, portadas cargadas de emociones y recuerdos. Pero sólo puede quedar una, cual highlander mandoble en manos.

Tendré entonces que descartar los paisajes oníricos de Echo & the Bunnymen, el Avalon de Roxy Music, aquella cessepeada portada de Golpes Bajos, el escorzo del Deep de Peter Murphy, la bolchevique Construction Time Again de Depeche Mode, los ídolos cinematográficos de The Smiths (y su legado en Belle & Sebastian), la motera Steve McQueen de Prefab Sprout, la rotundidad del One True Passion de Revenge, el chandaleo arreglao pero informal del Walking Wounded de Everything but The Girl, las trendies (así, en general) de Björk, la neoyorquina (lástima del Loriga) Foreign Land de la Rosenvinge, la roja pasión de To bring you my love de P.J. Harvey, o por qué no esa oda a la maternidad del Simple Pleasure de Tindersticks. Tantas y tantas inolvidables...

Son muchas las portadas con historia, y muchas las historias sobre portadas. Como aquella en la que mi hermano, el que fuera mi “líder espiritual” (todos tenemos alguno) y experto en el arte de comprar discos por sus portadas, consiguió que el huraño encargado de La Metralleta (para los profanos, una tienducha de discos de segunda mano a la que acudíamos todos los compradores compulsivos de discos de parco bolsillo, incluido un tal Paco Clavel) se tragara que un vinilo con una sugerente rubia de aspecto sofisticado (y de cuyo nombre no puedo acordarme) era en realidad un disco de la novia de Elvis Costello, con el que, sin por supuesto serlo, consiguió un ventajoso trueque por un plástico sin duda más valioso.

Pero Gog quiere que cuente la historia de una sola portada muy especial para el que suscribe, así que habrá que afinar y pensar en aquellas que han marcado mi trayectoria como aficionado enfermo de música. Y si hay un momento y un lugar que han hecho de mí el melómano que soy, ése no puede ser otro que el Manchester (Madchester) de finales de los setenta y principios de los ochenta; y más en concreto una banda que marcó definitivamente mi paso de la despreocupada e inocente infancia a la atormentada adolescencia: nada más y nada menos que Joy Division.

Todo comenzó con un viejo número (cuántas veces me he arrepentido de no haberlo conservado) de una magnífica revista de la época, Sur ExpreS, en la que se publicó, allá por mediados de los ochenta, un especial sobre lo que vino en llamarse “neorromanticismo”, y cuya mirada se adentraba desde los albores del movimiento romántico del XVIII y XIX (el de verdad) hasta los rostros de líderes de bandas de polvos blancos en la cara y pelos lacios tan del gusto del momento, sublimados en el que sería uno de mis artistas favoritos de todos los tiempos, David Sylvian, el conspicuo y atildado frontman de Japan.

Dentro de la vorágine de nombres y pelos encrespados aparecía, de forma sucinta, la historia del mártir por excelencia del “movimiento”, aquel Ian Curtis que lideró la desaparecida Joy Division, y que se suicidó por una mezcla de hastío vital, desequilibrio emocional, empanada sentimental y hartazgo en su condición de epiléptico. Y para ilustrar su historia aparecía, en todo su esplendor, la portada de un maxisingle (qué arcaico queda ya esto) con un ángel recostado y exangüe en blanco y negro, sobre fondo negro infernal y unas rotundas letras mayúsculas blancas, enmarcado todo en un discreto cuadrado también blanco. El título, uno de los más espléndidos que para una vibrante a la par que dolorosa canción de desamor se haya escrito jamás: “Love will tear us apart”. Ese vinilo, esa portada, fue mucho más que una portada para mí. Llegué a fotocopiarla para forrar con ella la carpeta que osé llevar, como un estandarte, durante los primeros años de mi aventura universitaria. Fue, además, un disco difícil de conseguir, un pequeño trofeo que guardé con esmero; uno de esos discos “de importación”, con lo que eso conllevaba. La imagen en sí, elegante, sobria y discreta, ofrecía un verdadero contraste con el brillo sonoro del tema, que camuflaba una letra cuya intensidad era la habitual en las composiciones de los Joy. La portada original de la época, aún en vida de Curtis, era un simple cartón de color hueso con el nombre de la canción y el número de serie del sello Factory (“A Factory Record- Fac 23”) en una discreta tipografía mecanografiada.

La “internacional”, que es la que nos ocupa, salió mucho más tarde, evidentemente bajo la influencia de la ola hagiográfica posterior a su muerte. Así, era más pertinente darle al disco un motivo más fúnebre, y de ahí la portada, que tiene mucho que ver con la celebérrima Closer, el elepé póstumo del grupo, en la que aparecía un pétreo cortejo fúnebre que parecía acompañar al difunto Ian, recientemente desaparecido.

Nunca supe si mi afición por los cementerios vino por esa portada, así como esa querencia por la asfixia existencialista del bueno de Curtis, pero sé que esa imagen pesó tanto o más en mi ánimo que la espléndida y tantas veces traída y llevada canción. Todavía hoy me sigue llamando la atención cuando repaso mi viniloteca, o cuando la veo impresa en camisetas en algún concierto de esos que me retrotraen a aquellos otros de antaño.

Tanta y tanta música, querido Gog.

Joy Division - Love Will Tear Us Apart por hushhush112

[Autor del texto: Polidori]

5 sobre... #15: muñecas hinchables

2011-11-21T17:43:00.009+01:00

Por uno de esos azares azorosos que suelen sobrevenir de vez en cuando, Gog se ha topado este año con dos textos —extraños, inquietantes, personalísimos— con un mismo leitmotiv: la relación erótico-obsesiva de sus protagonistas con unas muñecas.

El primero, escrito por el uruguayo Felisberto Hernández, fue el relato «Las Hortensias». Resulta desasosegante y perturbador leer cómo Horacio, el personaje principal, da instrucciones precisas a un fabricante de muñecas para convertirlas en «mujeres».

El otro, del gran Ramón Gómez de la Serna, es un capítulo de la novela El incongruente (Blackie Books, 2010). Ramón era un maravilloso escritor aunque no un excelente novelista. Era un fraseólogo, todo lo tapizaba con frases ingeniosísimas y llenaba las páginas de greguerías, que eran como grafitis literarios pintados en las hojas blancas de un libro. En El incongruente se encadenan las andanzas sentimentales de un soltero empedernido, Gustavo, una especie de don Juan surrealista. Una de estas aventuras transcurre en un pueblo habitado por una sola persona y multitud de muñecas de cera; Gustavo se enamora de una las muñecas y está a punto de casarse con ella.

Y ayer, para terminar de cerrar este círculo casuístico o casualístico y decidirse Gog a convocar aquí el asunto, le aparecieron reordenando cajas viejas casetes grabadas por él en lo que debió de ser otra vida. En una de ellas estaba «Muñeca hinchable» de la Orquesta Mondragón, lo cual le llevó a Gog a meditar un rato sobre que este no es un tema demasiado tratado en la música.

En el cine sí ha sido un tema mucho más utilizado. Por quedarnos con una de aquí aunque esté grabada en París: la increíble, oscura y terrorífica Tamaño natural (1983), de García Berlanga.

En Aterriza como puedas, al asunto se le dio un giro más: un muñeco hinchable.

A la tercera va la vencida #14: The Donkeys

2011-11-19T10:30:00.010+01:00

The Donkeys han descubierto el pop y la psicodelia; o al menos, si no se trata de un descubrimiento per se, de lo que sí se trata es de que ahora han incorporado estos elementos a esa línea de sus dos primeros discos que iba a través de los parajes sonoros a lo Creedence y The Band.

Hay un ciento de detalles en Born With Stripes (Dead Oceans, 2011) que merecen la atención. Ese auuuuu de los coros en el primer tema secundando un punteo de guitarra feliz:

The Donkeys - Dont Know

O ese otro riff felicísimo que baña el siguiente corte («I Like The Way You Walk»), tema que si lo hubieran firmado unos tal Wilco el mundillo musical que tanto los ensalza estaría con la baba caída. La pandereta de «Bloodhound». «Born With Stripes» suena a unos The Faces redivivos; aquí con un solo de guitarra exaltado y un teclado vacilón sosteniendo la melodía. En «Kaleidoscope» aparecen los primeros síntomas de psicodelia, desatados definitivamente en el último corte de la cara A –«West Coast Raga»– y en el que cierra el álbum –«East Coast Raga»–, ambos con su bien de sitar y doce cuerdas. E idénticos patrones disfrutables en la cara B, con otra enorme canción incrustada en medio («Oxblood»), o la preciosa «Valerie», en la que parecen Ray Davies cantando con The Eagles.

La portada del álbum tal vez no es demasiado afortunada. Estos cuatro chicos de San Diego no son cool, ni atienden a patrones moderniquis. No les mueve otra cosa que hacer música disfrutando ellos mismos. Son unos clásicos. Tocan con exquisitez y sapiencia. Es su tercer y más afortunado intento. Y el mundo no se enterará.

Ette aquí #31: The Masterettes

2011-11-16T20:34:00.003+01:00

The Masterettes existieron pero no. Cuatro amigas del insti en Queens, siguiendo la estela de sus compis The Masters, decidieron formar una de esas bandas vocálicas de chicas de la década de los sesenta, a la que llamaron The Masterettes. La novedad era que el abandono de una de ellas coincidió con que su banda hermana The Masters andaban a la greña, así que uno de ellos, Herb Rooney, les dejó para unirse a las entonces tres chicas. En contra de lo que pudiera suponerse, él no fue la voz principal arropada por los coros de las chicas, sino que pasó a formar parte del coro. La voz solista la llevaba Brenda Reid, que tenía una fuerza arrolladora y en cuya garganta cuajó el tema que Leiber y Stoller compusieron para el grupo, el famoso «Tell Him», después de verlos en una audición. Eso sí, Leiber y Stoller les sugirieron otro nombre artístico, The Exciters, con el que grabaron aquel tema en 1962 y entraron en la historia.

Como The Exciters tuvieron una larga carrera; les duró hasta bien entrada la década siguiente. Y aunque siempre serán recordados por el tema con el que debutaron —se ha incluido en numerosas bandas sonoras—, lo cierto es que consiguieron varios éxitos más en las listas de nothern soul («Do Wah Diddy Diddy», por ejemplo).

Por si aún queda alguien por aquí que quiera leer el final de la historia, Reid y Rooney se casaron. Se separaron en los ochenta; él montó una empresa de cosméticos, mientras que ella años después volvió a poner en marcha unos nuevos Exciters con miembros de su familia.

Género chico #17 // Las nuevas aventuras del llanero solitario #19: J'aime

2011-11-15T17:24:00.023+01:00

Ha concluido la hermosa colección de singles del sello Jabalina. Hablando de ello el otro día Gog y un amigo, coincidían en que no parece haber sido suficientemente ponderada esta aventura comercial y que de haberse publicado el mismo producto en otros lares, tal vez habría obtenido un reconocimiento más amplio. El contenido de la colección gustará más o menos, pues aunque les une la temática, la puesta en escena, como no podía ser de otra forma, es muy variada; pero quedará para el futuro como un cancionero ibérico muy digno y curioso.

