Auprès de ma blonde #5

El arte del calzador #29: Perapertú

El debut de Perapertú se titula igual que la novela del escritor egipcio Naguib Mahfuz: Miramar (El Genio Equivocado, 2018). La calidad que hay en todo él se encuentra tanto en la música como en las letras, y además le acompaña un diseño fresco y llamativo. He utilizado el disco para acompañar uno de los platos que comento en La Gastroteca de La Fonoteca. Copio aquí los párrafos relativos a las cuestiones musicales del álbum: 

Las letras de las canciones evidencian que Moussa es un asiduo de los libros. Las referencias literarias y artísticas son constantes (Cézanne, Art Decó, la ínsula Barataria, el poeta Drummond de Andrade) y es capaz de encajar sin despeinarse palabras como obituario, sinople, ostracismo, pericardio, clorofila o cian. Su mérito, claro, está en incluir todo eso y que el conjunto se resulte natural, que no chirríe ni asome un ápice de pedantería por ninguna esquina. Eso cuando el texto no es directamente pura poesía, como ocurre en “Dibújalo antes”. 

En lo musical, la gama de matices que aportan principalmente los sintes y los teclados confieren a los diez cortes un toque alucinado y fantástico. Hay un punto de animada extravagancia en las atmósferas que recrean, como de fondo marino, canciones como peces que palpitan entre los restos de antiguos naufragios. A veces suena tribal; otras, una pincelada tropical, y siempre colorista como un cuadro de Cézanne. Y la alucinación alcanza el culmen con la ayuda de un bombardino y una trompeta desenfrenados en “Amor de Java”.

Dime qué lees y te diré cómo se llama tu banda #33: The Clash

La guerra. Siempre hay una guerra detrás. 

A Arturo Barea, republicano comprometido y colaborador directo durante la II República y el confrontamiento bélico, le tocó vivir el asedio de Madrid. En 1938, casado con la austriaca Ilse Kulcsar, se refugió en Inglaterra, país que tiempo después le otorgaría la nacionalidad inglesa. Allí escribió y publicó una de las obras más representativas del exilio, La forja de un rebelde (1941-1944). En España, obviamente, la dictadura sepultó la existencia de la novela; y hasta 1951 no se publicó en su lengua original, en Argentina. Mientras, traducida al inglés por la mujer de Barea, The Forging Of A Rebel figura entre los libros españoles más vendidos en el extranjero. 

Compuesta por tres partes, en inglés se titularon, respectivamente: The Forge, The Track y —sorpresa— The Clash. En efecto, de ahí proviene el nombre de la banda de Joe Strummer, quien siempre anduvo muy interesado por la Guerra Civil española y la causa republicana. «Granada, oh ma corazón». 

5 sobre... #40: Pam Berry

Pete Astor se halla en una nueva juventud creativa. Tras mucho tiempo varado en otros puertos, últimamente ha publicado dos álbumes, se ha subido con regularidad a los escenarios y se ha involucrado en proyectos novedosos para él desde el punto de vista artístico, como por ejemplo el de acento electrónico en The Fairlight Myth. 

El segundo de esos dos discos mencionados ha salido en 2018. Aún así, acaba de publicar un nuevo single, esta vez en el sello WIAIWYA. En la cara A va todo un clasicazo, dedicado al actor y guionista británico Peter Cook. La cara B es una exquisita pieza de orfebrería, en la que se acompaña de la voz de Pamela Berry. 

Vieja amiga Pam Berry. Como Astor, tuvo su momento artístico más álgido en la década de los noventa y también es una figura que regresa ahora a la actualidad. En aquel entonces formó parte de un puñado de bandas, además de la más señera, Black Tambourine. Hoy se acuerdan de ella aquellos amigos y artistas más jóvenes, que la reclaman para que colaboren con ellos. Vamos a escuchar algunos de estos trabajos, de adelante hacia atrás. 

Aunque ya había participado en el LP de Astor de este mismo año, nos detenemos en la más reciente, la rabiosamente delicada «Petrol & Ash»: 

En 2014 lo hizo con Whitered Hand, en el homenaje homónimo del conocido grupo de Berry:

Y ese mismo año quizá tuvo una de las llamadas más sorprendentes, la de Gold-Bears, para que hiciese los coros acompañada de su guitarra en este tema del álbum Dalliance (Slumberland Records):

La verdad es que no menos llamativa fue su aparición en el I, Lucifer (PIAS, 2004), de The Real Tuesday Weld, un interesante como tan poco conocido pop de tintes cabareteros: 

 

Y, vale, de acuerdo, lo de los australianos The Lucksmiths tampoco sería una de las primeras opciones que se te ocurriría pensar para un trabajo conjunto: 



Bonus track > Mucho que reconocer a Pam Berry, y con razón. Hasta The Shins le han dedicado una canción: 

Faropedia #25 // Viaje a una portada #10

Para ilustrar la portada de 20 Jazz Funk Greats (Industrial, 1979), Throbbing Gristle no recurrieron a una factoría o un paisaje de chimeneas fabriles, como cabría pensar escuchando su sonido industrial y sintético, sino que se fueron a posar a uno de los acantilados próximos al cabo de Beachy Head (Inglaterra).

