El arte de la versión #46

Power, Corruption & Lies —¡qué título más actual!— fue el segundo disco de New Order, pero el primero en el que dejaron de ser como Joy Division. Ahora se cumplen treinta años de aquello, y la revista inglesa Mojo lo celebra en su número de febrero regalando el álbum versioneado de pe a pa por diferentes bandas. Para mayor goce, no se han quedado en los ocho temas originales, sino que han añadido los dos del maxi Blue Monday (es muy sabido que el temazo no se incluyó entonces en el álbum) más otros tres temas grabados también en aquella época por los de Manchester. 

1. The Golden Filter – Age Of Consent 

2. Tarwater – We All Stand 

3. Errors – The Village 

4. S.C.U.M – 5-8-6 

5. Fujiya & Miyagi – Your Silent Face 

6. Seekae – Ultraviolence 

7. Walls – Ecstacy 

8. Destroyer – Leave Me Alone 

9. Biosphere – Blue Monday 

10. Zombie Zombie – The Beach 

11. Lonelady – Cries And Whispers 

12. Another Blood – Lonesome Tonight 

13. K-X-P – Murder 

Lo primero que llama la atención es el sonido que se ha conseguido para estas reinterpretaciones: es brillante, luminoso; resulta una gozada escuchar una grabación así. A excepción de Destroyer, todas las bandas son de corte electrónico. Y curioso: muchos de estos artistas no habían nacido en 1983. La matrícula de honor va a parar a Fujiya & Miyagi, que elevan «Your Silent Face», tan emocionante siempre, a altas cotas.

Fujiya & Miyagi - Your Silent Face (New Order cover)

Evidentemente, estos experimentos no suelen aportar nada nuevo y nunca podrán sustituir al original cuando se trata de obras mayúsculas y apoteósicas, pero sienta muy bien lavarse los oídos de vez en cuando escuchando otra forma de interpretar una obra maestra mil veces antes escuchada y exprimida, para después volver a percibirla con bríos renovados. 

Malditos ingleses, lo han vuelto a conseguir.

Debut #47: Los Lagos de Hinault

Apellidarse Ynduráin puede marcar. A Carlos Yndurain, al menos, así parece haberle ocurrido. No de otra forma se explica sus constantes referencias al mundo del ciclismo. Para empezar, el nombre de su banda, que comparte con Matilde Tresca (bajo, teclados y coros): Los Lagos de Hinault. Para los poco duchos en las artes del pedal, Bernard Hinault fue un mítico ciclista francés —de cuando este aún era un deporte mítico—, que participó en una también mítica etapa de la vuelta ciclista a España a su paso por Covadonga y los lagos de Enol, de ahí el juego de palabras que surgió en la época. Una más es rendir homenaje musical a otro ciclista legendario como Marino Lejarreta, titulado como se le apodaba, «El Junco de Bérriz». Y referencias al Tour de Francia. Evidentemente, puede que todo simplemente sea un juego. 

Entonces, ¿Vidas ejemplares (Fikasound, 2011) no es un álbum sobre ciclismo? No, nada de eso. Para empezar, la dedicada a Lejarreta estaba en la primera maqueta que grabó esta pareja madrileña —él antes en Portonovo—. En todo caso, si hubiera que señalar el tema más recurrente en sus letras sería el verano. De hecho, esas mismas letras son lo primero que llaman la atención, por irónicas y venenosas, tiernas y ácidas, inteligentes y cínicas, que lo mismo atienden a estados vitales como a la disección social: 

> El verano no nos quiere / habrá que hacer abdominales o intentar no respirar («El Verano No Nos Quiere»)
> A los 35 el autoengaño está permitido. / el autoengaño y la resignación (…) Quiero un hijo varón varón y me lo vas a dar (…) se licenciará en ICADE y ¡hará un MBA! («La sabiduría de Occidente»)
> Me cuesta ponerme triste, / y no sé si es alegría o falta de interés («De sueño y café»)
> Nunca llegaré a ser ministro/ ni siquiera de turismo´ («Los pares mínimos»)
> He perdido el autobús / que va a tu calle; / se me olvidó subir, / no llegué tarde. / Simplemente paró aquí delante / y no se me ocurrió reducir, por fin, / la distancia sobrante. (La distancia sobrante»)

En lo musical, predominio de ritmos programados, guitarras y el contraste de las voces de la pareja (aunque la voz cantante la lleva él, y que recuerda a la de Los Directivos). Para quien los conozca, The Magnetic Fields sería un referente que tener en cuenta. 

