En qué quedamos #4: The Beatles vs The Delgados

El ying y el yang, el gazpacho y el salmorejo, el amor y el odio. A veces la línea que los separa es débil y ahilada; las más de las veces se entremezclan y confunden. 

> All You Need Is Love (The Beatles). A ritmo de la Marsellesa para empezar; luego multitud de cuerdas (violines, contrabajos…) y vientos, un coro y demás melodías vocálicas. Y un leve toque cabaretero hacia el final. 

Love is all you need 

Love, love, love 

Love, love, love 

Love, love, love 

Buen rollo. Pónganse los dedos índice y corazón haciendo una V.

> All You Need Is Hate (The Delgados). La banda escocesa —nunca suficientemente reivindicada— pone también violines a una de esas composiciones suyas tan sólidas pero tan frágiles. 

Hate is all around find it in your heart in every waking sound […] 

Hate is everywhere, inside your mother's heart and you will find it there 

You ask me what you need hate is all you need.

Mal rollo. Manténgase el dedo corazón firme e inhiesto.

 

Cosas de hermanos #62 // Como decíamos ayer #25: Close Lobsters

La recopilación que la revista New Musical Express y el sello Rough Trade comprimieron en un cassette en 1986 tiene más de mítica que de verdadero valor artísitico; es más un regodeo y una fruición para historiadores del pop. La selección era irregular y, curiosamente, en bastantes casos el sonido era mucho más duro que el sonido con que el posteriormente se asoció la etiqueta C86, es decir, un twee pop blandito, de guitarras melodiosas y un ligero toque naíf. Los originales del C86 eran hijos musicales de bandas provenientes del punk y del post-punk (v.g., Television Personalities), sobre todo las escocesas (Orange Juice, Aztec Camera, Josef K…), que sí tienen un merecido podio en la historia. De aquellos 22 grupos emergentes del indie británico —un hype en toda regla de cuando el indie era indie—, ¿cuántos perduraron con auténtico peso específico? No nos engañemos, el asunto se reduce a poco más que The Wedding Present y Primal Scream. La mayor parte de aquellas bandas yacen el olvido más absoluto, en muchos casos con justicia. ¿Quién se acuerda de, por ejemplo, Bog-Shed o A Witness más allá de haber sido una referencia de aquella selección? En un terreno intermedio quedaron un par de bandas; no han llegado nunca al escalafón más alto pero siempre han estado presentes de alguna manera y, en su medida, han llegado a influir en grupos posteriores: The Pastels y Close Lobsters. 

De Escocia también eran los hermanos Burnett (vocalista y bajista), que junto al batería Stewart McFayden y los guitarristas Tom Donelly y Graeme Wilmington no acababan de decidirse por un nombre para el grupo. Andaban indecisos entre The Close y The Lobsters, así que… Un año después de aparecer en el C86 con «Firestation Towers» publicaron su debut en largo —Foxheads Stalk This Land (1987, Fire)—, un magnífico manual de jangle pop brillante y lleno de chispa. Todo aquello únicamente sirvió para grabar otro álbum dos años más tarde y dejar para la posteridad un puñado de singles, un par de EP y algún recopilatorio posterior. En 2012 el quinteto se reunió para volver a tocar juntos a ver qué se sentía y empezaron a dar algunos conciertos; este año nos han sorprendido publicando, de momento, un 7’’ apoteósico, de título Kunstwerk in Spacetime EP (Shelflife, 2014). Lo de llamarlo EP quizá se deba a que con la compra del single «Now Time/New York City in Space» te regalan en versión digital dos remixes de la cara A (que como buenos remixes apenas aportan nada). Como el propio sello se encarga de publicitar, es la primera grabación original de Close Lobsters desde 1989. Para ello han puesto mimo y gusto al editarlo —vinilo de 70 gr de precioso color burdeos y con funda interior —, todo lo cual serviría de poco si el contenido no mereciera verdaderamente la pena. 

¿Y qué tienen de especial estos temas? Pues es sencillísimo de resumir: «Now Time» debería constar al final del año en cualquiera de esas listas al uso que elabora mucha gente cuando llega el mes de diciembre. El tema comienza con un punteo reposado de guitarra, entra la batería al poco tiempo en crescendo y cuando lo hace la voz es directamente para tararear el estribillo, un nananananana antológico que se te pega más que el velcro.

 

En la cara B, otro corte para enmarcar. En una línea algo más americana, tanto en sonido como en temática (citan al legendario antro CBGB's), al igual que la fotografía de la portada, obra de Joe Foley. 