El caso es que para Gog coincide el final de la colección con el single que más le ha gustado de todos. Jaime Cristóbal, el responsable mayor del dúo pamplonica Souvenir, se presenta en solitario aprovechando la coyuntura, aunque la otra parte, Patricia, colabora en alguno de estos cuatro temas con coros y tocando el autoharpa. Llevado de su querencia por lo francés, se ha bautizado J'aime, que viene que ni pintado como broche final de la colección.

Sin embargo, como suele ser ella la que lleve la voz cantante y aquí es él el que lo hace, su probablemente menor destreza con la pronunciación francesa, o simplemente para diferenciarse más de la banda madre, le ha hecho decantarse por el inglés en tres temas y en español en el último.

Para hacerse una idea de por dónde ha decidido adentrarse Cristóbal en lo musical, diremos que todo está muy vestido con el pedal steel y el lap steel. O sea, predominan los ambientes fronterizos y desérticos.

«My Cigarrettes» se presenta con unos rasgueos iniciales bellos y seguros que atrapan a la primera. La otra canción de la cara A, «Combex Doll», contiene un monocorde pero hipnóptico y sugerente teclado (*).

El vinilo es de color gris.

Es este también un buen momento para volver a recomendar el instructivo blog «radiofónico» de Cristóbal: Popcasting.

(*) Nota: se trata de un teclado Microkorg XL replicando el sonido de un Wurlitzer. El propio Jaime Cristóbal se ha encargado de facilitarle a Gog los datos técnicos. Muchísimas gracias por la aclaración.

Las nuevas aventuras del llanero solitario #18 // El porqué de mis peinados #16: Eleanor Friedberger

2011-11-13T09:29:00.006+01:00

En cuanto abre la boca Eleanor Friedberger, y eso ocurre desde el primer segundo del álbum, ya sabemos de quién se trata, por si había alguna duda: la vocalista de los extraños y sinuosos The Fiery Furnaces.

Esta vez ha querido volar sola. Y lo hace con canciones más cadenciosas, de estructuras menos enrevesadas, que las que construye en el grupo con su hermano. Sigue habiendo ese pianillo desenfadado y garboso que también les identifica, pero las ambientaciones son menos nerviosas y están más floreadas. Ese piano está, por ejemplo, en «Scenes from Bensonhurst», que es una de las canciones más bonitas que ha cantado (y en este caso, compuesto) Friedberger.

Eleanor Friedberger - Scenes from Bensonhurst by MergeRecords

Ponemos también el pulgar hacia arriba por los toques funky de «Roosevelt Island» y por los punteos tropicales de «One-Month Marathon» (otra preciosidad) que iluminan a la letanía monocorde del teclado. «I Won’t Fall Apart On You Tonight» es lo más parecido a un hit que tal vez pueda crear esta gente.

Los fanes del grupo lo disfrutarán. Quienes no los conozcan, si consiguen acoplarse al tono de voz de Friedberger, se llevarán una grata sorpresa con Last Summer (Merge, 2011).

Y ese pedazo de flequillo que le cubre la cara sigue intacto.

Grafitis por el mundo #17 // Plataneces #26

2011-11-11T18:13:00.003+01:00

El gran Bansky parodiando Pulp Fiction y jugando a Warhol:

Las nuevas aventuras del llanero solitario #17 // Faropedia #11 // Sales en mi canción #36: Mark Nevin

2011-11-09T13:10:00.013+01:00

Puede quedar un poco viejunillo ponerse a hablar de un antiguo semihéroe de los 80, pero es que el continente que rodea al álbum Stand Beside Me In the Sun (Raresongs, 2011), de Mark Nevin, está provisto de un puñado de ingredientes que se cocinan mucho en este blog.

El faro de la portada es la primera señal.

Además, se trata de un regreso en solitario, pues Nevin era el líder de The Fairground Atraction, un grupo de un solo éxito junto a Eddie Reader (con gafas de lectora), pero qué éxito:

Sus muy esporádicos discos desde entonces no significa que Nevin esté algo desvinculado del mundillo musical. Nada de eso: compone habitualmente canciones para otros artistas, desde Morrissey (entre 1991 y 1993) a Carole King.

Y finalmente, en Stand Beside Me In the Sun hay un tema dedicado al líder de The Kinks. Así que aunque todo el contenido del disco, un folk sencillo y amable, no emocione demasiado a Gog, por esa estupenda pieza costumbrista titulada «I Know Where Ray Davies Lives» merece la pena darle una escucha completa: He lives round the corner from me / Up in Highgate, dicho esto mientras el protagonista de la canción está viendo un partido de fútbol en un pub y Davies le pregunta si está libre el asiento de al lado o mientras se tomá un capuchino en un café del barrio. ¡Quién pudiera verse en una así!

Por cierto, Jeremy Messersmith también se acordó el año pasado de The Kinks:

She weaves a beat through Kinks and Deep Purple covers (en «Knots»)

Y aunque parezca mentira, los carpetovetónicos Coz hicieron otro tanto de lo mismo en la indescriptible «Ivonne»: Me hablaste de los Kinks y de la libertad.

A mí no hace falta que me cambies el plato #20: Matthew Herbert

2011-11-07T18:57:00.009+01:00

Del cerdo, hasta los andares. Parece que los ingleses tienen una opinión parecida al respecto. Algunos, incluso, creen que los cochinos pueden servir como materia musical. Quizá el caso más conocido sea el álbum de Pink Floyd Animals (1977), donde no sólo aparecía en la portada un cerdo volando entre las chimeneas de una fábrica (*) sino que al gorrino le dedicaban tres de los cinco temas.

Ahora ha sido el geniecillo de la electrónica Matthew Herbert el que ha hecho música partiendo de la temática porcina, en una gesta radical (experimental se queda corto) consistente en grabar el ciclo vital de un cerdo —desde que nació hasta que un año después 16 chefs lo cocinaron y un centenar de comensales se lo zamparon—, con sus gruñidos y oinks oinks capturados en la pocilga y entremezclados con pasajes musicales electrónicos compuestos para la ocasión por Herbert. Eso es One Pig (Accidental, 2011). Podríamos discutir si llamar música a esto no es una generosidad descabellada; lo que Gog puede asegurar después de escucharlo es que hay piezas emocionantes (el nacimiento, por ejemplo) y que hay algo fascinante en todo ello que te anima a prestar atención al menos una vez. Otro asunto es quién puede querer comprarse algo así.

Tranquilos los preocupados por los derechos de los animalillos: las estrictas leyes inglesas al respecto le prohibieron grabar la muerte. Eso sí, durante el banquete —cada uno de los chefs se encargó de guisar una parte; el experto porcino Fergus Henderson, por ejemplo, se encargó de la cola— quedó bien registrado cómo el personal le daba a las mandíbulas para triturar la carne del animal y deglutirla.

Parece que a partir de ahora habrá que distinguir entre música para carnívoros y para vegetarianos.

(*) Adenda: Una amable comentarista, mucho más sabia que Gog, ha precisado que la portada del álbum de Pink Floyd no es una fábrica, sino la central eléctrica de Battersea (Londres), que también sale en el Help! de los Beatles.

Goguerías #10

2011-11-05T12:18:00.003+01:00

> Otoño, suicidio vegetal.

> Lo suyo es moderno natural.

> Los músicos suelen hacer las cosas por bemoles.

> Damos y caballeras...

> Recuerdos de infancia: sepo, sopa, sapo, sepu.

> Hay cosas que van despacio pero con pausa.

> Trabalenguas:
Lo que digo que hagas es que, hagas lo que hagas, no me digas lo que hagas cuando hagas lo que hagas.

> Calzarse las nalgas: ponerse ropa interior.

> ¡Cómo me puse de reír!

> La mano del trombonetista va y viene sin saber nunca dónde quedarse quieta.

> En esta vida, el teorema que realmente conviene saber es el de Tales y Cuales.

> —¿Qué tal va todo?
—Más o menos mal.

> Au revoir (despedirse a la francesa).

> Un whisky que no suele faltar en ninguna casa: el Scotch Brite.

> Leche de soja: ¿por dónde ordeñarán a esa planta?

¿Qué se sabe de los belgas? #15: Mièle

2011-11-03T17:53:00.008+01:00

Mièle - La chose by humptydumptyrecords

Chula, ¿no? Qué buen ritmo de batera y qué contagioso riff de guitarra, ¿verdad?

Es el tercer corte de Le jour et la nuit, el álbum que los belgas Mièle publicaron el año pasado y que ahora la distribuidora Green Ufos trata de introducir en estas tierras de bárbaros.

Gog ha hecho un poco de trampa escogiendo ese tema para presentar el disco, pues sin duda es la pieza más movida y vitaminada de las diez que lo componen. Pero la línea más frecuentada en él es la que va entre la chanson y el pop más delicados, muy parecidamente al précieux L’heroine au bain (Naïve, 2003) de Olivier Libaux (el de Nouvelle Vague).

Se alternan voces masculinas y femeninas. Sonido entre angelical y sensual, más luminoso de lo que pueda parecer. (Aviso a navegantes: álbum que gana a cada escucha, por si a la primera se te ha puesto cara de malhuele.)

Letras sin acordes #8 // El porqué de mis peinados #14

2011-11-01T18:48:00.013+01:00

Lamento que andes metida en un tornado (p. 33).

Está el boxeo y están los diferentes tipos de peinados.

Bowlcut ('pelocasco'), Bunn ('moño'), Bangs ('flequillo') son apellidos de algunas de las chicas que aparecen mencionadas en la novelita epistolar del músico estadounidense Bill Callahan, Cartas a Emma Bowlcut (Alpha Decay, 2011).

Y sí, el arte de sacudirse sopapos con unos guantes que no dejan enhebrar una aguja es el otro hilo conductor que se estira a lo largo de las 62 breves epístolas que el protagonista, un científico a la deriva personal, le envía a la mencionada Emma, de la que se ha enamorado en una fiesta pero a la que no es capaz de hablar.

Tampoco el lector oirá hablar a Emma en estas misivas. Es únicamente la voz del protagonista desgranando sus deseos y frustraciones; poco a poco lo vemos liberarse de sus demonios, de su soledad, tratando una vez más de no volver a caer en la acostumbrada derrota. Y Bill Callahan tejiendo el conjunto con un estilo a la vez frío pero profundamente sentido. No siempre consigue encandilar y a veces se hace complicado sumergirse en ese mundo extraño o extrañado, tan personal, del autor. Por esta vez, con el intento le vale.

Debut #41 // A mí no hace falta que me cambies el plato #19: Dominant Legs

2011-10-30T08:59:00.010+01:00

Según los tratados de Geometría: «Todas las figuras idénticas son iguales; sin embargo, no todas las figuras iguales son idénticas». Se ve que es una máxima perfectamente aplicable a esta época de devoción por lo retro y la vuelta a patrones explotados ya hace tiempo. Y el debut de Dominant Legs puede servir para ilustrarlo.

Además, haber escuchado estos días su álbum de debut, Invitation (Lefse, 2011), coincide con una conversación que mantuvieron Gog y un amigo no hace mucho en la que curiosamente se mencionó al hoy muy olvidado grupo ochentero Haircut 100.