En resumen, 12 cortes, 25 minutos, sin respiro, parapapeos, silbidos, fresco, entrañable. Con acertada versión incluida de un tema de Radio Futura no muy conocido, «Amor en frío», que popularizaron Las Chinas. 

Estupendo disco de pop español: lo ha dicho Radio Nacional, lo ha dicho Ignacio Escolar, lo ha dicho el correo del zar. Y Gog lo suscribe. 

[Escúchalo en bandcamp]

1. El correo del Zar 
2. Oscilobatiente 
3. Sí que es guapo (sería estúpido negarlo) 
4. Leandro de Borbón 
5. Amor en frío 
6. El verano no nos quiere 
7. Las chicas rubias de Serrano 
8. La sabiduría de Occidente 
9. Sentido y referencia 
10. De sueño y café 
11. Los pares mínimos 
12. La distancia sobrante 

Faropedia #12: cabo de San Vicente

En la barbilla. En lo que viene siendo la mismísima barbilla de la Península. Estrabón —aquel geógrafo griego con nombre de hierba culinaria— dijo del cabo de San Vicente, allá por el primer siglo de la presente era, que «no era el punto más occidental de Europa, sino de todo el mundo habitado». 

Hoy se llegan hasta él hordas de curiosos turistas a contemplar la aparente infinitud marítima que se abre desde allí hacia todas partes.

Los Burros: El faro del fin del mundo

El arte de la versión #44: Javier Corcobado

 

Tal vez sólo se puede ser Javier Corcobado para grabar un álbum de versiones donde quepan Fred Astaire y Spacemen 3: 

1. The shadow of your smile – Astrud Gilberto 

2. The world we knew – Frank Sinatra 

3. Te estoy queriendo tanto – Manuel Alejandro 

4. Le poinçonneur des lilas – Serge Gainsbourg 

5. Coraçao vagabundo – Caetano Veloso y Gal Costa 

6. El rey – José Alfredo Jiménez 

7. Noche de ronda – Agustín Lara 

8. Carioca – Fred Astaire
9. El camino de la noche – José Alfredo Jiménez
10. Losing touch with my mind – Spacemen 3

Como puede verse, en realidad el brindis al sol es el de Spacemen 3, que sería la pieza que habría que señalar si esto fuera el juego de adivina-el-intruso, porque el resto del repertorio tiene una onda más homogénea y lógica. Versionear a un personaje como Gainsbourg, claro; boleros… también, pues siempre ha sido un palo que le ha gustado mucho al madrileño (recordemos aquí su álbum de 1993 Boleros enfermos de amor); o samba y crooners. La osadía es aún mayor cuando se ha enfrentado a unos estándares que requieren de un dominio vocálico notable, algo que nunca ha sido su fuerte; algunos incluso cantados en idiomas. A cambio, el apartado musical es de una imaginería y una claridad que hacen posible que se sostenga el disco. 

En cualquier caso, Luna que se quiebra sobre la tiniebla de mi soledad (2011) es Corcobado en estado puro, con su estilo denso, desgarrado y de tendencia al tremendismo, que siempre deja entrever ya desde el título. 

Gog quiere traer aquí muy especialmente «El rey», que se escuchaba mucho en su familia de chiquilín en la versión de Vicente Fernández, que era algo así como un Tom Jones mejicano. Contiene tres minutos instrumentales de tralla y electricidad muy notables, que le confieren a la versión una personalidad definitiva.