Debut #88: Roladex

Como si no hubiera futuro y sólo existiera el pasado. El dúo texano Roladex se recrea con fruición y detalle en el sonido del synth pop de los años 80, y más concretamente de la facción más oscura de aquella época. 

En estos casos de recreación artística tan evidente, de amor retromaniaco por un género específico, surge la duda de si debemos considerarlo un arte lícito o un mero ejercicio de estilo; ¿tienen el mismo valor la creación original y la fiel recreación? Lo curioso es que en el caso del synth pop, este sonido sigue resultando moderno hoy día. Así pues, puede parecerle arrebatador a un joven que lo oiga por vez primera y nunca haya escuchado a los precursores que lo modelaron, que por otra parte no tiene por qué conocer. El problema entonces parece que afecta más a quien sí conozca las fuentes y se haya bañado en ellas en su día. El drama, pues, es que si se ocupan y preocupan en rastrear las influencias de cuanto suena, les resultará imposible disfrutar de nada de lo que se haga o se esté haciendo porque siempre encontrarán algo familiar ya hecho que invalide el presente. Un dilema.

Roladex son Tyler Jacobsen y Elyssa Dianne. Él está licenciado en Bellas Artes, tiene un máster en arte electrónico y se gana la vida como profesor en una escuela de arte. Cargados de un arsenal de instrumentos analógicos, han grabado Anthems For The Micro-Age (Medical Records, 2014), una especie de futurismo pasado, frío, maquinal, melancólico, apocalíptico, subyugante. Que cada cuál decida si merece la pena o no. Aquí pensamos que temas como «Cathode Rays» o «Nuke It Out», entre otros, no deberían desperdiciarse:

Dime qué lees y te diré cómo se llama tu banda #28: The Pains Of Being Pure At Heart

The Pains Of Being Pure At Heart. Vale que el nombre queda largo para una banda. De acuerdo en que incluso puede resultar algo cursi. Puede también que haya cierta tontería en él. Pero de ahí a separarlo en dos como si fueran grupos diferentes… Quizá es que el periodista de Faro de Vigo (en el tercer párrafo) entendió que los sucesivos abandonos del barco —se ha ido hasta la teclista/vocalista, Peggy Wang— ha producido la escisión de una banda en dos, como una especie de mitosis musical: "The Pains of Being" y "Pure At Heart” (y no vamos a hablar de la memez de entrecomillar los nombres artísticos). Para concluir con el asunto del nombre, hay que decir que, y atentos porque esto es lo más interesante de cuanto va dicho hasta aquí, procede del título de un relato del escritor Charles Augustus Steen III. 

Ahora Kip Berman ha montado un sello propio y en él ha grabado el tercer álbum de TPOBPAH asistido por nuevos colaboradores, como los hermanos Christoph y Anton Hochheim y la pareja de A Sunny Day in Glasgow, Jacob Sloan y Jen Goma. Esta última lo borda en «Kelly» y en un pispás consigue que nos olvidemos de Peggy. 

Así pues, en Days of Abandon (Yebo, 2014), que comienza muy introspectivo y acaba muy introspectivo, continúan vigentes algunos de esos temas suyos que hacen que se te mueva el flequillo de tanto agitar la cabeza siguiéndo el compás de las guitarras y las melodías. «Simple and Sure», «Eurydice», la mentada «Kelly» y más. 

Como la ascendencia musical de estos neoyorquinos se repite hasta la saciedad en cualquier reseña que se lea, baste decir aquí que en el primer tema citan a Felt: 

When I spent the night it just felt wrong, like a Felt song, 

I’m off the throne and I need you here, and you’re not around

Ellas llevan el ritmo #58 // Comerse un cocodrilo (en Dinamarca) #22: Elisa Pérez

El nuevo álbum de Cosmen Adelaida tiene algo de reseteo, de volver a empezar. Algunos cambios en la banda y un sonido de mayor consistencia y más depurado hacen que casi pueda escucharse como un debut. Siguen sus querencias por el noise pop y por los picos de guitarras a saco; pero sobre todo, fundamentalmente, especialmente, destaca el enorme trabajo de la batería, Elisa Pérez. Esto se ha dicho poco hasta ahora en las reseñas del disco, así que conviene recalcarlo: en su mayor parte, el poderío de La foto fantasma (El Genio Equivocado, 2014) descansa sobre esa batería, que cambia de ritmo constantemente y lleva las riendas de los temas con firmeza y estilo. Compruébese, si no, en esta tremenda «Copenhague»: 

Y en el siguiente corte, «Dormancia», se permite el lujo de cantar al mismo tiempo. También toca la batería en Rusos Blancos. Además, ilustra, diseña, dibuja… Sus ilustraciones de afamados punks para la revista Mood están expuestas en la librería La Central. Las vende enmarcadas a precio muy asequible. Hay quien se ha hecho con su precioso Ian Dury:

Su web.

