Debut #51 // Plataneces #29: Beath Jeans Houghton

Si no tuviera un matiz ligeramente despectivo, diríamos que Beth Jeans Houghton es un temperamento excéntrico. Digamos, pues, que se trata de alguien anticonvencional, una de esas chicas con personalidad a raudales y que le importa un comino lo que piensen los demás. Y Gog no lo dice sólo por las pintas que suele llevar (gugléese para ver una buena muestra), sino que también afecta al plano artísitico, en este caso musical, que es el que nos tiene aquí reunidos.

Tiene una voz prístina y educada, con la que desarrolla melodías primorosas y ricos arrullos. Su visión singular de la música hace que igual se acompañe de violines, teclados, vientos, etc., y de una batería que suele darle un ritmo trotón a muchas de sus composiciones. «Atlas» y «Liliputt» podrían ser dos buenas muestras de todo esto. Están incluidas en su debut, Yours Truly, Cellophane Nose (Mute, 2012), que firma como Beth Jeans Houghton & The Hooves of Destiny.

Diferente, y es elogio.

 

5 sobre... #17: tenis

> Chris Rea: «Tennis». Do you like tennis? Yes, I do repetía este inglés con su voz ronca y su slide guitar mucho antes de dar el pelotazo con «On the Beach».

  Chris Rea - Tennis (Version)

> Saint Etienne: «Conchita Martinez». Temazo de su primera etapa, cuando aún experimentaban y no se dedicaban al puro baile. Lo tiene todo: guitarras sucias, capas de noise, bases irresistibles, parapapeos, silbidos. Oscura y luminosa, compleja y brillante; tal vez como la propia Conchita.

> Vincent Delerm: «Les Jambes de Steffi Graff». Un piano lánguido y melancólico para cantarle a uno de los pares de piernas más bellos que ha dado el circuito tenístico en toda su historia.

> McEnroe: desde Vizcaya, unos seguidores del gran John, quien también le da a la guitarra, por cierto. Gog no controla mucho el rock alternativo reposado de este quinteto actual, pero quede aquí «Tú nunca morirás».

> Tennis: «Petition». El dúo de Denver son el motivo que ha originado esta entrada tenística. Su fresquísimo segundo álbum, Young & Old (Fat Possum, 2012), está en on repeat constante en el reproductor de Gog. Se lo produce el batera de The Black Keys (Carney), y cuánto se nota. Les ha quitado el apresto lo-fi y el pelo de la dehesa. Han ampliado el registro, ya no hay sólo rollo sixtie como en el debut. Y, como no podía ser de otra forma, las baterías suenan prístinas, como todo en el álbum, limpio y potente, lleno de estribillos pegadizos y melodías espléndidas. Imparable de principio a fin. Escúchese este maravilloso hit a modo de ejemplo:

 

Dime qué lees y te diré cómo se llama tu banda #14: Fanfarlo

Rooms Filled With Light (Canvasback, 2012), segundo álbum de Fanfarlo. Corre, escúchalo ahora mismo, puede que mañana ya sea demasiado tarde, cuando lo hayan descubierto las hordas y tú entonces te veas obligado a renunciar a él y a retirarte a tu campamento de invierno. Eres un connaisseur y un exquisito, recuerda, lo cual no te permite seguir a la masa, algo para lo que estos chicos llevan muchas papeletas con su pop redecorado. 

Lo cierto es que el salto cualitativo respecto a su debut Reservoir (Atlantic, 2009) es grande. Sus temas han adquirido más ángulos, se han esponjado; que el productor Ben Allen (Deerhunter, Gnarls Barkley, etc.) haya estado detrás algo habrá tenido que ver. Lo más llamativo de la nueva dirección es la inclusión de sintetizadores, para dar un giro ochentero y new-wave molón. «Deconstruction» o «Tightrope» se harán himnos. Además, están asentados en Londres (si bien su líder, Simon Balthazar, proviene de la cálida Suecia, dicho esto en términos de pop), tienen buena imagen y un punto arty, porque el nombre de la banda lo han sacado de una novela de Charles Baudelaire titulada igual. ¿Qué más se puede pedir? 