Javier Corcobado - el rey

Debut #46: Caveman

 

Muerto 2011, aún se puede percibir algún coletazo suyo. Coco Beware (2011), del quinteto de Brooklyn Caveman, es uno de esos últimos estertores de vida, de gozosa vida. 

Indie pop con tendencia a emplear mucho las percusiones, ese sería el resumen básico. Y que nadie piense en Local Natives o el rollo africanista de Vampire Weekend, porque lo cierto es que Caveman tienen personalidad definida y mundo propio. Y sobre todo, lo que tienen son enormes temas de pop, con un aire tristefestivo muy pegadizo. «My Time», el tercer corte, es uno de los momentos del año para Gog: 

Le sigue una especie de interludio instrumental («Vampirer») y luego continúan esas letanías felitristes suyas, con las suaves percusiones y los suaves teclados, como «Old Friend» o la preciosísima «December 28th». 

Pulgar hacia arriba.

A mí no hace falta que me cambies el plato #23: David Bowie

Otra gran serie de los retronautas. En esta, toda una galería de David Bowie haciendo vida «normal». Nos quedamos con unos cuantos momentos alimenticios, porque, aunque nunca lo haya parecido, Bowie también tenía que comer. Uno siempre pensó que realmente era medio alienígena y que se alimentaba de aire.

(1966)

(1970)

(1973)

(1973)

(1983)

(1987)

(2004)

No son hombres: son Devo #10

Gog lleva leídas 155 páginas de las 667 que tiene el de momento inocuo pero celebérrimo tocho Libertad de Jonathan Franzen. Como Gog no está muy seguro de que vaya a llegar al final de esta anodina historia de una tal Patty y sus leches de neuras, es el momento de dejar ya reseñado aquí que en la página 82 se lee: 

En el equipo de música de Eliza sonaba el nuevo álbum de DEVO.

No se especifica cuál. Sabemos, únicamente, que en ese momento la acción se sitúa a finales de los años setenta. Por lo tanto, haciendo un ejercicio de mucho presuponer, podríamos deducir que se trata de Duty Now For The Future (Warner, 1979). En esa década llegaron a publicar dos discos; de haberse tratado del primero, Franzen debería haberlo dicho de otra forma, pero "el nuevo álbum de DEVO" implica que ya habían sacado al menos otro antes, en este caso, el debut, Are We Not Men? (Warner, 1978).

Sales en mi canción #41 // Hoy llego tarde #2: Chrisma

Atención a este pedazo de pieza de krautrock de 1977:

Chrisma - 04 c rock

Chrisma (luego Khrisma). Pareja de italianos. Chico y chica. Unos adelantados con su post-punk a lo Magazine y su electro underground decadente y lujurioso, pero que se quedaron olvidados en el maletero de la época. Hoy día, al parecer, son grupo de culto y su par de discos de entonces, dos reliquias inencontrables: Chinese Restaurant (1977) y Hibernation (1979). 

Merecen la pena la escucha, sobre todo el primero, para adictos al género y curiosos de la paleontología musical. Gog acaba de descubrirlos a través de un comentario de Jamie Hince, cantante de The Kills; lo cierto es que no había oído hablar de ellos en su vida. Uno cree haber escuchado mucha música, pero siempre aparece algo nuevo que te habías dejado atrás.

El nombre de la banda salió de la unión silábica de sus nombres de pila, CHRIStina Moser y MAurizicio Arcieri. El tema que cerraba su primer disco —«Thank You»— es una larga letanía con la que agradecían la existencia de cosas que les gustaban y músicos admirados: 

We would like to thank: Lonnie Donegan, Eddie Cochran, Fats Domino, Jerry Lee Lewis, Little Richard, Bill Haley, Chuck Berry, Wanda Jackson, Charlie Watts, Mick Jagger, The Boys, The Sins [¿The Saints], Bill Wyman, Iggy Pop, ??, ??, Dave Anthony's Moods, Les Paul, Sha Na Na, Roxy Music, Buddy Holly, Gene Vincent, Jimi Hendrix, Johnny Kidd, Brian Jones, Jim Morrison, Elvis Presley, Marc Bolan, Lou Armstrong, Bing Crosby

(Gracias a Viceflai por su magnífico oído. En los comentarios de este post pueden leerse cuáles son sus aportaciones. Quedan sin atar un par de incógnitas a la espera de que algún otro buen oído las complete.)