Hoy sabemos (san Guguel Maps) que la niebla ocultaba un pequeño faro, y que muy cerca se encuentra un coqueto bed & breakfast que está pidiendo a gritos una visita.

Una pequeña historia del rock a través de una sola portada #10: Dub Spencer & Trance Hill

Dub Spencer & Trance Hill ‎– In Dub Remixes By Victor Rice [Echo Beach, 2013]

Las nuevas aventuras del llanero solitario #52 // La cara oculta #19: Jonathan Bree

Jonathan Bree aparece con la cara totalemente cubierta en la portada de su nuevo álbum en solitario, Strewalking (Lil' Chief Records, 2018), y en los videoclips que lo acompañan. La máscaras no tienen orificios por los que ver o respirar, aunque los personajes fuman y cantan. Parece una perturbadora fiesta de maniquíes.



Pero conocemos muy bien el rostro de Bree. Como polifacético de manual que es, en realidad lo suyo son las caras y sus ángulos. Empezó su andadura musical hace dos décadas junto a Heather Mansfield en The Brunettes. Creó la discográfica Lil' Chief Records para dar salida a los trabajos del dúo (aunque el penúltimo de sus cinco discos se publicó en Sub Pop). En su propio sello, con base en Auckland, han salido delicias como la de The Icypoles. Además, produce asiduamente trabajos para otros artistas (el de Princess Chelsea fue uno de  los más notorios).

En Strewalking se muestra con voz profunda y un cantar demorado, como un crooner a cámara lenta. El disco se regodea en un ambiente espectral, inquietante. El tiempo carece de importancia porque todo parece deshabitado o inanimado. Los dos primeros temas podrían estar sonando en una noria abandonada, que gira y gira sin que nadie la atienda. "You're So Cool", el tema que les sigue, es la canción de amor de un fantasma. Y así sucesivamente. Sin embargo, en esta atmósfera exánime hay algo hipnótico que nos mantiene a la escucha.

Qué se sabe de los belgas #37: Poppel

Has escuchado Hit It de Poppel porque te lo han recomendado. Te ha gustado tanto que no sólo lo has oído del tirón, sino que vuelves a empezar una nueva escucha mientras que te interesas por saber algo más el grupo. “Evidentemente” tienen que ser de Nueva Zelanda o de Australia. Esa juerga guitarrera que se corren a lo largo de todo el disco, tan jangle, no puede provenir de otra parte. Cierto que podrían ser de Estados Unidos —el tema que abre el álbum se titula «Pittsburgh»— atendiendo a ese pop lo-fi que también suena. A ver… El sabelotodo Gúguel afirma que su ciudad de origen es Turnhout, que cae por el norte de Bélgica (eso no está precisamente cerca de Dunedin). Es más, Poppel toman el nombre de una pequeña villa situada aún más al norte, lindando casi con Holanda. Ahora ves que si a Poppel le pones un Van delante, entonces todo cobra sentido, porque Van Poppel sí suena a flamenco (hubo un conocido ciclista apellidado así). De todas formas, ¡cómo es posible! Impresiona que maravillas de canciones como «Conceived Ideas» o «Pleasure» sean un ejercicio de plasmación tan perfecto. 

En fin, estos muchachos —Bram Van Gorp, Dries Hermans, Fik Dries y Lars Baeyens, más belgas que unos gofres— parece que se sepan de corrido el manual del jangle y del pop de guitarras atemporal. Conforman una especie de supergrupo de provincias, pues provienen de otras tantas bandas del indi de Bélgica (Believo!, The Deer Friends, Video Volta y Gasoline DC). Sin duda ha sido una reagrupación de talentos. Todo el disco destila una maestría clásica nada artificial. Son catorce temas trenzados de melodía y calidez, que se te impregnan sin darte cuenta y hacen que te sientas bien, en paz, purificado.

El disco tuvo su versión en cedé el año pasado (Gazer Tapes, 2017), pero ahora nos lo ofrece en vinilo el sello español Meritorio Records (2018).