Últimamente se está muriendo gente que no se había muerto nunca #34 // 5 sobre... #31: The Ramones

La foto de la portada del álbum de debut de The Ramones allá por 1976 es legendaria. Apoyados sobre una pared de ladrillo visto y ataviados con chupas negras, vaqueros rotos y zapatillas, desde ese instante proyectaron una imagen imitada hasta la saciedad. En aquella foto neoyorquina en blanco y negro, Jefrrey Hyman (alias Joey Ramone), John Cummings (alias Johnny Ramone), Douglas Colvin (alias Dee Dee Ramone) y Tamás Erdélyi (alias Tommy Ramone) tenían alrededor de 25 años. Desde hace un par de días no queda nadie vivo de esa foto. El último en irse ha sido Tommy, el primer batería de la banda. Recordémoslos a través de cinco momentos diferentes de su discografía. 

> Blitzkrieg Pop (1977). El primer tema de su larga carrera. Ahí estaban ya presentes sus señas de identidad: guitarras surferas hiperaceleradas, escasísimos acordes, ritmo repetitivo, letras simples y su primer grito de guerra. Hey ho, let’s go! 

> Surfin’ Bird (1979). Los Ramones eran animales de escenario. En la Nochevieja de 1977 grabaron el concierto que dieron en el Rainbow Theater de Londres. Fue su primer álbum en directo, y a la postre uno de los mejores directos que se han grabado en la historia. Esta versión en vivo del tema de The Trashmen es, sencillamente, apoteósica. 

> Baby I Love You (1980). De End of the Century, el álbum producido por Phil Spector, que tantas historias aportó al anecdotario de la banda y que supuso un cambio en su sonido muy controvertido para muchos seguidores. Porque, sí, eso que suena al fondo son violines. 

> Come On Now (1981). Su siguiente álbum intentó retomar la senda del inicio, pero el evidente pulso más pop que había en la docena de temas tampoco acabó por poner de acuerdo todos. Sin embargo, el paso del tiempo está haciendo justicia con Pleasant Dreams y dando la razón a quien lo apoyó entonces. 

> Chasin’ The Night (1985). Too Tough to Die, irónico título visto hoy, fue el último álbum decente de los Ramones. Le siguieron después otro puñado más, sobre todo directos, pero la creatividad artística de la banda fue aquí donde dio sus últimos coletazos. El «duro» al que aludían estaba en el sonido, próximo en algunos pasajes al hard rock.

Más en este blog sobre ellos (bandas que los citan en sus letras, etc.), aquí.

 

I'll see you in Londres #16: Baxter Dury

Baxter Dury ya tiene nuevo material. Saldrá a la vuelta del verano con el título de It’s a Pleasure (Le Label, 2014). De momento puede verse el vídeo que le ha hecho al que probablemente será uno de los temas más lucidos del álbum. En él se le ve cruzando el Millenium Bridge londinense, en dirección a la Tate y con St. Paul al fondo, con pinta de haberse escapado de un psiquiátrico. En lo que a nosotros respecta, hay que ser un orate para que a alguien no le guste tema y vídeo:

Discos con portada con discos #68: Jimmy Scott

Hace algo menos de un mes, nos hacíamos eco aquí del fallecimiento de Jimmy Scott, dueño de una voz de contralto trémula y vibrante. Mostrábamos entonces su colaboración con David Lynch, un enorme degustador suyo. 

Muchos años antes, un tal Ray Charles ya se había confesado admirador de Scott, hasta el punto de que en 1962 consiguió que este firmara un contrato con su propia compañía, Tangerine. Acompañado por el mismísimo Charles al piano y bajo su tutela y la de los enormes arreglistas Gerald Wilson y Marty Paich, grabó su tercer disco, Falling in Love Is Wonderful, un álbum de baladas a lo Frank Sinatra repletas de violines. Pero la compañía de Charles tuvo que retirar el disco del mercado cuando Savoy denunció que Scott aún tenía contrato discográfico con ellos. La decepción y las complicaciones legales lo llevaron a abandonar el mundo de la música; tuvo que ganarse la vida circunstancialmente como repartidor en el Sheraton Hotel de Cleveland.