A mí no hace falta que me cambies el plato #22 // Plataneces #27: The Wave Pictures

 

David Tattersall, esto es definitivo, padece una hemorragia de creatividad congénita. No de otra forma puede explicarse el brillante, copioso y honesto cancionero que este chico ya lleva compuesto para sus The Wave Pictures desde mediados de la década pasada. Y no es sólo cuestión de álbum por año, pues todos esos discos los tienen aliñados con ep, descartes, colaboraciones y rarezas varias. En septiembre de 2011, por ejemplo, la revista Rockdelux salió acompañada de una preciosidad de recopilatorio del grupo: I Thought of you Again. Outtakes & Alternative Versions, cuando unos meses antes habían sacado Beer in the Breakers (Moshi Moshi, 2011). 

Con este hasta ahora su último disco oficial, parece que Tattersall, además, ha descubierto que se está bien en una cocina componiendo canciones, y que allí hay todo un mundo al que acudir en busca de inspiración, o al menos eso parece después de escuchar en la docena de cortes la cantidad de referencias a este aposento de la casa y lo que en él se cuece: 

Once you wrote your name in peppercorns poured out onto the table
(«Now your Smile Comes Over in your Voice»)

Scoop the ice cream with the dipper
Maple syrup on the sheets
You could hear them in the kitchen
(«Walk the Back Stairs Quiet»)

But there’s no love in her kitchen («In Her Kitchen»)

We ate toast cut roughly into halves
with sour jam in an empty bar
(«Little Surprise»)

You said you never really wanted a red wine ever (…) I smiled, sipped at my beer («Two Lemons, One Lime»)

Y momento platanoso: And I, slipping on banana skins («China Whale Brand»)

Desde luego es un disco que, en su sencillez y recogimiento, suena íntimo y familiar, confortable, tibio, como un bizcocho casero. Todo fluye con serenidad a base de guitarra, bajo y batería (tocada con escobillas las más de las veces), apenas hay algo más que se salga de esa línea, quitando la armónica que suena en «Rain Down». Confesiones y escenas cotidianas interpretadas principalmente en tiempos medios y lentos (qué hermosa y triste es «Walk the Back Stairs Quiet»), con algún momento más enérgico («Now your Smile Comes Over in your Voice»). 

Disco para pasar recogidos el invierno al calor del hogar, esperando a que la primavera nos desesperece. 

Que jamás me bese Helen Marnie si miento #10 // El arte de la versión #43: Azealia Banks

Hablan de ella como «the next big thing». Y aún ni siquiera ha conseguido un empate. Un tema molón  y modernete y poco más de momento, pero a Gog le ha llamado la atención por la versión (o el jugueteo más bien) sobre un tema de Ladytron:

Azealia Banks - Seventeen (Ladytron reworking)

Debut #45

…pero diez años después. Esa es la curiosa premisa de la lista que acaba de publicar la web Stereogum: grandes discos publicados exactamente diez años después del debut de los artistas. O sea, qué artistas han sido capaces de seguir impactando una década más tarde, a contar desde que publicaran el primero. El orden es puramente alfabético. 

Como bien reconocen en Stereogum, atenerse al rigor del calendario les ha hecho dejar fuera enormes álbumes que salieron, por ejemplo, a los once años de los inicios. La propuesta, en todo caso, es interesante, porque da una idea de quién ha poseído o posee verdadero talento artístico, del creador superdotado que es capaz de mantenerse en la vanguardia transcurrido un buen lapso de tiempo, más aún hoy, en estos días tan efímeros y tan como de vida de mariposas. 