Escúchalos ahora, date prisa; mañana sonarán en un estadio y no querrás ir.

  Deconstruction - Fanfarlo

La cara oculta #6 // Debut #50: John Talabot

Si eres un ser decididamente moderno, entonces tendrás que llamarla house. Si te da más igual el asunto, puedes referirte a ella como música electrónica de baile. Gog, ya se ve venir, no es ningún experto en eso del house. Y si quiere hablar de ella aquí va a tener que cambiar la terminología instrumental habitual por palabros como texturas, loops, samples, desarrollos, glitches (lo que quiera que signifique eso) o bajos sintetizados. 

Por increíble que parezca, además, hay gente capaz de diferenciar entre acid house, deep house, freestyle house, euro-house, funky house, garage house, soulful house, italo house, minimal house/microhouse, pumpin' house y tribal house. John Talabot es uno de ellos. Productor de música electrónica y pinchadiscos barcelonés, se presenta ahora como músico con ese alias y metros de papel de aluminio para cubrirse un rostro que no quiere hacer público. Su debut, fin (Permanent Vacation, 2011), está en boca de todos cuantos dicen house. Se le prodigan elogios con rendida unanimidad. A Gog, de momento, le interesa más el personaje, pero quede aquí la siguiente pieza para que cada uno decida el grado de emoción que le causa, a nivel house o a nivel música electrónica de baile.

 

Género chico #21 // Cameos musicales #33: The Cramps

Existen bandas infravaloradas por la mayoría y sobrevaloradas por una minoría de fanes acérrimos. Ocurre con Bauhaus. Y puede que el mundo a veces se pierda algunas canciones increíbles de Siouxssie & The Banshees aunque tampoco es que sus discos sean lo que sus seguidores a ultranza dicen que son. Y ocurre con The Cramps, a los que Gog tiene por mejores recreadores que creadores. 

La fascinación que causan The Cramps es más estética que musical. Hay que admitir que estos emperadores de la serie B, estos reyes de las alcantarillas más underground, que parece siempre que estén a punto de despellejar un gato vivo, por imagen y por actitud resultaban fascinadores. Luego está el asunto de los seudónimos, "sin qué duda cabe" de los mejores que se han creado en la historia del rock: Lux Interior y Poison Ivy. (Reconozcámoslo, no hubiera sonado igual haberlos llamado por sus verdaderos nombres, Eric y Kristy.) Fueron los únicos miembros estables de la formación tras décadas de iryvenir gente; incluso llegaron a reclutar durante un tiempo a Kid Congo Powers, el guitarrista de los incendiarios The Gun Club, para su segundo elepé (Psychodelic Jungle, de 1980). Lo de los seudónimos y el grupo siempre fue marca de la casa, porque por sus filas pasaron gente como el batería Harry Drumdini (desgüeve de alias, no me digáis), la bajista Candy del Mar o el guitarrista Chopper Franklin. 

Si The Cramps fueron triste noticia no hace demasiado por la muerte de Lux Interior (en 2009), hoy lo vuelven a ser pero por motivos felices. Y es que el sello Munster ha editado sus primeros singles en una sola caja (edición disponible en vinilo o en cedé, acompañada en ambos casos de postales y memorabilia): File Under Sacred Music. Early Singles 1978-1981. Diez pepinazos llenos de tiña y roña por ambas caras para quien tenga ganas de sentirse sucio perro callejero durante un rato. 

No todos son singles oficiales; algunos de esos temas pertenecen al periodo en cuestión pero jamás se editaron como sencillos. De los veintidós temas, la mayoría producidos por Alex Chilton, nueve son propios y el resto son versiones crudas, desde los Trashmen a Ricky Nelson pasando por el inmortal "Fever". Por quedarnos con una de cada, Gog destacaría "Human Fly" entre las creadas, con esa guitarra surfera bañando el tema, y el compacto y férreo "Uranium Rock" entre las recreadas.   