Y es que Ryan Lynch y Hannah Hunt forman la base de esta nueva banda de San Francisco que parece estar de fiesta permanente en una isla tropical con ese pop con desparrame de riffs saltarines de guitarra y cajas de ritmo a lo Orange Juice y, sobre todo, Aztec Camera y Haircut 100. Es más, el parecido de Lynch con Roddy Frame o Nick Heyward es un caso clónico.

Pese a un par de momentos (cortes 6 y 8) copados por los sintetizadores y que suenan como si aún nos encontramos en plenos ochenta más comerciales, Invitation se deja escuchar y degustar, aún mucho más si tienes la suerte de desconocer todos estos antecedentes musicales que Gog ha dispuesto con su pedantería habitual. El tema inicial y el single molón «Hoop for Love» prometen mucho disfrute. Tanto el estribillo de ese tema, que insiste en la idea de que el amor les da hambre, como el vídeo que le han preparado están en consonancia con la frutícola portada. (Respecto al vídeo, Gog no comprende qué es eso de partir un kiwi a lo largo; está de moda hacerlo con las sandías y le pone de los nervios: los melones, longitudinalmente, y las sandías, tranversalmente, de toda la vida.)

Dominant Legs - Hoop of Love from Video Exclusives // Playground on Vimeo.

Y ya que estamos, recordemos a Haircut 100:

Discos con portada con discos #36

2011-10-29T13:11:00.003+02:00

Funkadelic: Music For Your Mother (Westbound, 1973)

Snowglobe: Our Land Brains (Bardot/Houston Party, 2003)

Parecidos razonables #17 // Las cosas del directo #21: Bonnie Prince Billy

2011-10-27T17:45:00.007+02:00

Hace unos días, durante un concierto de Bonnie Prince Billy,

un terrible fogonazo retrotrajo a Gog a una época de su pasado que tenía perdida en el limbo de la memoria, y ya no pudo volver a mirar al escenario sin que se le apareciera la imagen del...

señor Roper.

Hubo un tiempo en que bastaba con una portada #10: hoy lo cuenta Miss Amanda Jones

2011-10-25T18:10:00.005+02:00

Nunca me ha gustado mucho el rollo romántico, o mejor dicho lo que se supone que tiene que ser «romántico»: toda esa historia de cenas con velas, regalos de joyas e irte sola con tu pareja a pasar el fin de semana en el medio de la nada. De verdad, no puedo, todo eso me resulta un coñazo. Para que os hagáis una idea de cómo funciono, la mejor primera cita que recuerdo consistió en ir a comprar un tapón para un fregadero y después pasar la tarde sentados al sol en la acera de un bar, porque dentro ya no cabía más gente, hablando de biología y cantando canciones de los Sex Pistols y de Leonardo Dantés. Así que debe de ser por eso también que el regalo «de chicos» que recuerdo con más cariño y que más ilusión me hizo fue, hace ya unos cuantos cumpleaños, una camiseta del bar en el que trabajaba mi susodicho de entonces, más una copia del Ziggy Stardust en un CD regrabable, eso sí, una copia currada, con su CD decorado y su portada fotocopiada en color por ambos lados y todo. Esa fue la primera vez que la vi.

Probablemente no había escuchado nada de David Bowie, al menos a conciencia, hasta cinco o seis años antes; entonces decidí que David Bowie me gustaba, así en general pero sin profundizar, al estilo de la mayoría de gente que te dice que le gustan Elvis o los Beatles, porque resulta que a todo el mundo le gustan aunque luego no tengan ni un disco suyo ni pasen del «Love me tender» y del «Yellow submarine». Pues de la misma manera decidí yo que me gustaba Bowie: sus canciones más míticas sonaban bien por la radio y en casas ajenas, y con eso era suficiente.

Pero con aquella copia del Ziggy Stardust empecé a escucharlo como Dios manda, a conseguir sus discos uno detrás de otro, a comprármelos en vinilo, a flipar con sus letras, a descubrir sus versiones, a criticarlo si la situación lo requería.

Años después vine a vivir a Inglaterra y, no recuerdo muy bien cómo, di en internet con la calle que sale en la portada del Ziggy Stardust. Resultó ser real y no un decorado: está en Londres, se llama Heddon Street y es una perpendicular a Regent Street, del lado izquierdo si vas subiendo de Piccadilly a Oxford Street, a la altura de Carnaby pero del otro lado. Cuando fui a buscarla me encontré con que todo el pijerío de Londres está allí con sus modelazos de viernes por la tarde bebiendo cócteles. Camisas abiertas, sonrisas profidén descorbatadas, sesiones de solarium, tacones de diez centímetros, lentillas azules, Ricky Martin cantando en inglés, terrazas con sofás, brocados, antorchas. Hasta el famoso Ice Bar del que hablan en la sección de «lugares que no te puedes perder en Londres» de la Telva, ese que dentro está a veinte bajo cero y al que no sé qué gracia le ven, está en esa calle; la típica zona de treintañeros y cuarentañeros estupendos que hay en los centros de todas las ciudades. Ahí se hizo la foto de la portada, hace casi cuarenta años, cuando muchos de los que ahora se toman allí las copas aún no habían nacido y aquello sólo era un callejón trasero con mala pinta.

Y al fondo del callejón, tras atravesar dos terrazas, la segunda con dificultades y salvando todo tipo de obstáculos (taconazos que amenazan con clavarte al suelo, mesas de diseño chungo que se tambalean a tu paso, cócteles de quince libras…), y bajo la mirada extrañada de un par de seguratas con pinganillo, está la cabina de la contraportada. O mejor dicho, el sitio en el que estaba la cabina por la que un flipado pagó un pastón en una subasta y que fue sustituida por otra. Ni siquiera dejan estar las pintadas de los fans en la pared; periódicamente se cubren con pintura gris. No quedan bien en una calle con tanto nivel.

La única referencia que pude ver la última vez que estuve allí, no hace mucho, ya que forma parte de la ruta turística por Londres que hago con mis visitas, fue la frase «Ziggy played guitar», escrita tímidamente con boli azul y letra pequeñísima sobre una pegatina publicitaria que había pegada en el teléfono.

Y además, había alguien tirado en el suelo de la cabina, dentro de un saco de dormir.

[Autora del texto: Miss Amanda Jones]

Cameos musicales #31: Mataharis

2011-10-24T19:41:00.004+02:00

Rosendo Mercado (de valores, pero de los buenos), tocando en directo «Maneras de vivir» para una escena de Mataharis (Bollaín, 2007).

Ellas llevan el ritmo #15: Janet Weiss

2011-10-22T09:29:00.006+02:00

Janet Weiss era la batería de Sleater-Kinney, aquel fogoso trío de riot grrrl, que es cómo se resumía una forma de entender el punk y el rock de combate mezclado con el feminismo en la década de los noventa. Sleater-Kinney fueron unas de las más sonadas del movimiento. Una pérdida su disolución siete discos después, en 2006.

Weiss ha continuado aporreando bombos y cajas. Recientemente se ha sumado a la banda de Stephen Malkmus & The Jicks, con los que ha grabado Mirror Traffic (Domino, 2011). En la contraportada del álbum se la presenta así: «Ms. Weiss is a nationally acclaimed percusionist, camper, and mountaineering specialist. Her profesional knowledge and service is available to all listeners. Tennis and scuba diving are her other specialities.»

Podría decirse que el disco comienza in medias res: cuando suenan las primeras notas de «Tigers» parece que la canción lleve ya en marcha un rato. Es uno de los mejores temas que ha logrado Malkmus en esta etapa en solitario.

Stephen Malkmus & The Jicks - Tigers

De hecho, es este uno de sus discos más completos desde que se acabara Pavement. Siguen ahí su característico fraseo cantarín y sus punteos a veces claros y pegadizos como lapas, a veces sucios o ensuciados. Atención también a «Stick Figures In Love»; y «Senator» ha tenido cierta repercusión porque trata de un político corrupto capaz de cualquier cosa a cambio de una mamada —«What the senator wants is a blow job» machaca el estribillo— y porque el vídeo lo interpreta el actor Joe Black.

Inspiradísimo álbum.

Boris Vian #16

2011-10-20T17:51:00.003+02:00

En Saint-Tropez alrededor de 1956.

¿Y tú de quién eres? #11 // A mí no hace falta que me cambies el plato #18: Baxter Dury

2011-10-18T16:43:00.015+02:00

Mirad al muchacho que posa junto al gran Ian Dury en su portada del enorme New Boots and Panties!!! (Demon, 1977). Era su hijo Baxter, que por entonces tenía 5 años.

Baxter Dury sorprendió al mundillo musical en 2002 surgiendo desde la aparente nada con un debut encantador, Len Parrot's Memorial Lift. Que el tipo ya estaba bien colocado se ve en que para ese primer álbum pudo contar con Richard Hawley y el tándem Utley/Barrow, que le dieron consistencia a un pop onírico que te envolvía, próximo a veces al sonido de Mercury Rev.

Para el-difícil-segundo-disco —Floor Show (Rough Trade, 2005)— el retoño de los Dury se deshizo de aquel plantel; a cambio, le pidió al hijo del Blockheads (la banda del padre) Mickey Gallagher que le echara una mano. Y es que Ben y Baxter probablemente corretearon juntos desde chiquilines y hay cosas que no se olvidan. Musicalmente el resultado fue bien diferente, incluso algo decepcionante. Para empezar ya no había todo aquel tratamiento de la voz del álbum inicial, y pudimos empezar a descubrir el enorme parecido que tenía su entonación con la paterna. Las composiciones tenían un cariz más tradicional, y la magia de los Portishead se había trasmutado en trucos más facilones.

Curiosamente, la reedición de 2004 de New Boots and Panties!!! incluía un descarte de las sesiones del original titulado «Apples». En ese tema, el frutero que regala una manzana a una bailarina del Soho también se llama Baxter. Y el Baxter Dury ha decidido definitivamente seguir la senda paterna y este año ha regresado con un tercer álbum plagado de aquella cotidianidad tan fresca del padre. E igual de nutritivo, porque lo ha titulado Happy Soup (Regal, 2011), incluye un tema titulado «Picnic On The Edge» y posa para el libreto con un plato de ensalada entre las manos.

En «Claire» parece un redivivo Ian, como un pub rock de ultratumba. Por lo demás, el disco contiene un par de temas gozosos, como el primero, «Isabel», o, sobre todo, «Trellic», una pieza del mejor pop que comienza con un llamativo redoble de caja durante cinco segundos, al que le sigue un punteo de guitarra cautivador y más adelante unos coros femeninos la mar de sugerentes (brillante contrapunto el de Madelaine Hart a lo largo de todo el álbum).

Happy Soup no alcanza las cotas artísticas del debut, pero ha remontado el vuelo de Baxter Dury. Quizá se trata simplemente de que nos acostumbremos y asimilemos de una vez que es hijo de quien es y que contra el ADN no se puede luchar.

La cara oculta #4: Daft Punk

2011-10-16T10:23:00.003+02:00

La leyenda urbana cuenta que Guy Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter son tan desconocidos y misteriosos que se permiten enviar a sus conciertos a otras dos personas en su lugar para que pulsen los botones.