¿Alguien echa en falta alguno? Gog se ha dado un rápido voltio por su memoria y se le ha ocurrido que quizá podría figurar el Computer World de Kraftwerk.

...Y ellos se juntan #50 // El arte de la versión #42

El mes pasado, en la Civic Opera House de Chicago, coincidieron Nick Lowe, Mavis Staples y Wilco en los camerinos. Allí mismo improvisaron la que tal vez ya sea la versión definitiva del tema de The Band «The Weight»:

Dedicado a tapires y mylodones (por Lowe), a Miguel S. (por Staples) y a Miss Amanda Jones y Evaristo Aguirre (por Wilco).

Por cierto, Gog le pidió a los reyes tener la elegancia y la prestancia de Lowe, pero todo apunta a que este año tampoco será.

...Y ellos se juntan #49: The Baseball Project

 

Esta entrada va a dar motivos de chanza a los amigos de Gog, lo sabe. Porque, para quienes no lo sepan, Gog es un ferviente seguidor de ese deporte en que los jugadores están en pijama y escupen todo el rato.

El a priori matemático de este supergrupo debería impresionar al mismísimo Einstein:

Peter Buck (REM) + Steve Wynn (Dream Syndicate) + Linda Pitmon + Scott McCaughey (The Young Fresh Fellows) = The Baseball Project

El problema —Gog es muy consciente— es que este rock contemporáneo, de predominio guitarrero e interpretado con la sabiduría y clase que se presupone a sus integrantes, está dedicado exclusivamente a narrar hazañas de legendarios jugadores de béisbol, lo cual que por aquí no va a interesar demasiado.

Llevan dos discos: Vol. 1: Frozen Ropes & Dying Quails (Yep Roc, 2008) y Vol. 2: High & Inside (Yep Roc, 2011).

En lo musical, resulta mucho más interesante el segundo: más consistente y mejor vestido, con las peculiaridades de que por vez primera se oye cantar a Linda Pitmon como voz solista («Fair Weather Fans»), meten algún saxo caliente y teclados sabrosos y no hay temas cantados en español como en el primero (cuánto daño a la música ha hecho Jonathan Richman cantando en español).

Por si el póker de ases no fuera suficiente, Ben Gibbard echa una mano en los coros de «Ichiro Goes to the Moon» e Ira Kaplan toca la guitarra en «Buckner's Bolero».

Cada uno de los miembros se declara fan de un equipo:

Wynn → Yankees

Pitmon → Twins

Buck → Braves

McCaughey → Giants

Ah,

Gog → Cubs

Discos con portada con discos #38

Jamie T: Panic Prevention [Astralwerks, 2007] (Tuvo el buen gusto de incluir a Ian Dury.)

Karina: Oh Carol / Lady Elizabeth (single del álbum Lady Elizabeth [Hispavox, 1974], cuya portada se ve en el suelo)

Napalm Sunday: Musical chairs [Record Cellar, 2004]

Varios: Rodney on the Roq. Volume 2 [Posh Boy, 1981]

Simple Plan: Get Your Heart On! [Atlantic, 2011] (Bajo la cama, carátulas del propio grupo.)

The Stunning: Paradise in the Pictures House [Dirtbird, 2007]

Gastan gafas #44 // Ellas llevan el ritmo #18: Las Kellies

Las Kellies son un trío femenino de Buenos Aires querido que le dan al sonido garajero con ganas y actitud. Llevan ya tres discos así como quien no quiere la cosa, una con sus gafas sempiternas y su guitarra (Ceci), otra con su bajo (Betty) y otra con su batería (Sil).

Aunque prima el inglés en las letras, no le hacen ascos a cantar en japonés, español, alemán, francés, catalán o portugués, o algo parecido.

En su Facebook, a modo de declaración de intenciones, dicen ser fanes de ESG, Tom Tom Club, The Cramps, Bikini Kill y Devo, toma ya. De los últimos han hecho una versión de categoría, el inolvidable «Mongoloid»:

Las Kellies - mongoloid [Devo]