Permitid a Gog que concluya aquí para que pueda irse a duchar después de haberse rebozado toda la tarde en los Cramps, contento como un niño jugando con el barro del parque.

Antes un apunte final enormemente curioso: The Cramps aparecieron tocando en una escena de la serie sobre pijos Sensación de vivir.

No son hombres: son Devo #11

Mark Mothersbaugh se dedica también a las artes gráficas. En su web The Visual Art of MM puede verse (y adquirirse) su colección de postales, alfombrillas para ratón o fotografías sobre seres mutantes:

La serie de los "hermosos" mutantes ha traído rápidamente a la memoria de Gog aquella canción de Eels:

...Y ellos se juntan #52: Wild Flag

Las chicas tienen algo especial,

las chicas son guerreras.

Jugar con ellas es como manejar la nitroglicerina,

tienen mas vatios que una nuclear, y no son tan dañinas.

¿¡Se nos va a poner Gog a hablar de Coz!? Lo cierto es que no, aunque tampoco tendría que suponer mayor problema traerlos por aquí. La memoria, tan selectiva como caprichosa, se los ha recordado tras escuchar el discazo cañero que se ha marcado el cuaterto femenino Wild Flag. 

Fuerza, actitud y buen hacer de esta superbanda formada por la suma de insignes elementos. La noticia resulta especialmente jubilosa porque se trata de una especie de regreso camuflado de las muy grandérrimas Sleater-Kinney, pues de las tres componentes que había en aquel grupo, se citan dos aquí, las enormes Carrie Brownstein y Janet Weiss, a las que se les juntaron en 2010 Rebecca Cole (procedente de The Minders) y Mary Timony (de Helium). La consecuencia: Wild Flag (Wichita, 2011). 

Los primeros acordes de teclado, aunque enérgicos y llenos de vitalidad, pueden hacer pensar en otra cosa, pero en seguida se suman la batería firme y tonante, la tensa guitarra y la voz poderosa del resto de componentes y el jaleo ya está armado. Imposible no dar cabezazos en el aire con «Romance», o hacer un poco (sólo un poco, tranquilos) de air guitar en «Racehorse», o elevar el puño para corear «Boom»: 

1, 2, 3, 4 

I like the way you move around the floor 

I like the way you move around the room 

Make things go boom

Wild Flag - Boom by Wichita Recordings

Play loud y que se aguante un rato el vecino, carajo. 

Una pequeña historia del rock a través de una sola portada #5

Cachondada de los cachondos de Chumbawamba. Este "Tony Blair" era un tema a imitación de aquellas baladas de los grupos vocálicos de los 40 y 50. Salió como sencillo en 1999 en edición limitada.

Tony, you promised me the world, uuuuuhhhh

Con la boca #14: Robyn Hitchcock

The Beatles eran la música comercial de la época. Es tremendo el cambio. Por supuesto, eran buenísimos, los mejores, pero si empiezan su carrera ahora serían considerados como indies o alternativos. 

Esta sorprendente y lúcida reflexión salió de los labios del inglés Robyn Hitchcock durante la entrevista que Nacho Ruiz le realizó para el Rockdelux de febrero (n.º 303). Y es que Hitchcock ha andado por aquí promocionando su último disco, y van 18. 18 de estudio y en solitario, no entran en ese cómputo los que sacó con The Soft Boys, ni directos o rarezas. 18 a su bola. Y Gog se niega a reproducir aquí la etiqueta que casi siempre se repite para describir el palo de este músico con apellido de director de cine. Se niega porque es inexacta y ni de lejos se acierta con ella para describir el sonido de Hitchcock. El suyo es un estilo absolutamente personal, y con un tono de voz inconfundiblemente único. Y tan a su bola va siempre que es capaz de poner un título así de poco comercial a su nuevo trabajo: Tromsø, Kaptein, publicado para más recochineo en un sello noruego (Hype City Recordings, 2011). 