Originalmente estos amigos parisinos, llevados por su fascinación por los Beach Boys (¿?), se hacían llamar Darlin’. La revista Melody Maker describió entonces su quehacer como «un ramillete de daft punk», lo cual les hizo tanta gracia que lo adoptaron como nombre de guerra. Y a partir de ahí el despegue. Desde su inicial Homework (1997) y después con Discovery (2001), pusieron a Francia a la cabeza de la música electrónica, el house, el sampleado a saco, el uso del vocoder y la modernidad más moderna. Su imagen robótica, como de motoristas intergalácticos, es archifamosa, y apenas circula una foto del dúo en sus años adolescentes.

Lo último que han hecho es ponerle banda sonora a Tron: Legacy (Walt Disney, 2010). Y en el recopilatorio que está a punto de salir para celebrar sus veinte años de vigencia, se incluirá un tema inédito de 1994, titulado «Drive».

El gran James Murphy incluso los lleva a su casa:

Ette aquí #30: The Vonettes / The Pacettes

2011-10-14T19:19:00.008+02:00

La historia de Van McCoy es esa del muchacho negro que canta góspel en el coro de su iglesia y que después se dedica profesionalmente a la música en aquella época dorada del soul. Aunque destacaba más componiendo y arreglando para otros, como artista lo intentó en numerosas ocasiones sin demasiado éxito. Vueltas que da la vida, sólo en 1975, con la llegada de la música disco, le tocó el premio gordo con, curiosamente, una pieza cuasi-instrumental, la inmortal «The Hustle».

A comienzos de la década de los sesenta se había echado novia, Kendra Spotswood, que a partir de entonces le acompañó durante mucho tiempo en labores artísticas. Para empezar, fue la voz principal del grupo de chicas de acompañamiento de McCoy, tan típicos entonces. También como entonces, el coro tenía nombre propio: The Vonettes. Y también como entonces, las chicas llegaron a grabar algún tema sólo con su nombre artístico. En su caso, «Touch My Heart» es el que las mantiene dentro del libro de la historia de la música:

La pareja McCoy-Spotswood compuso, produjo e interpretó una serie de singles publicados bajo una espiral frenética de seudónimos:

> The Pacettes: «You Don't Know Baby»
> Jack & Jill's: «Two of a Kind»
> The Fantastic Vantastics: «Gee What a Boy»

A ella debía de atraerle el asunto del cambio de nombre artístico, porque luego continuó cantando nothern soul del bueno como Sandi Sheldon y como Kenni Woods. En puridad, este ajetreo nominal tenía una explicación más allá de intentar captar la atención del público (porque es sabido que la fama tiene alma de liebre y puede saltar donde menos se la espera): por motivos contractuales, a diferente compañía discográfica, diferente nombre. Se la recordará, entre otros temas, por maravillas soul como «Back With My Baby» o «You're Gonna Make Me Love You», firmados por el ínclito Van.

Otra de las Vonettes fue Brenda McGregor, que abandonó a su también grupo de chicas The Dynells para unirse a estas otras. Murió a los 25 años.

Música y política #13 / Gastan gafas #39: La Estrella de David

2011-10-12T10:13:00.006+02:00

David Rodríguez siempre ha sido un anarquista y todo apunta a que siempre lo será. Entiéndase por tal un artista que siempre ha ido a su bola haciendo lo que le ha salido de la gana, y alguien de pensamiento libre y crítico con el mundo que le rodea. Un «undergrounder», como decía aquella canción suya de Telefilme. Y Beef, no nos olvidemos de su otro grupo, hornada de la primera generación indie ibérica. Aquel indie patrio se caracterizaba por la querencia a cantar en inglés, que tal vez era su manera de entender la modernidad y de despegarse del pop de la Movida. Todos ellos luego se dieron cuenta de que podían expresarse mucho mejor en su lengua materna, y enterraron el idioma de la Pérfida Albión. El último rastro que tenemos de Beef data de 2004, Victoria principal (El Ejército Rojo), cantado ya casi por completo en español.

Enterradas ambas bandas, David Rodríguez comenzó a especializarse en producir a otros, y paralelamente dio salida a un nuevo proyecto musical propio: La Estrella de David. Maracaibo (Canadá, 2011) es su excepcional segundo ejercicio.

En lo musical, sigue alentado básicamente por la pulsión del krautrock, del que siempre se ha confesado devoto, sólo que ahora ha dado cabida, a su manera, muy a su manera, a sabores populares, y referencias a la copla, el cantautorismo o el folclore, todo ello, insistimos, pasado por el tamiz retorcido, personalísimo e intransferible de David Rodríguez. Incluso se atreve con una versión de un tema popularizado por, hey, Julio Iglesias, «La carretera».

En el contenido, ha abierto su corazón cínico y esquivo para regalarnos gemas de este pelo:

Hay tres cosas que me importan más: / ser listo para que otra no escoja, / verte otra vez y la paz mundial. («Escalofrío»)

Quería estar contigo / en todas las horas. / Si quieres lo digo otra vez. («Cuando te deje»). [Atención a esa preposición, que convierte algo mil veces dicho antes en algo especial.]

Tú la joya; las demás, bisutería. («Decathlon»)

Érase una vez en Maracaibo / la llave de mi sosiego, / la que me anuncia juegos nuevos. / Pero sigo aquí / en el siglo XIX / esperando a que se quede. / Me sorprendería hacerlo bien. («Un último esfuerzo»)

Y Gog pide perdón si hay alguien presente al que el asunto de las letras le resulta cansino, pero es que ha convertido «El más romano del mundo» en himno personal y desea copiarlo entero:

Hay una línea de alta tensión
que me separa de Dios.
Entre su campanario
y mi cuarto de estar
hay un vacío legal
que los abogados del juicio final
han decidido llenar
con su primera sentencia ejemplar:
que me muera de pena
muy lejos de este lugar.

Y yo no me quiero
Yo no me quiero marchar

Si no me resisto
según lo previsto,
iré al paraíso fiscal
con un talonario
con cheques en blanco
de un banco de la capital.
Y los notarios de la eternidad
traerán la fe para estar
a la derecha del rey celestial.
Hay un solo problema:
Yo no me quiero marchar.

La Estrella de David- El más romano del mundo

Neil Young estaría satisfecho, ¿verdad?

Por supuesto, no podía faltar en él el apartado político. Ya con Beef resultó con toda probabilidad premonitorio (desgraciadamente) aquel «C’mon Rajoy». En esta ocasión hace desfilar por «La gran fiesta de la democracia» a todo el espectro político catalán: Jordi Pujol y Montilla / Artur Mas, Pasqual Maragall, / Joel Joan Antoni Samaranch. / Passeu, que ya os dirá el regidor / dónde tenéis que poneros. Y su aviesa línea final: Yo esta noche no me arreglo.

C’mon, David.

...Y ellos se juntan #47 // Cosas de hermanos #18: 13 & God

2011-10-09T11:41:00.016+02:00

A ver, he aquí un totum revolutum que convendría desmadejar. Por un lado están —atención a la rima interna— los hermanos germanos Archer dados de la mano de Martin Gretschmann, es decir, el pop microelectrónico de The Notwist. Por el otro, cruzando el Atlántico, el rap electrónico y underground de Themselves y de Subtle. (A la división continental podría añadírsele que a este lado gastan gafas y al otro, no.)

¿Tres en uno? No exactamente. Pese a componer a la limón los líderes de Notwist y Themselves, se aprecia sin esfuerzo que unos temas pertenecen más a unos y el resto a los otros, y que el palo inditrónico es el que predomina en el conjunto. En definitiva, juntos pero no demasiado revueltos. Ya ocurrió en su debut y sucede de nuevo en este Own Your Ghost (Anticon, 2011).

El esqueleto que sobrevuela la portada avisa de que el pesimismo ha irrumpido en el ánimo de esta gente. Las letras tratan el tema de la muerte y el envejecimiento. Pero sólo por la maravilla de pop electrónico marca de la casa (Notwist) que es "Old Age" merece la pena haber vivido:

Old Age - 13&God

1. Its Own Sun
2. Death Major
3. Armored Scarves
4. Janu Are
5. Old Age
6. Et Tu
7. Death Minor
8. Sure As Debt
9. Beat On Us
10. Unyoung

Las cosas del directo #20: Clem Snide (Eef Barzelay)

2011-10-07T19:08:00.005+02:00

Concierto de Clem Snide. Bueno, concierto de Eef Barzelay con banda de acompañamiento (los españoles El Partido). Y allí que se fue Gog a celebrar con él el décimo aniversario de The Ghost of Fashion (SpinArt, 2001), que es a lo que venía a hacer por estos lares desde Nashville.

Gog adora la música de Clem Snide y de mayor quiere ser como Eef Barzelay:

> Eef es el condicional del country alternativo.

> Si se quitase las gafas se vería que detrás no hay nadie.

> Levanta los puños como si ganara carreras, carreras de escalas y notas.

> Es el letrista que más veces utiliza la palabra beautiful, pero que en él suena triste y dolorida.

> Tiene una voz nasal y palatina que cuando se constipa se le quita porque en él todo parece acaecer al revés.

> Toca la guitarra con la zurda. ¿Tendrá mano izquierda para todo lo demás?

> Es un talento histriónico; un histrionista.

> Es un mimo en movimiento.

> Es un triste feliz.

> Es un tímido sin timidez.

La otra noche en el momento de «Chinese Baby».

Justo delante de Gog había una pareja que habían cumplido los 30 digamos hacía algo menos de una década. Por la actitud un poco tiesa y tensa de ambos, como ajos que van a ser arrojados a la sartén, y una conversación un tanto forzada, se percibía que estaban en su primera cita. Así que Gog comenzó a hacer apuestas mentales consigo mismo sobre si terminarían deshaciendo la misma cama o no esa noche. Todo siguió igual entre ellos hasta la última canción del disco, que no del concierto, de título cuasi premonitorio —«No One’s More Happy Than You»—, momento en que la tensión les estalló en forma de un primer apasionado beso. A partir de entonces se relajaron y se arrimaron. Y Gog pensó que ya jamás olvidarían a Clem Snide.

Debut #40: Cashier Nº 9

2011-10-05T18:25:00.013+02:00

«Goldstar» es uno de los inicios más felices que se recuerda en mucho tiempo, y To the Death of Fun (Bella Union, 2011), de los norirlandeses Cashier Nº 9, uno de los mejores debuts del año. (Perdonen a Gog, pero es que cuando le gusta o disgusta algo se le dispara su vena categórica y aseveradora.)

Un simple rasgueo de guitarra seguido del bombo de la batería in crescendo abren una pieza musical magnífica que destila alegría y excitación. Por ella pasan arreglos de cuerda, teclados, leves detalles electrónicos y hasta un solo de armónica. Una montaña rusa de felicidad. Pruébese a escuchar camino del trabajo por las mañanas a todo volumen y no habrá jefe que nos joda el día, porque tendremos le serotonina por las nubes.