Discos con portada con discos #82

Varios - 7x7 Acid Jazz Rare Mod [2011, Acid Jazz, Box Set 7'']

Bjørn Torske - Disco Members [2000, Telle]

Peabodys / Rock'n Roll Television - Always About a Girl... A Punk Rock Split [2013, SP]

Elkie Brooks - The Pearls Concert Vol. 2 [2005]

El Último De La Fila - Grabaciones completas en vinilo [2009, EMI]

Varios - Fetenhits 80's Maxi Classics [2013, Universal]

Pascal Comelade - Concepte general de la quincalla catalana [2015, DiscMedi Blau]

The Real McCoyson - Let It Drill [2003, H-Records]

Arno - Future Vintage [2012, Naïve]

Sisqo ‎- Thong Song_Got To Get It [2005, Def Jam]

Varios - You Heard It Here First [2008, Ace]

Las nuevas aventuras del llanero solitario #51

Las coincidencias sólo son coincidencias. En este caso, vienen bien para reunir en un único espacio a dos americanas que han publicado, el mismo año, su disco de debut en solitario sin la sombra de sus habituales y respectivos compañeros de banda, y no muy alejadas en las propuestas musicales que presentan. 

> Cindy Wilson – Change (Kill Rock Stars, 2017) 

No hace falta tener un máster universitario, ni tan siquera regalado, para darse cuenta de que el título del álbum de una de las vocalistas de The B-52’s es una declaración de intenciones. Wilson ha tenido que esperar cuatro décadas desde que empezara con su grupo para plantar su solo nombre en una portada —Kate Pierson y Fred Schneider ya lo habían hecho tiempo atrás—, por lo tanto no era cuestión de repetir la fórmula. Tenía que ser algo personal y diferente; y lo que le ha salido es un sonido bastante etéreo y melancólico, en el que dominan los sintetizadores.  

 

> Annie Hart - Impossible Accomplice (Instant Records, 2017) 

Qué bien nos caen Au Revoir Simone; imposible no sentir simpatía por ellas. Eso sí, el trío lleva ya unos años sin destilar un latido de vida. Menos mal que Hart ha decidido continuar hacia adelante con un proyecto personal. El álbum con que se lanza tiene una vena más indie pop que el de Wilson, aunque también despuntan las texturas etéreas, las atmósferas creadas por sintetizadores y las percusiones secuenciadas, con un punto más bailable o al menos más vital. 

Sales en mi canción #96

Qué mayor reconocimiento a una vida que que alguien componga una oda en tu honor. El poeta Mike Garry y el músico Joe Duddell pensaron que Anthony H. Wilson, más conocido como Tony Wilson, merecía una. Wilson tuvo la suerte de estar en el lugar preciso (Manchester) en el momento justo (el nacimiento del punk), sí, pero eso no es suficiente si además no posees el instinto para captar que estás viviendo un momento histórico y que debes actuar para formar parte de él. 

"St Anthony: An Ode To Anthony H. Wilson" (Skinny Dog, 2015) es muy sencilla musicalmente, se sostiene sobre la base de "Your Silent Face" de New Order, a la que se superponen emocionantes cuerdas (un chelo y un violín), una animada percusión y un muy sentido recitado. Muy pocos elementos pero un resultado conmovedor. 

La versión en vinilo es un maxi que en la cara B contiene un remix de Andrew Weatherall. La versión en CD añade una versión instrumental y otra sólo con la voz. En la letra, entre otros personajes, se citan los siguientes músicos:

Joy división 
Ian Curtis
New Order
Peter Hook

Morrissey 

The Smiths

OMD 

Vini Reilly 
Durutti Column

Johnny Rotten 

Shaun Ryder 

Sex pistols 
The Fall

Mark E. Smith 

Stone Roses 
Oppenheimer Analysis
Martin Hannett
Bez
Buzzcocks
Kurt Cobain
Howard Devoto
Xray Spex
The Jesus & Mary Chain (probable alusión)

Quizá hay más, pero no tan fácilmente identificables (aquí letra completa).

Y el vídeo que se hizo para la ocasión contó con la participación de toda una ristra de celebridades que quisieron rendir tributo a la figura de aquel agitador cultural.

Preparados para un solo de órgano #41: Cherry Wainer

La maestría no siempre es compañera del reconocimiento masivo. A Cherry Wainer tampoco pareció importarle demasiado a tenor de lo feliz que se la veía siempre que actuaba. Había aprendido piano de niña en su Sudáfrica natal, una vena más jazzistíca que clásica. En Inglaterra entró a formar parte de la banda Lord Rockingham's XI, con la que logró su único #1 en las listas británicas con este tema: 

Wainer pronto empezó a trabajar por su cuenta, actuando en algunos programas de televisión. Se conoce la mayor parte de su carrera por álbumes instrumentales con su órgano Hammond, en los que la acompañaba su marido, Don Storer, a la batería. 