Pero sigue en racha. Llevaba varios discos magníficos haciéndose acompañar por The Venus 3, con Peter Buck y Scott McCaughey (que últimamente parecen casi una pareja de hecho de tanto como se les ve juntos en diversos proyectos). Esta vez Hitchcock ha optado por cambiar un poco; ahora se ha rodeado de una sección de cuerdas, que lo sigue a lo largo de los diez cortes del álbum. Entre ellos, una nueva joya de su cancionero: «August In Hammersmith». Atención a la voz femenina que crece al final, cuando ya no se espera a nadie más en la canción.

  07 - august in hammersmith

  (Durante el bis que dio en el lobby del Teatro Lara de Madrid hace unas semanas.)

Ette aquí #32: The Raelettes

Poco después de que el trío femenino The Cookies, originarias de Brooklyn, fichase por el sello Atlantic, se las presentaron a Ray Charles, que por entonces se hacía acompañar por Mary Anne Fischer en los dúos vocálicos. Charles convenció a Earl-Jean McCrea, Margie Hendrix, Pat Lyles y a la propia Fischer para que se unieran las cuatro como grupo de acompañamiento suyo, rebautizadas como The Raelettes. Algunas de sus mejores piezas de la época adquirieron una mayor dimensión musical gracias a ellas.

Discos con portada con discos #40

N.R.G.U.K.: Band of Gold [Swanyard, 1990]

Varios (mixed by Daytona892): Feel the Love Dancing in the Spring [2010]

Parafünk: Parafünk [La Fábrica Magnética, 1993] 

Parafünk: Prölogo [Novophonic/Sirope, 1996]

(Parafünk era un grupo donostiarra que mezclaba hip hop, con funk, electrónica, dub y jazz.]

Varios (mixed by 2Teamdjs): Latin-House 2010. The Collection. Vol. 1 [2010]

Torae: For the Record [Internal Affairs, 2011]

El arte de la versión #51

Padecer de trastorno bipolar es lo que tiene: puedes acabar siendo un puñetero genio inadaptado. Como Daniel Johnston, cuya vena artística choca frontalmente con la cotidiana realidad que nos rodea. La demencia o venadas afines gozan, además, de enorme reputación en eso de la creación artística. La vesania y las manías extremas te convierten en outsider, y eso puede molar. Pero obliguemos a centrarse a Gog, que amenaza con desviarse demasiado del tema en un rapto evidente de locura. 

Retomemos a Daniel Johnston, que es de quien toca hablar. La excusa es el álbum homenaje que se le acaba de rendir aquí en suelo carpetovetónico —Coloreando a Daniel Johnston (Ondas del Espacio, 2012)—, en el que participan bandas indies españolas y alguna latinoamericana. 

Este personaje entrañable, como un niño grande no exento de un punto friqui y que consigue controlar los episodios psicóticos a base de medicación, que canta con una extraña pronunciación sibilante debido a que le faltan varias piezas dentales, comenzó grabando en casa directamente sobre un radiocasete; luego decoraba esas cintas a modo de arte gráfico con ilustraciones de cómic que él mismo dibujaba. Así pues, para este proyecto-tributo se trataba de grabar en casa con los recursos disponibles y lo más espontáneamente posible, en una especie de oda al lo-fi pero al mismo tiempo al propio Johnston, y a la vez recrear a mano el mundo Johnston.

De los 18 temas, diez se mantienen cantados en inglés; el resto se ha optado por una adaptación al español, lo que en opinión de Gog es el mayor acierto del proyecto. Y pasadas al español, siguen funcionando las letras enternecedoramente naïf de Johnston, como esta de «La motocicleta», que borda La Estrella de David:

La motocicleta de mi corazón

siempre va conmigo:

somos ella y yo.