Si después de este temazo aún no han quedado claras las intenciones de la banda, sígase con «Make you Feel Better», que podría ser una versión de The Stone Roses.

Y para acabar definitivamente con la lengua fuera, el tercer corte, «Lost At Sea», de nuevo con una fuerza melódica incontenible.

Luego llega el lógico bajón, pero la calidad sigue ahí, en este viaje musical a través de orquestaciones a lo Divine Comedy y Last Shadow Puppets, trance lisérgico a lo Spiritualized o psicodelia entendida a lo Super Furry Animals. Además, Gog también oye ecos de aquel pop folky que practicaban sus bienamados The Bluebells.

Les produce David Holmes, sin cuya mano probablemente la psicotrópica e hipnótica «The Lighthouse Will Lead You» nunca hubiera sonado igual.

Espectacular debut. Viva Belfast.

1. Goldstar
2. To Make You Feel Better
3. Lost at Sea
4. Good Human
5. Flick of the Wrist
6. A Promise Wearing Thin
7. Oh Pity
8. The Lighthouse Will Lead You Out
9. Good Bye Friend
10. 6% LG

Rock 'n' actor #22: Jeff Bridges

2011-10-04T20:48:00.006+02:00

El gran Godofredo Puentes, el gran Lebowski del cine, siempre ha sentido la comezón de la música royéndole la gana. Para este su segundo álbum (EMI, 2011), titulado como si se tratara de un debut, Jeff Bridges ha recurrido a la producción de T-Bone Burnett para vestirle sus composiciones. En fin, Bridges canta una cosa susurrada, en clave de rock americano clasicote, a ratos a lo Dylan, otros a lo Tom Petty.

Qué gran actor es Jeff Bridges.

Imposturas #7: Bram Stocker

2011-10-02T09:46:00.013+02:00

¿Qué le mueve a alguien para convertirse en un tunante, para hacerse pasar por quien no se es? Tres parecen los motivos principales: ansia de dinero, de posición social o de simple notoriedad. En Famosos impostores (1910), de Bram Stocker, editado ahora por vez primera en España por Melusina, predominan los impostores que aspiraban a trepar por la escala social.

Bram Stocker —sí, quien creara al mítico conde libador de savia humana— fue un hombre cultivado, de altos vuelos intelectuales y estuvo muy relacionado con gente de la categoría de Yeats o Crowley. Prueba de sus dotes es este brillante ensayo sobre la impostura y sus artes, reflejadas por medio de algunos intérpretes históricos.

Habría que acotar antes el adjetivo del título, pues «famosos», estrictamente famosos, no son la mayor parte de estos personajes si los sacamos de su contexto anglosajón, a excepción de algún caso aislado como se verá más adelante.

El apartado dedicado a brujería y clarividencia, escrito con estilo vivo y dominio de la ironía, provista de esa sutilidad tan inglesa, es uno de los más disfrutables:

Es en verdad una pena que, entre la multitud que había visto al diablo entrando en la casa, no se encontrase ningún escribiente o dibujante veraz.

O esta descripción de las pruebas a las que sometían en el siglo XVII a las supuestas brujas:

La acusada era maniatada y arrojada a un recipiente lleno de agua con la profundidad necesaria. Si no se ahogaba, quedaba probada su culpabilidad y se procedía a colgarla conforme a la ley. Si no superaba la prueba, sus amigos quedaban satisfechos porque se declaraba que había muerto una inocente. En cualquier caso, la mujer ya no daba más problemas.

Como personajes particulares, e internacionalmente afamados, sobresalen los casos dedicados a los impostores que se hicieron pasar por el redivivo rey portugués don Sebastián y el secreto asunto de la reina inglesa Isabel I, la última Tudor, que ni se casó ni tuvo hijos. Aunque de una cosa no tiene por qué inferirse necesariamente la otra, parece ser que en esta ocasión si estuvieron ligadas soltería y falta de descendencia, pues existen insinuaciones históricas, improbadas, de que Isabel no era mujer sino varón.

En fin, todos tenemos algo de impostores; muchas veces intentamos vendernos como lo que no somos. Este Gog, mismamente, es un impostor más.

Discos con portada con discos #35

2011-09-30T16:33:00.004+02:00

Princess Superstar: The Best of (Tinted, 2007)

Carlene Carter: Musical Shapes (1980)

Whitney Houston: Greatest Hits (Arista, 2000)

[Es esta una buena ocasión para recomendar una visita a la página de los retronautas y ver instantáneas de algunos actores y músicos famosos rodeados de vinilos.]

El arte del calzador #20 // El porqué de mis peinados #12: Fionn Regan

2011-09-28T20:45:00.006+02:00

A Gog le cae bien la gente que cuando regala algo, lo hace pensando que ese regalo concreto le gustará a esa persona concreta. A Gog le cae bien la gente que cuando recomienda algo, lo hace con frases del tipo: «Lee este libro porque creo que a ti te va a gustar mucho». Es ese «a ti» el que marca la diferencia, porque significa que alguien está pensando en tu forma de ser y no en la suya propia (convendremos en que no es lo mismo «Léete esto, que a mí me ha gustado mucho»). El caso es que hace unos días, una amiga le insistió a Gog en que escuchara 100 Acres of Sycamore (Heavenly, 2011), de un tal Fionn Regan, porque pensaba que a él podría gustarle, así que este se puso a ello ipsofactamente.

Los primeros acordes de chelo que suenan son un preludio de lo que le espera al oyente: una obra triste y bonita. Es un disco con poesía en las letras y delicadeza en la música. Intimista, cultivado con el mimo de un horticultor a base de penumbra y goteo. Aquí la guitarra se acaricia, no se rasga; las teclas del piano se rozan, no se pulsan; el arco del violín se desliza, no se frota. La voz se mece suavemente entre todos esos instrumentos, como una mano que acaricie las espigas de un trigal. Y de esa misma voz brotan palabras que evocan paraísos perdidos y emociones telúricas. Ay el dolor que desata esa voz cuando clama «I’m a man, I’m a man with a child’s heart».

El uso de vocabulario que hace Regan en sus letras es abrumador, por su variedad y su pericia para encajarlo. Pruébese simplemente con ese sycamore (‘sicomoro o sicómoro’ en español) intentando no hacer el ridículo: «How can you hear the door on one hundred acres of sycamores?»

¿Y quién es ese tal Fionn Regan, con nombre que recuerda a campiña irlandesa y apellido a… en fin, y apellido, y con tendencia a ponerle retos a su peluquero? Vaya por delante que Gog no tenía noticia de este cantautor, así que la tarea se hacía más intrigante. Cuentan las fuentes consultadas que se trata de un irlandés de treinta años, que lleva ya tres discos publicados y está muy bien considerado en Gran Bretaña.

La verde Irlanda ha vuelto a dar otro de sus lirios.

Goguerías #8

2011-09-26T17:57:00.004+02:00

> Conversaciones veraniegas:
—¿Qué tal ayer?
—Fatal, estuvimos en una cala que no tenía cobertura.

—Tú es que eres muy desenvuelto.
—No te creas, sin GPS pierdo mucho.

—Es una ensalada superfrancesa.
—Ya, y 10 € por echarle pan frito a una lechuga.
—Pero en daditos.

>Francesadas por Francia:
—¡Esto es muy très jolie!

—A bientot!
—Sí, muy bien tó.

—Pues esta bici no es muy veló.

>Supéralo: colaré pus. [palíndromo]

>Lo bueno, si bueno, muy bueno.

>Ambigüedad:
—Hazme una perdida.

>Sexo por internet: e-yaculación.

>Cualquier tiempo pasado fue anterior.

>Diálogo de cocineros:
—Se me va la olla.
—¿Y cómo es eso?
—Ha conseguido un puesto en otra cocina.

>La cabra es la mujer barbuda en el circo del reino animal.

>El que se corta las venas es un violinista del suicidio.

>Neologismo
besorio: 1. Salutación o despedida sociales oficiadas mediante besos. 2. Lugar apropiado para besarse, por encontrarse apartado, ser bonito o agradable, etc.

>La espalda del director de orquesta es el alfiletero donde se clavan las miradas del público.

Cameos musicales #30: My Morning Jacket

2011-09-23T19:37:00.008+02:00

En 2005, My Morning Jacket aparecieron en la película de Cameron Crowe Elisabethtown, interpretando sobre el escenario el «Free Bird» de Lynyrd Skynyrd como un ficticio grupo sureño llamado Ruckus (en la foto). Para la banda sonora, Crowe escogió además un par de temas suyos. Fue el mismo año de su aclamadísimo cuarto álbum —Z (ATO)—; después vendrían un par de discos más atropellados y con las ideas un poco revueltas. Y ahora están de vuelta con Circuital (ATO/V2, 2001).

He aquí diez porqués de una obra enorme:

1. Victory Dance > Una atmósfera entre lúgubre y misteriosa que acaba resolviéndose en un estallido de guitarras erizadas.

2. Circuital > El punteo de guitarra inicial y la voz de Jim James (a.k.a. Yim Yames) invitan a acompañarles por un paseo melódico, hasta que de repente echan a correr como queriendo pasar por debajo del arco iris. Allí aguarda Neil Young. 7 minutos apasionantes.

3. The Day is Coming > Orfebrería pop. Fulgor en la sencillez. The day is coming / the day is near. Y nos quedamos embelesados esperando a que llegue.

4. Wonderful (The Way I Feel) > Factura más tradicional, detalles acústicos en cada bit. Un interludio.

5. Outta My System > Otro momentazo del álbum. Es una pieza que recuerda mucho a las estructuras de Grandaddy, con las que no acabas de decidir si lo que está sonando es moderno o es antiguo.

6. Holdin On To Black Metal > El himno. ¡Qué coros! ¡Qué vientos! ¡Qué teclados!

7. First Light > Una extraña percusión metálica, a modo de gong, da la salida a un frenesí de guitarras eléctricas, que a su vez dejan paso a la voz, al bajo y a los teclados, que ya serán los que se encarguen de conducir el tema hacia su final, cuando se vuelve a oír el mismo sonido del principio.

8. You Wanna Freak Out > ¿Bailas conmigo? Prometo llevarte a un sitio de categoría.
Para agarrarse de la cintura y dar vueltas sin parar siguiendo el ritmo. Emocionante.

9. Slow Slow Tune > A Lennon le gustaría mucho. Una voz superpuesta y marcando los finales de cada línea; por detrás de ella, un suave acompañamiento. Luego la voz se retira para dejar llorar a una guitarra.

10. Movin Away > Y para concluir otro baladón, sostenido con guitarra y piano.

Curiosidades sobre el álbum.-

Lugar de grabación: una iglesia del siglo XIX. (¿En una de otro siglo ya no hubiera sonado de la hostia?)
Tecnicismos: grabado tocando las canciones en directo en un 24 pistas. (¿De circo, de tenis, de un asesinato…? El pobre Gog no es muy ducho en estas cosas; si le aseguran que se grabó en un 23 pistas se queda igual.)
Condiciones térmicas: 40 ºC (Suponemos que no llevarían puestas las chaquetas.)
Título del álbum: hace referencia al círculo que formó la banda para tocar los temas en directo. (De haber formado un triángulo equilátero o un trapecio romboide, si esto es posible, la gramática también hubiera resultado más complicada.)
Productor: Tucker Martine, miembro de The Decemberists. (¿Y? Nada, ahí queda el dato.)