«Peter Gunn», uno de los mejores temas instrumentales de todos los tiempos, estaba en su repertorio: 

Esta es quizá una de sus actuaciones más estelares, acompañando a la cantante de jazz Ernestine Anderson en 1967. El tema estaba compuesto por el pianista Bobby Timmons, miembro del combo del baterista Art Blakey, The Jazz Messengers. 

Faropedia #24

Trembling Blue Stars ‎– A Certain Evening Light (Uncollected Recordings 1996-2002) [Shinkansen Recordings/Elefant Records, 2003]. Banda indie inglesa que recopiló estos temas como colofón a su carrera. La fotografía de la portada muestra el Corsewall Lighthouse, en la región de Dumfries,  en Escocia.

Accelerators ‎– Fuel For The Fire [Shield Recordings, 2012]. Punk rock holandés haciendo honor a su nombre.

Mad Dog Loose ‎– Signs From The Lighthouse (62 TV Records, 2015). Estos belgas, de Lieja, empezaron a mediados de los 90, pero desaparecieron pronto hasta asomar la nariz de nuevo hace poco.

Captains – I'm Your Ship (Jabalina, 2017, 7''). Banda española con cantante (en inglés) alemana, que extrajo este single de su álbum del mismo año.

5 sobre... #39: Picasso

Cuenta la leyenda que Pablo Picasso pagaba las cuentas de los restaurantes de París firmando servilletas. Si se juntasen hoy todas esas firmas, veríamos el Guernika de los garabatos. En cualquier caso, llegar a ese grado de fama está al alcance de muy pocos. Y el pop tampoco se ha resistido a aclamar al pintor universal y a incorporarlo a sus canciones. 

1. Modern Lovers – Pablo Picasso (1976) 

Imposible no empezar una selección de temas dedicados a Picasso por esta. Es el tema por excelencia sobre el pintor. Ha sido muchas veces versioneado, y por los más grandes (por ejemplo, John Cale o David Bowie, tan artys ellos). Quizá una de las cosas que la hace más fascinante es esa mezcla de lenguaje culto y coloquial. Y, por supuesto, ese trote hipnótico que mantienen los instrumentos junto a la voz arrastrada de Richman. 

Oh well be not schmuck, be not obnoxious 

Be not bellbottom bummer or asshole 

2. Johnny And The Self Abusers - Pablo Picasso (1977-78) 

En 1977 los Simple Minds hacían punk, cómo no, pero se hacían llamar Johnny And The Self Abusers. El tema lo compuso John Milarky, que luego no sería parte de la banda de Jim Kerr, si bien se editó más tarde en una recopilación sobre los early years de los Simple Minds. 

No es una versión de la los Modern Lovers, aunque la influencia es evidente. De hecho, lo que hizo Milarky fue darle la vuelta a la de los norteamericanos, que en algo tenía que notarse el espíritu punk, y donde aquellos decían «And girls could not resist his stare, / Pablo Picasso never got called an asshole», estos otros: «Pablo Picasso, a lot of girls think you are an asshole» y también «all the girls think you're a fucking asshole», aunque al parecer la letra hacía referencia al hermano del propio Milarky. 

3. Adam & The Ants – Picasso visita el Planeta de los Simios (1981) 
Adam Ant dejó el punk para pasarse a esa otra enorme fiesta de disfraces como fue aquella de los new romantics. Lo curioso es que hoy día su propuesta sigue siendo reivindicable y no ha envejecido como cabría pensar al principio. Con este tema tuvieron la genialidad de unir al pintor malagueño y el mítico planeta de los simios. Y lo titularon en español. 

4. Lord Cut-Glass – Picasso (2009) 

Bajo ese abigarrado nombre artístico estaba Alum Woodward en solitario, ni más ni menos que uno de los miembros de los nunca suficientemente ponderados The Delgados. Aunque este tema no trata directamente de Picasso, es precioso y, además, mantiene ese sabor al añorado grupo de Emma Pollock y compañía. 

5. Michael Head & The Red Elastic Band – Picasso (2017) 

El último, hasta el momento, en dedicarle una escultura sonora a ese pintor universal. El otrora componente de los Pale Fountains, lleno de calma y sapiencia, la voz grave y la guitarra clara, sigue componiendo preciosidades pop de este calibre. (Hay un aire en ella que recuerda, levemente, a «Like Dylan In The Movies» de Belle & Sebastian).

Grafitis por el mundo #48: Madeira

En Câmara de Lobos, nombre formidable para una población, no sólo puede tomarse uno de los mejores pescados a la brasa posibles, sino que si se visita en agosto coincidirá con las fiestas del lugar. Entre otras actividades, decoran la calle principal del casco viejo con originales guirnaldas y ceden las puertas de las casas para que los artistas urbanos de la zona expongan sus creaciones. En la última edición, el material empleado fueron latas de bebidas.

Y algo parecido en Machico, pero con pintura:

(Fotografías propias).