Y aunque me ha tirado 
por correr de más,

también me ha traído 
donde tú estás
donde tú estás
donde tú estás
donde quiero estar
donde tú no estás
donde tú no estás
donde tú no estás    

02 A2. La Estrella de David -La Motocicleta- (Speeding Motorcycle)

01. Odio París – Big Bussines Monkey 

02. La Estrella de David – La Motocicleta (Speeding Motorcycle) 

03. Chiquita y Chatarra – Honey I Sure Miss You 

04. Las Robertas – True Love Will Find You In The End 

05. Varaverde – Life In Vain 

06. Los Punsetes – CI (Devil Town) 

07. Aurora – The Story of an Artist 

08. Marcos Muniz & The Drunk Funeral Band – Funeral Girl 

09. The Secret Society – Canción Country (Country Song) 

10. La Ola Que Quería Ser Chau – Yo Perdí la Cabeza (I Had Lost My Mind) 

11. Valentin y los Volcanes – Nunca Seré una Canción en la Radio (Fish) 

12. Capitán Sunrise – El Reparador de Sueños (I Live My Broken Dreams) 

13. Pablito – Loner 

14. Reina Republicana – Worried Shoes 

15. El Faro – Phanton of my own Opera 

16. Luis Arronte & Jean Paul – First Day At Work 

17. Nine Stories – Held The Hand 

18. Alondra Bentley – Story of an Artist

 

Género chico #20

Tarde en la tal vez más polvorienta y destartalada tienda de segunda o quinta mano que exista en la ciudad. Botín, cuatro sencillos: 

> TINA CHARLES: I Love To Love (But My Baby Loves To Dance/Disco Fever (CBS, 1976). 

A Gog le gustaba mucho este temazo disco de finales de los 70 con su bien de violines, pero lo que realmente le hizo llevárselo el otro día es que en la galleta de la cara A la antigua propietaria tenía escrito a bolígrafo: «Amar y no ser amada o esperar y que nunca llegue». 

El título de la cara B lo dice todo. 

> RINGO STARR: Back off Boogaloo/Blindman (Odeon, 1972). 

¡Guau, menuda sorpresa! Porque Gog desconocía esta pieza recargada pero poderosísima del escarabajo aporreador. Empieza la batería, claro, y su presencia se mantiene abrumadora durante los tres minutos mientras alterna con coros estupendos, teclado chispeante y George Harrison a la guitarra, quien además la produjo. Al parecer el propio Ringo explicó que se le ocurrió el título cenando con Marc Bolan, que repitió varias veces la palabra boogaloo durante la velada. Este tema no se incluyó en ningún álbum, hasta la reedición de Goodnight Vienna. La cara B del single es una rayada experimental que no carece de interés. 

El vídeo, otro descubrimiento, es entrañable hasta la delicia. 

> THE MONKEES: I’m a Believer/Steppin’ Stone (RCA Victor, 1967).
Qué gusto volver a experimentar aquella fascinante sensación cuando dabas la vuelta a un single recién comprado y resultaba que la cara B era mucho mejor aun que la titular. En este caso en concreto, la fuerza de «Steppin’ Stone», un desparrame de palmas, órgano y coros, se come a la versión del afamado tema de Neil Diamond.
Les tenía ganas Gog a The Monkees últimamente. The Monkees era ese grupo que se formó de manera artificial para rivalizar con los Beatles en EEUU a través de una comedia televisiva creada expresamente con fines comerciales. Al principio ni siquiera tocaban ellos los instrumentos. Luego, en un ataque de dignidad, decidieron hacerse músicos, aunque las dudas y el sambenito siempre les persiguieron. El caso es que hace poco Gog comenzó a interesarse más por ellos después de leer la siguiente anécdota: cuando le tocó el turno a Micky Dolenz para pasar el casting que se anunciaba en el periódico, entró en una sala donde había una mesa con varias botellas de Coca-Cola vacías; por detrás, completamente a oscuras, acechaban Bob Rafelson y Bert Schneider, los productores de la serie; Dolenz se acercó a la mesa con su sempiterna sonrisa, movió una de las botellas y dijo «Jaque mate». Le contrataron inmediatamente para interpretar a uno de los miembros de la banda. 

> ART GARFUNKEL: In a Little While (I’ll Be on my Way)/And I know (CBS, 1979).
Dos canciones melódicas sin ninguna trascendencia.