Recuérdese que Jim James ya ha sido protagonista de uno de los momentos del año.

[Entrada dedicada a Constan, un buen nebrijano.]

Boris Vian #15

2011-09-22T18:23:00.002+02:00

Registro mecanografiado de la primera canción compuesta por Boris Vian, «Au bon vieux temps» (1944).

Sales en mi canción #34

2011-09-21T06:20:00.013+02:00

Las letras siempre han sido el punto fuerte de Art Brut; el exceso, la personalidad excéntrica de Eddie Argos, su talón de Aquiles. Ha pasado tiempo desde que esta banda de punk-rock de escuela de arte debutara con el efervescente Bang Bang Rock & Roll (2005). Vinieron después un par de discos anodinos de tan excesivos, e intentan ahora recuperar terreno acudiendo a casa de Black Francis al otro lado del Atlántico y más allá para que les produzca su reciente Brilliant! Tragic! (Cooking Vinyl, 2011).

¿Y qué ha conseguido el Pixie? Que no se amontonen, que los temas respiren un poco, que cada nota, cada instrumento, tenga su momento en la canción y que esta fluya, que las guitarras cuenten cosas, no se limiten a sonar. Y que Argos cante, recite y hasta susurre mejor.

En realidad, Black Francis ya les produjo el álbum anterior, pero los mayores logros han venido ahora, como si banda y productor se hubieran entendido mejor en esta ocasión. El ritmazo que se marcan bajo y batería en «Lost Weekend», con solo de guitarra incluido, o la construcción de «Bad Comedian» podrían ser dos buenos ejemplos.

Las historias entre cómicas y patéticas de Argos, más esa ironía aviesa suya, siempre han sido campo abonado para introducir referentes culturales. De los musicales, ahora le dedica un tema al líder de Guns N' Roses, al cual ya citaban en su debut.

When the world's got you by the fucking throat
Who do you want in you corner? Axl Rose.
No one understands me or even come close
Who have I got in my corner? Axl Rose.
(«Axl Rose»)

En discos anteriores:

Why would you want to sound like U2?
Just press record and play it straight through
They call it lo-fi? if you say so
Cool your warm jets Brian Eno
Slap dash for no cash
Those are the records I like
(«Slap Dash for no Cash», en Art Brut vs. Satan)

Hang around with Axl Rose
[...]
I'm drinking Henessey
With Morrissey
On a beach
(«Moving to L.A.», en Bang Bang Rock & Roll)

The Replacements en tema de mismo título, perteneciente a Art Brut vs. Satan.

Artes gráficas #3: Robert McGinnis

2011-09-18T16:56:00.005+02:00

Gog lleva un par de semanas colgado del blog How To Be a Retronaut, desde que lo descubriera por recomendación de Fernández Mayo en su bitácora.

El equipo de infatigables retronautas se ha empeñado en volcar a la red un extenso compendio de la historia del siglo XX, a través de sus imágenes, momentos, objetos, personajes, etc. Lo hacen a través de series (¡varias al día!) a cada cual más alucinante.

La última (domingo 18 a las 16'30 h) es una muestra del ilustrador Robert McGuinnis. Creaciones suyas fueron, por ejemplo, el mítico póster de Desayuno con diamantes o el abrigo de pieles que luce Sofia Loren en la promoción de Arabesque.

En la serie sobre McGinnis que han recopilado los retronautas hoy, se exponen más de una veintena de dibujos de mujeres poco preparadas para pasar un crudo invierno.

Algunas otras series que han llamado la atención de Gog han sido las fotos en polaroid de Anthony Perkins, numerosas edificaciones abandonadas, unas extrañas máscaras de cuero o la foto que se hizo Raquel Welch para la revista Esquire colgada de una cruz, y que llevaba 30 años oculta.

Absolutamente fascinante el blog retronauta.

A mí no hace falta que me cambies el plato #17 // Gastan gafas #: The Konki Duet

2011-09-17T12:48:00.010+02:00

The Konki Duet, como el propio nombre indica, es un trío. Tres amigas de nacionalidades diferentes asentadas en París: Zoë es la francesa; Kumi, la japonesa; Tamara, la rusa. (Parece bastante lógico que esa sea la concordancia. Pruébese a cambiar nombres y nacionalidades y se verá que la cosa no funciona igual.) Por fisionomía y aspecto —Kumi está fuera de toda duda por el color de su pelo—, nos atreveríamos a decir que Zoë es la que gasta gafas.

Sus canciones están cantadas en inglés y francés principalmente, aunque suelen introducir alguna en lengua japo, mucho más cruda como casi todo en aquella parte del mundo. Y ya que aludimos a la comida, he aquí la carátula de su nuevo álbum, de título muy gastronómico: Let’s Bonappetons (Tsunami Adiction, 2011):

Se nota que tienen hambre y ganas. Y es que han dado un giro absoluto, probablemente definitivo. Atrás queda el pop de cámara de sus inicios, la bella versión «Il Fait Tout Gris» (el «Fade to Grey» de Visage al ralentí y a la francesa) o el álbum de transición Mountain Mounton (Active Suspension, 2006).

Así que quien conozca a este trío internacional por su languidez original se le subirá el entrecejo cuando oiga la fuerza sónica que despliegan en este su tercer intento. Ahora han optado por los patrones musicales de Stereolab, pero sin el buclerío galopante de estos, y los de Ladytron. Todo lo demás sigue las coordenadas del electro pop con miras a la disco indie. (Por cierto, la mezcolanza de idiomas también es muy Stereolab.) Además, no sólo ha desaparecido la languidez, también el pudor; la vida parisién es lo que tiene; por ejemplo, se muestran en la portada, lo que no ocurría en las dos primeras ocasiones.

"PLANETE SAUVAGE" - THE KONKI DUET - LE CLIP from BERENGERE PREVOST on Vimeo.

1. Heartful 2:50
2. These Days 2:34
3. Planète Sauvage 3:03
4. Bungalow 2:42
5. Savoir-faire 2:25
6. Sand'n'salt 3:15
7. London Fields 3:03
8. L'esprit de la Ruche 4:01
9. Four Chords 1:50
10. Kenjamin 3:40
11. Everyday is Worse Than the Day Before 3:23

Grafitis por el mundo #16

2011-09-16T07:16:00.003+02:00

Callejuela de Burdeos.

5 sobre... #14

2011-09-13T18:39:00.004+02:00

Gog nunca ha entendido bien lo de «la cuesta de enero». Para él, la auténtica y empinada cuesta siempre ha sido la de septiembre, mes que detesta por ese olor a papeleo y a trámites administrativos. Es el verdadero comienzo del año. Y encima es el mes que entierra al veraneo.

Para hacer más llevadera la subida, vayan cinco temas actuales que podrían ayudar a levantar el ánimo a los muertos:

Cashier No. 9 - Goldstar

Dominant Legs – Hoop Of Love

Fonda - In The Coac Station Light

My Morning Jacket-Holdin On To Black Metal

The Rapture - How Deep Is Your Love

Se aceptan fantasmas #10: por Francia (I)

2011-09-12T17:54:00.010+02:00

En Saint Emilion:

En Bayona:

En Roquefort, pero no la del queso, sino la del departamento de Lot-et-Garonne:

En Pau, la medieval:

Un hotel de Burdeos en Cours de la Marne:

Y ellos se juntan #45: L/O/N/G

2011-09-10T19:48:00.006+02:00

L/O/N/G: American primitive (2011) es la consecuencia de que Chris Eckman deje por un rato a su compañera Carla Torgerson (ambos, el motor de The Walkabouts) y se alíe con Rupert Huber (de los electrónicos Tosca). ¿Y qué hacen? Resumirlo como The Walkabouts con barniz electrónico es lo más inmediato y obvio que se puede decir. El caso es que no hace falta añadir mucho más para explicarlo: música americana de raíces dorada en un baño de electrónica. Suenan mejor cuanto más experimentales («Land of the Lost», por ejemplo).

LONG - american primitive - American Primitive (glitterhouse)

Las cosas del directo #19 // El arte de la versión #33 // ...Y ellos se juntan #44 // Letras sin acordes #8 // Gastan gafas #36

2011-09-07T18:31:00.017+02:00

Primero dos aseveraciones generales que a continuación se tratará de darles sentido y unión:

1. Qué grandes fueron los Pixies.
2. Si vas a hacer algo, hazlo, a tope. La actitud lo es todo.

Como si fuera la última noche en la tierra, como si fuera lo último que hiciera en su vida, Micah P. Hinson, cantautor alternativo de folk y de raíces en su CV, se partió anoche el pecho dando vida sobre un escenario al Trompe le Monde (4AD, 1991) de los Pixies de cabo a rabo.

Fue el concierto que tuvo que aplazar este verano tras un accidente de coche. Ataviado aún con cabestrillo, con pinta de un Woody Allen pero con histriónicas gafas a lo Devo (de pasta blanca las de Hinson), una camiseta de asillas y un pañuelo rojo asomando por un bolsillo trasero del pantalón, rugió como un león que se hubiera puesto hasta la melena de coca y aulló como un mono al que le estuvieran emasculando sin anestesia, mientras la banda de acompañamiento, los zaragozanos Tachenko, trataban de seguirle el ritmo y acoplarse a sus extravagancias. Y no importó que a veces no se le entendiera ni una puta nada. Gigapunk el tío. Y es elogio.

A mitad del álbum de los Pixies, se supone que para alargar el minutaje del concierto, interpretaron una versión de The Jesus & The Mary Chain. Para el bis, una canción de Hinson y versiones de Dylan y Richard Hawley. Para el segundo y muy pedido bis, otro tema propio cantado a capella, cosa que al parecer le tenía algo nervioso porque era la primera vez en su vida que lo hacía en un directo. Y es que fue un conciertazo y él captó la repercusión que había tenido entre el público.

(Gog lamenta no haber tenido más pericia anoche con la cámara. En cuanto haya disponible una foto mejor, esta irá a la basura.)

Parece este un buen momento para detenerse algo más en la figura de este friqui de Memphis. Con su azarosa biografía se podría hacer una película o escribir un libro. Pincelémosla con unas cuantas palabras sueltas: viuda negra, falsificación de recetas, cárcel, vagabundo, grave lesión de esplada, varios discos...

Por su parte, no sólo escribe canciones; también le da a la literatura. Tiene publicada una novelita muy recomendable, No voy a salir de aquí (Alpha Decay, 2010), un centenar de páginas que sirven de pasarela a seres marginales cuyas vidas están un paso más allá de la línea de la normalidad —entendida esta como las costumbres de la mayoría—, una caterva de alcóholicos anónimos, flamantes perdedores, almas a la deriva y mucha carretera secundaria. Está escrita con un estilo sencillo, aderezado de cuando en vez con una pizca de lirismo, tristeza y sorna.