Ese álbum permaneció, pues, en el limbo hasta su reedición ya en este siglo por parte de Rhino. La de vinilo de 2011, en la colección Rhino Handmade, recuperaba la cubierta original. Como puede verse, uno de los vinilos que aparecen en la fotografía es el Modern Sound de Charles, publicado aquel mismo año:

 

La edición en CD de 2002 tenía una portada diferente a la original, aunque el concepto artístico era muy parecido. El guiño estaba en que dos de los vinilos eran el de la edición del original, en un interesante juego de espejos, y otro de Ray Charles:

Por último, el reciente recopilatorio Great Classics (Tiger Nong, 2013) también presenta un disco en la portada:

Pero qué listas son #5: Verano del 14

Este verano aún sin estrenar, le ha dado a Gog por juntar unos cuantos temas de los que más ha escuchado en los últimos meses, para componer con ellos una playlist de espíritu veraniego, es decir, relajados, frescos, fáciles de oír tanto a la orilla de una piscina como al borde de una playa, arropados por una penumbra en las horas de más calor como con la última luz del día, desayunando a media mañana como tomando un mojito de madrugada.

Hay de todo un poco un poco en la selección: novedades y antiguallas, pop electrónico, soul, pop francés, jangle, funk, post-punk... Que la disfrutéis y paséis un buen verano.

Pincha este enlace para escuchar los siguientes temas:

> Haunted Hearts - Initiate Me

> Eno & Hyde - Witness

> Oppenheimer Analysis - Subterranean Desire

> Roisin Murphy - In Sintesi

> Internal / Externa - Hope

> Minus Light - Learning to Love

> My Summer Bee - Figurine

> Granville - Le Slow

> Roddy Frame - Forty Days of Rain

> Psychic TV - Just Like Arcadia

> The Au Pairs - Diet

> Chain & the Gang - I'm a Choice (Not A Child)

> Chromeo - Old 45s

> Charles & Eddie - Where Do We Go From Here

> Bobby Hebb _ Love, Love, Love

> The Bronzettes - Hot Spot

> Betty Wright - Where Is The Love

> Luke Temple - Those Kids

> The Icypoles - Gotta Stop It

> Boa Constrictor - Plush

> Semester - Som Pa Film

> TV Girl - Birds Don't sing

> Kai Takahashi - Rock n' Rolling Stone

Hit instantáneo #29 // Criaturas celestiales #43 // El arte de la versión #93: Roisin Murphy

La irlandesa Roisin Murphy, otrora vocalista de Moloko, musa de pasarelas, en un escorzo musical audaz y sorprendente, se ha pasado a la canción italiana, teñida de pop electrónico y la cosa balearic —está grabado entre Ibiza y Londres—, e incluso al ítalo-disco, como en esta “In sintesi”, fulgurante y más instantánea que el Nescafé: 

Sintetizzare, realizzare, aaaaaaaaaaaahhh
Sognare con te.

Es el cuarto corte de los seis que contiene su nuevo EP, Mi Senti (Vinyl Factory, 2014), al que le han hecho una breve edición en vinilo de color blanco y firmado por ella, pero a un precio más desorbitado que los ojos de Marty Feldman. 

Los otros cinco temas son conseguidas versiones en clave electrónica de canciones italianas de los años 60 y 70: Mina (‘Ancora Ancora Ancora’ y Non Credere), Patty Pravo (Pensiero Stupendo), Lucio Battisti (‘Acora Tu’) y Gino Paoli (‘La Gatta’).

El disco completo en streaming.

Grafitis por el mundo #38

En la estación de Arturo Soria, en el metro de Madrid. Ya no existe; lo limpiaron en un par de días.

Género chico #61: Juniore

Que en la lengua de Jules Renard «fin del mundo» tenga género femenino es algo que fascina y sobrecoge. Al fin del mundo uno se lo imagina viril y áspero, recio y bruto. Hombrón, vamos. 

«La Fin du Monde» (Entreprise, 2014) es el nuevo tema del dúo galo Juniore; o lo que es lo mismo, Anna Jean y Samy Osta, que se suman a una especie de nueva corriente del pop en francés —junto a Pendentif, Granville…—, que en los últimos tiempos suele andar más escorado hacia lo anglosajón. De hecho, «La Fin du Monde» es una de esas piezas pluscuamperfectas del pop francés de siempre, con ese aroma y esa clase sesenteros que no hay paso del tiempo que marchite. 



Se ha publicado en un 7’’ cuya cara B, «Marche», se mueve entre la marcha militar y el spaguetti-western con mucho desparpajo.