Gog, reportero #1: Los Lagos de Hinault

Los Lagos de Hinault y sus Vidas ejemplares (Fikasound) fue un gozoso soplo de frescura en el indie español de 2011. Gog se quedó enganchado a él, así que ha decidido meterse a reporter poniéndose al habla (escrita) con ellos. Carlos Ynduráin se presta muy amablemente a responder estas pobres divagaciones de Gog. 

G.- ¿Montáis en bicicleta o se trata más bien de una pose de sofá? Lo pregunto porque lo de llamarse Los Lagos de Hinault más parece un referente nostálgico para vosotros. ¿Cómo surgió? 

CY.- Es más bien de las retransmisiones de la Vuelta de principios de los ochenta... Pero eso sí, desde hace unos meses he empezado a montar en bici. 

G.- Vuestra revisión de «Amor en frío», que escribió Santiago Auserón, ¿proviene de la versión de Las Chinas o de los propio Radio Futura? 

CY.- Conozco las dos desde hace mucho tiempo... No sé cuál escuche antes, la verdad. Cuando hicimos la versión teníamos ambas en la cabeza. 

G.- Aún no he tenido ocasión de veros en directo, pero según tengo entendido de momento os limitáis a Matilde y a ti más las bases pregrabadas. ¿Tenéis pensado llamar a alguien más para acompañaros en los conciertos o vais a seguir así? 

CY.- Matilde ahora no está en España, pero yo ya he empezado a ensayar con un batería y pronto se incorporará un teclista. Cuando vuelva Matilde espero que esté ya todo bastante avanzado y podamos ponernos a tocar rápidamente. Igual da tiempo a dar algún concierto con banda antes del verano. 

G.- Tanto en lo musical como por el contenido de las letras, entre melancólico y cínico, recodáis mucho a The Magnetic Fields. Supongo que es una tontería preguntarte si te gusta Stephen Merritt, quien, por cierto, viene a tocar por aquí dentro de poco. 

CY.- Me gusta mucho, pero todavía no tengo entrada... 

G.- ¿Hay algún grupo de la escena indie española que sigáis especialmente? 

CY.- Espanto nos gustan mucho tanto a Matilde como a mí. 

G.- ¿Por qué lado de los prismáticos miráis el panorama actual: es para echarse a temblar o tampoco parece para tanto? 

CY.- No sé, ahora hay muchas cosas que me gustan y que parece que gustan a más gente. Eso sí, también hay muchas cosas que no soporto y que gustan a mucha más gente todavía. Hay más de todo; tanto para bien como para mal. 

G.- He señalado con el dedo tres veces sobre diferentes partes de vuestras letras, he unido esos versos y ha salido lo siguiente en los dos experimentos que he realizado: 

Primer intento: "Lo ha dicho Radio Nacional, es más cuestión de orgullo, nunca llegaré a ministro". 

Segundo intento: "Llevan cámara de fotos y aprovechan para soltarse la melena, es efecto del prozac". 

¿Podrían tener algún sentido para ti? 

CY.- La verdad es que se me hace muy raro ver las frases descolocadas... Me pone un poco nervioso, de hecho. No, no tienen ningún sentido para mí. 

Cameos musicales #32: Doce del patíbulo

Doce del patíbulo (1967) es la peli definitiva para tíos, para hombres duros y de pelo en pecho, que detestan las caricias y las puestas de sol, se afeitan con agua fría, se enjuagan el gaznate con alcohol de 96º y no se les salta una lágrima aunque les estén apretando los huevos con unas tenazas, porque en Doce del patíbulo los hombres son así y ninguno se permite flojear, aunque el cantante Trini López hiciera un amago en una escena. Hasta que Lee Marvin, ese superhombre, le callase con la mirada:

A favor de Trini López hay que decir que se le considera uno de los pioneros del rock n’ roll y que nadie ha alcanzado su nivel interpretativo en la cien mil veces versioneada «La bamba». El tema que cantaba en la película era «The Bramble Bush», original de Frank De Vol y Mack David.