Todo el mundo quiere a PJ Harvey #9

2011-09-07T18:23:00.003+02:00

6 de septiembre de 2011. O sea, ayer. Las matemáticas son odiosas porque no fallan; las cuentas son claras: faltan, pues, más de cien días para que concluya el año, tiempo suficiente para que aún se publique algún álbum de categoría. En Inglaterra e Irlanda, adivinos ellos, ya saben que no va a ser así. Es más, ayer le dieron el Mercury Prize al mejor disco inglés o irlandés de 2011 a PJ Harvey por Let England Shake.

Tal vez es que consideran el año de septiembre a septiembre, o tienen en cuenta alguna otra formalidad que se nos escapa. En cualquier caso, que Let England Shake es un discazo de altísimas cotas artísticas está fuera de duda. Así que Gog se alegra por la buena de la PJ, que además ha sido la primera artista en conseguir este premio dos veces. El primero fue en 2001 con Stories from the city, stories from the sea. Se le dan bien los unos; quizá vuelva a repetirlo en el 2021.

El arte de la versión #31 // ...Y ellos se juntan #43: The Strokes

2011-09-06T18:04:00.007+02:00

La pregunta coherente no es si Is this It (2001), el vitamínico debut de The Strokes, tiene categoría de clásico, sino si ha transcurrido el tiempo suficiente para considerarlo como tal. Siempre se ha dicho que el «tiempo vuela», algo que ocurre a mayor velocidad en esta época pos-moderna y ultrasónica, así que en la web de Stereogum han pensado que ya ha llegado la hora de rendir tributo a ese álbum (se puede descargar gratuitamente en su página) como han hecho con otros míticos álbumes.

He aquí el reparto:

1. Peter Bjorn & John: Is This It
2. Chelsea Wolfe: The Modern Age
3. Frankie Rose: Soma
4. Real Estate: Barely Legal
5. Wise Blood: Someday
6. Austra: Alone, Together
7. The Morning Benders: Last Night
8. Owen Pallett: Hard to Explain
9. Heems: New York City Cops
10. Deradoorian: Trying Your Luck
11. Computer Magic: Take It or Leave It

Escuchadas las versiones a manos de tan dispares artistas, da la impresión de que estos intérpretes no tienen tan claro lo de si ha pasado el tiempo suficiente. Y es que han optado por alejarse lo más posible del original para dar mayor sensación de que se abre el espacio temporal, lo cual no es necesariamente un error en el arte de la versión; el problema, en algún caso, es que es demasiado espacio, y sobre todo, un espacio que se le nota mucho el artificio. No es una cuestión sobre la típica irregularidad de todo recopilatorio de estas características, con encargo de por medio, sino de que pocos de ellos han sabido conservar la urgencia, la inmediatez, el nervio de los temas originales. Es decir, no se trata de imitar a la nota el original, sino de saber capturar su alma. Así, Frankie Rose y Computer Magic, sin duda, son los más acertados, y el suequismo de Peter Bjorn & John tampoco resbala.

Con todo, en general se deja poner (gana en sucesivas escuchas), aunque de vez en cuando haya que apretar un botón que salte algunas canciones.

Los neoyorquinos han sido también noticia a finales de agosto por su ayuntamiento sobre las tablas con Jarvis Cocker, el puto amo del live —«The king of England», dice Julian Casablancas al presentarlo—, en el Festival de Reading. Versionearon juntos el «Just What I Needed» de The Cars.

Rock 'n' actor #21: Robert Mitchum

2011-09-04T18:21:00.003+02:00

El Calypso era el barco del comandante Cousteau, y también un género musical enraizado en Trinidad y Tobago que, introducido por los marines, se adaptó y triunfó en EEUU tras «Rum and coca-cola» de The Andrews Sisters, y ya definitivamente como género de moda con Calypso (1956) de Harry Belafonte, que tiene el honor de ser el primer álbum de la historia de la música popular en vender más de un millón de discos.

La fiebre calypsera cundió entonces y se expandió durante unos años. Pocos artistas de la época se quedaron sin grabar algún tema en sintonía con este ritmillo caribeño. El propio Belafonte continuó exprimiendo el invento; un lustro más tarde, por ejemplo, su «Jump in the Line» arrasó de nuevo. Este tema probablemente sonaba mucho en casa de Tim Burton siendo este un niño, y el recuerdo le llevó a utilizarlo en esta delirante escena de Beetlejuice (1988):

Otro de los que también se apuntó a cantar calypsos, o como calypsos, fue Robert Mitchum, aquel hombre. Llegó a publicar todo un álbum: Calypso... Is Like So (1957); y es que en habiendo ron, whysky o cualquier otro licor, ritmos calientes y unas congas de por medio... aquello era perfecto para él. Este álbum —grabó otro una década después— se ha reeditado no hace mucho (también en vinilo) remasterizado y pulido.

1. Jean and Dinah
2. From a Logical Point of View
3. Not Me
4. What is this Generation Coming To?
5. Tic, Tic, Tic
6. Beauty is Only Skin Deep
7.I Learn a Merengue, Mama
8. Take Me Down to Lover's Row
9. Mama, Looka Boo Boo
10. Coconut Water
12. Matilda, Matilda
13. They Dance All Night

Al jugo de coco, por ejemplo, le ponía gin:

Discos con portada con discos #34

2011-09-02T18:10:00.003+02:00

Steve Wynn: Here Come The Miracles (Blue Rose, 2001)

Glassjaw: Worship And Tribute (Warner, 2002)

Bill Lloyd: Set To Pop (East Side Digit, 1994)

DJ Awal: Just One Night (Night & Day, 2005)

Silver Jet: Pull On Me (Virgin, 1997)

Ellas llevan el ritmo #14: Crocodiles

2011-08-31T18:18:00.005+02:00

Mientras Echo & the Bunnymen andan últimamente presentando en directo su mítico Crocodiles tocado del tirón, unos californianos se miran en el espejo de los de Liverpool y adoptan el título de ese álbum como nombre de guerra. Estos Crocodiles lo tienen todo para triunfar, al menos en lo que hace a su imagen de modernos gigacool y su actitud. Pero.

El inconveniente mayor que tienen es que se muestran demasiado esclavos de sus referentes. Quieren ser The Jesus & Mary Chain y Primal Scream, pasando antes por los mentados Echo. Camaleones más que cocodrilos. El cantante, por ejemplo, es puro Bobby Gillespie sobre el escenario.

Describir más el pop ruidoso y encendido que practican no aporta mucho más. Han publicado dos discos —Summer of Hate [2009] y Sleep Forever [2010]— y tienen algún tema potente meritorio:

Crocodiles - Hearts Of Love

Brandon Welchez (voz) y Charles Rowell (guitarra) se llaman los pilares de la banda. De hecho, son los dos únicos que figuran como componentes oficiales. Les acompañan otras dos chicas (morena la teclista y lo contrario la batería) y un bajista.

Parece que a todos les gusta comer bien.

Mientras, aguardamos a que muden de piel y luzcan por fin la suya propia. Tienen un blog donde cuelgan sus cositas.

El arte de decir que no #3

2011-08-30T10:03:00.008+02:00

Tiene Gog muy abandonada esta sección del blog, pero se ha animado a recuperarla hoy después de leer este post, influenciado por este otro, que al parecer a su vez también tiene su inspiración en otro.

Unas pocas aportaciones de Gog al asunto:

NO…

…vi el concierto de los Smiths en Rosales (ni me importa).

…me gusta Blade Runner.

…entiendo por qué los mochileros no se quitan la mochila de la espalda cuando suben al metro o al autobús, sobre todo cuando van petados.

…encuentro un disco que estoy seguro que tengo (Sly Stone, Listen to the Voices)

…pido perdón cuando, jugando al tenis, la bola da en la red y cae al otro lado; tampoco espero que me lo pidan si ocurre al contrario.

…he hecho nunca puenting, parapente, paracaidismo o cualquier otra actividad que suponga saltar en el vacío. Si alguna vez me suicidio, no creo que sea así. ¡Qué miedo!

…como huevos fritos.

…sé dónde está Surinam.

…tengo twitter, ni sé cómo se usa.

…entro en las iglesias ni haciendo turismo.

Y otras cuantas, cantadas, de Julio de La Rosa:

La cara oculta #3: The Residents

2011-08-28T20:51:00.012+02:00

Tiene Gog un amigo que se ofende mucho si cuando se le recomienda un disco de alguna banda que no conoce se le aconseja empezar por «el más fácil». Esté tranquilo este amigo con el caso de The Residents —suponiendo que no los haya trabajado nunca—, porque con ellos es imposible recomendar un álbum fácil.

En primer lugar, estamos hablando de elegir entre más de 60 títulos. Esta prolífica banda ha llegado a publicar dos o tres trabajos en un año, y siguen en activo desde comienzos de la década setentera sin que conste que el asunto está finiquitado. Su último capítulo, The Ughs!, tiene un par de calendarios.

En segundo lugar, porque son los reyes del álbum conceptual, impenetrables a veces hasta el desaliento con sus experimentos sonoros, que incluso hay momentos en que cuesta considerarlos 'música'. Todo lo extremo cabe en su ideario musical: componentes electrónicos, distorsión, avant-jazz, sinfonías de clásica, grabaciones naturales, voces chirriantes, parodia, alma de performance, elementos multimedia…

Por si fuera poco, jamás han revelado su identidad. En sus actuaciones en directo —contadas no, lo siguiente— van disfrazados con trajes de etiqueta, sombreros de copa y enormes máscaras con forma de ojo gigante. No conceden entrevistas. Y aunque están asentados en San Francisco, en realidad tampoco se está seguro de su origen; es comúnmente aceptado que llegaron a SF en 1966 provenientes de Shreveport (Louisiana). Con estas condiciones, la comercialidad no parece una apuesta viable. Y es que practican lo que denominan su Teoría de la Oscuridad, según la cual el artista únicamente puede crear arte puro cuando las expectativas e influencias del mundo exterior no se toman en consideración.

The Residents, en fin, una inconformista, radical y monumental odisea sónica en pos de la libertad artística más absoluta.

—Venga, Gog, recomienda algún álbum.

Bueno, que nadie imagine a Gog tan friqui como para haberse escuchado la discografía entera de estos marcianos; nada más lejos. Esta entrada está escrita con conocimiento de causa de una décima parte de la obra, como mucho. Eskimo (1979) y The Commercial Album (1980) son de los más afamados pero pinchan como cactus. Gog se queda con Stars & Hank Forever (1986; versiones de Hank Williams y J.P. Sousa) y Wormwood (1998): son más fáciles.

Faropedia #9: Biarritz

2011-08-27T20:36:00.008+02:00

Dicho con un poco de literatura: «La alta torre del faro de Biarritz, deslumbradoramente blanca, semejaba haberse puesto una camisa nueva. Las olas pequeñas y nítidas que crecían y morían junto a la misma playa, con un rumor travieso que fingía, de cada vez, desgarrar largamente la seda beige de la arena, ofrecían ese encanto japonés de la miniatura. En lo alto del cantil, bajo los árboles, grupos de paseantes se asomaban a contemplar el rincón bullicioso de la Grand Place.» (Wenceslao Fernández Florez, El ladrón de glándulas, 1929)

Y un poco de Wikipedia: «El cabo Saint-Martin, que domina el faro de Biarritz, señala el límite entre la costa arenosa al norte, que comienza en el punto extremo de la Gironda y que se termina en Anglet, y la costa recortada de acantilados del País Vasco al sur.»

73 m de altura y 248 escalones. Hay quien los ha contado.

Las nuevas aventuras del llanero solitario #15: Sarah Nixey

2011-08-26T12:40:00.008+02:00

Para ponerle voz al pop electrónico cargado de ácida dinamita social de Black Box Recorder, Luke Haines (The Auteurs) y John Moore (The Jesus & Mary Chain) acudieron a la estática, estilosa y susurrante chanteuse Sarah Nixey (Baloon). Extinto el proyecto en 2003 y divorciados Moore y Nixey en 2006, ha habido después algún ligero intento de resurrección del trío; concretametne, tres temas: «Christmas Number One» (2007) (a pachas con Art Brut, y acreditados todos como Black Arts) y el single «Keep It In The Family» / «Do You Believe In God?» (2010).

A la espera de ver si el grupo vuelve a la carga, Nixey ha grabado ya un par de discos en solitario. Para ellos no ha querido salirse de los patrones vocales que desarrollaba en la banda, probablemente porque son los que mejor domina y con los que más segura se siente. Haciendo un ejercico extremo de síntesis, se diría que lo suyo suena como unos Black Box Recorder pasados por Goldfrapp, o al revés.

Brave Tin Soldiers (Black Lead, 2011) es más denso y profundo que su debut. Nixey ha compuesto letras escabrosas que hablan del lado oscuro (suicidios y otros trágicos desenlaces), en contraste con las frías y elegantes atmósferas orquestales. Contiene el temazo indie-disco «Love Gets Dangerous», el momento más agitado o movido del álbum y que más réditos le promete a Nixey.

Sarah Nixey - love gets dangerous

Queremos verla en directo. Brindemos por ello.

Cameos musicales #29 // El arte de la versión #30 // No son hombres: son Devo #8: The Life Aquatic

2011-08-25T08:48:00.009+02:00

Steve Zissou (Bill Murray), un capitán Cousteau a la deriva, cuenta en su equipo con Pelé (el músico brasileiro Seu Jorge). No se sabe muy bien el cometido que tiene este Pelé en el barco, aparte de tocar entre la tropa versiones de David Bowie con una guitarra acústica y cantadas en portugués.

Seu Jorge después las recogió y amplió en el álbum The Life Aquatic Studio Sessions (Holywood Records, 2005). Una guitarra templada y una voz cálida y armoniosa, nada más para extraer toda la pureza de las canciones de Bowie.

1. Rebel Rebel
2. Life on Mars?
3. Starman
4. Ziggy Stardust
5. Lady Stardust
6. Changes
7. Oh! You Pretty Things
8. Rock N' Roll Suicide
9. Suffragette City
10. Five Years
11. Queen Bitch
12. When I Live My Dream
13. Quicksand
14. Team Zissou

La banda sonora de la película contiene, además, temas compuestos expresamente para ella por Mark Mothersbaugh. Y de Devo se incluye «Gut Feeling» en versión instrumental.

TRACKLIST: Sven Libaek - Shark Attack Theme / M. Mothersbaugh - Loquasto International Film Festival / David Bowie - Life on Mars? / Seu Jorge - Rebel Rebel / M. Mothersbaugh - Let Me Tell You About My Boat / Seu Jorge - Starman / M. Mothersbaugh - Zissou Society Blue Star Cadets/Neds's Theme Take 1 / Devo - Gut Feeling / Sven Libaek - Open Sea Theme / Joan Baez - Here's To You / M. Mothersbaugh - We Call Them Pirates Out Here / Seu Jorge - Life on Mars? / M. Mothersbaugh - Ping Island/Lightning Strike Rescue Op / Seu Jorge - Five Years / Scott Walker - 30 Century Man / The Zombies - The Way I Feel Inside / David Bowie - Queen Bitch.

Últimamente se está muriendo gente que no se había muerto nunca #21: Jerry Leiber

2011-08-24T09:26:00.009+02:00

When the night has come
And the land is dark
And the moon is the only light we see
No I won't be afraid
No I won't be afraid
Just as long as you stand, stand by me

Como Ramón y Cajal, o Pi i Margall, no se concibe a la pareja de compositores Leiber y Stoller si no va unida, solidificada, como una sola presencia.

Tú la letra (Jerry Leiber), yo la música (Mike Stoller). Aunque únicamente fuera por haber creado las primeras líneas y los primeros acordes de «Stand By Me», merecerían estar en el Olimpo musical. La versión en la voz de Ben E. King sigue siendo jodidamente emocionante:

Y por si aún quedara alguien a quien no le parezca suficiente, ahí va un puñado para refrescarle la memoria:

Hound Dog
Yakety Yak
Poison Ivy
Jailhouse Rock
Spanish Harlem
On Broadway
I Smell a Rat
…

Con ellos nació el rock & roll. Leiber murió ayer.

Elvis lo sabía. Les debe media fama.

Grafitis por el mundo #15 // Ovejas negras #20: Madrid

2011-08-23T16:47:00.006+02:00

Cuentan las crónicas que Madrid ha sido el infierno durante una semana por aquello de la visita de Susan.

Vaya este grafiti de la plaza de Juan Pujol, ¡eso sí que es Espíritu Santo!, en honor de la maltrecha y un millón de veces pisoteada urbe madrileña.

...Y ellos se juntan #42 // Sales en mi canción #33: The Rolling Stones

2011-08-22T10:47:00.030+02:00

Los californianos Maroon 5 y la popular Christina Aguilera se lo acaban de montar juntos en «Moves Like Jagger». La canción es la que es y no hay que darle más vueltas; lo realmente divertido está en ver a esa gente del vídeo —al parecer con imágenes de archivo inéditas del Stone—, moverse como Jagger. Gog lo está practicando ahora mismo y todo apunta a que acabará consiguiéndolo.

Y ya que estamos, aprovechemos la ola para repasar algunos otros temas que citan a los Rolling Stones o a alguno de sus componentes. (Como se verá, muchas veces van acompañados de The Beatles.)

The Beatles and the Stones
Sucked the marrow out of bone
[...]
The Beatles and the Stones
Made it good to be alone
(House of Love, «Beatles & Stones»)

No Elvis, Beatles, or The Rolling Stones
in 1977
(The Clash, «1977»)

En «American Pie», Don McLean alude a ellos con lo de “jack flash”.

This is the new hit single from the Rolling Stones
(The Lucksmiths, «Are you having a Good Time?»)

And my brothers back at home with his beatles and his stones
(Moot the Hopple, «All young dudes»)

I saw a band called the Rolling Stones
I thought, "that's it, I'll get a band,
(The Kinks, en «The Road»)

Y ya tratadas en esta misma sección:

Denim, «Middle of the Road»
Mylo, «Destroy»

De los ibéricos:

Siniestro Total

En el verano del 66
[...]
Tú con los Beatles, yo Rolling Stones
(Tino Casal, «Love Me Tonight»)

El Dj dijo:
"¡Hey, olvida el rock n' roll,
a los bluesmen negros
y los Stones!"
(Mermelada, «O.M.»)

Rolling Stones, macarras de actualidad
(Ñu, «Algunos músicos fueron nosotros»)

Dedicadas a los componentes de la banda:

And now the dudes are lining up 'Coz they hear we got swagger
But we kick 'em to the curb unless they look like Mick Jagger
(Kesha, «Tik Tok»)

Ni Keith Richards alegra esta fiesta
(Mucho, «La casa en pie»)

Y por último al loqueras de Brian Jones:

El Sobrino Diablo (para el cual haremos entrada individualizada por ser tan citador él) lo mienta en «¿Qué fue de Peter Frampton?».

Jane Birkin, en «Ex fan des sixties».

Chrisma, en «Thank You». En este tema aparecen también Jagger y los casi siempre ninguneados Bill Wyman y Charlie Watts.

[Seguro que hay un ciento más. Como siempre, cualquier aportación al tema será bienvenida.]

Adenda: el sabio Viceflai hace una aportación cuantiosa al tema, e incluso se ha molestado en aportar los enlaces al yotuve. Así da gusto. Muchísimas gracias.

Dan las seis
sintonizo a los Stones
(Burning, en «Una noche sin ti»)

Loquillo y los Trogloditas, todo un tema de tributo: «Simpatía por los Stones»

Have you met Mick Jagger, Ringo, George or Paul?
(Kansas, en «Everybody's my friend»)

We got a gig in Arizona second billing to the Rolling Stones
(Nazareth, en «Shangaied in Shangai»)

Las campanas doblan por bon scott
por janis, lennon, allman, hendrix
bolan, bonham, brian [Jones] y moon
(Barón Rojo, en «Concierto para ellos»)

Si tú te lo propones,
podrás cantar como los Rolling Stones
(No Me Pises Que Llevo Chanclas, en «Washuguarugui»)

Cantábamos canciones de los Rolling Stones
los Beatles, la Massiel y el Al Bano.
(Desmadre 75, «Saca el güisky, cheli»)

A mí no hace falta que me cambies el plato #15: Finger Magazine

2011-08-09T09:39:00.012+02:00

Cualquier momento del día, cualquier estado de ánimo, todo quehacer, toda actividad por minúscula que sea, puede ir asociada a una canción. Es algo parecido lo que piensan en Finger Magazine, publicación electrónica y en papel couché dedicada, ¡¡¡exclusivamente!!!, a hacer listas de canciones favoritas preguntando a cientos de músicos por ellas.

En su web, se pueden buscar por artista o por pregunta concreta, y encima las canciones tienen enlace a Spotify. Bendita locura. Desde a priori se advierte que la consulta puede resultar tan entretenida como peligrosamente adictiva.

El tipo de preguntas abarca desde cuál es la primera canción que recuerdas hasta cuál es tu canción favorita cuando te das un baño de espuma; la que gustaría que sonara en tu funeral o la que pones antes de ir a una cita… A modo de ejemplo, he aquí algunas de las canciones elegidas para cocinar.

JAMES MURPHY: Terry Reid - Sweater
ANNIE: Madonna - Into The Groove
BLOC PARTY: MC5 - Sister Anne
DAVID HOLMES: Sly & The Family Stone - Sing A Simple Song
ESG (Renee Scroggins): Abba - Voulez Vous
GRIZZLY BEAR: Nina Simone
KID LOCO: The Beach Boys – Vegetables
MAX ROMEO: Jacob Miller - Tenement Yard
SEÑOR COCONUT: Enrico Caruso
SAINT ETIENNE (Bob Stanley): Burt Bacharach - Pacific Coast Highway
SONS & DAUGHTERS (David Gow, drums): Hasil Adkins - Chicken Walk
SPINTO BAND: The Buena Vista Social Club - Pueblo Nuevo
TOM VEK: Gonzales - Gogol

Y si se le preguntara a Gog qué disco suele ponerse cuando va a aplicarse en los fogones, sin duda elegiría The Best of The B’52’s. Dance this Mess Around.

O este otro tema suyo muy gastronómico:

The B-52's - Quiche Lorraine