¿Qué se sabe de los belgas? #31: Autumn

Los sintetizadores tienen alma de juguete. Toda esa cacharrería electrónica a modo de instrumentos musicales tiene más de jugar que de tocar. Haces música con ellos pero a la vez es como si estuvieras jugando. Por eso no es de extrañar que, en la segunda mitad de los años setenta, dos imberbes chavales belgas, intrigados y fascinados con la música experimental que sonaba en algunas películas galácticas, quisieran probar a hacerla ellos mismos y pidieran a sus familias que les proveyeran de teclados primitivos, órganos y otros sintes. Los adolescentes Peter Bonne y Geert Coppens se entregaron a experimentar con sus sintetizadores analógicos con la seriedad que se tiene de niño al jugar, como diría Nietzsche, y en 1980 dieron vida a una de las bandas de synth pop más visionarias de Europa: Autumn. Al año siguiente compusieron y grabaron, en siete horas, dos temas legendarios del género —Synthesize / The Third Autumn— que en el verano de 1982 se convirtieron en hits en los clubs belgas. Escuchados hoy día y teniendo en cuenta lo jóvenes que eran, no queda sino considerarlos una proeza. 

A ellos se les había unido Peter Koutstaal, y pertrechados con un secuenciador Roland CSQ600, una caja de ritmos Roland TR 808 y un sinte para bajo Roland SH-2, continuaron grabando casetes con oscuras gemas de synth pop que podemos volver a escuchar (descubrir) ahora gracias a la reedición en vinilo que ha hecho el sello Minimal Wave con algunas de ellas. Están las dos mencionadas, por supuesto, pero también asombros como «A Night In June», «Laughter of A Madman» o «I Say You Hello», tema este que seguro hubieran deseado haber compuesto Soft Cell, o al menos uno se imagina a Marc Almond cantándolo: 

Autumn quedó varado ahí, pero sus tres componentes, más inquietos que una defensa ante un córner del Atlético de Madrid, siguieron experimentando juntos en otros proyectos musicales: Peter Bonne y Peter Koutstaal se dedicaron a Linear Movement, mientras que Geert Coppens y Bonne, a Twilight Ritual, si bien los conceptos de ambas bandas continuaron inalterados durante sus trayectorias, o sea, synth pop para pistas de baile vampíricas. De ambos combos el sello Minimal Wave también ha recuperado parte de su obra.

Hubo un tiempo en que bastaba con una portada #16: hoy lo cuenta Dorayakis

¿Cuántas veces he comprado vinilos y CD sólo por la portada? Bastantes y más cuando vives en una pequeña ciudad y existen tres tiendas de discos, las que sueles visitar muy a menudo y buscas y rebuscas y te quedas mucho tiempo olisqueando entre cubetas. 

En el 85 sólo escuchaba tecno pop. En mi santuario estaban los discos de Depeche Mode similares y poco más, pero era tan curioso (y lo sigo siendo) que buscaba en todas las secciones; en una de ellas había una portada que me llamaba mucho la atención, pero no era capaz de asimilar o de atreverme a comprar. En esa portada salían dos chicos con unos peinados muy llamativos y con poses muy diferentes el uno del otro y unas letras grandísimas en rojo y negro que me atraían. Era el Psychocandy de The Jesus & Mary Chain.

Aquel día le eché valor y me lo llevé a casa entre entusiasmado y aterrorizado. Me encerré en mi habitación, desenfundé el vinilo y lo pinché, y mi reacción fue de horror: sonaba tan diferente a lo que yo escuchaba que tuve que quitarlo de inmediato. Tuvieron que pasar semanas o incluso meses hasta que me atreviese a volver a ponerlo, y ahora sí ya empezaban a gustarme un poco, pero no mucho; además, no pasaba de la cara A. Han pasado los años y siguen sin volverme loco, pero con la perspectiva del tiempo y una edad avanzada he vuelto a recuperar ese disco y ahora sí que aprecio su valor y todo lo que envuelve a la banda.

[Autor del texto: Dorayakis. @Dora_yakis]

Ellas llevan el ritmo #67: Daniela Kennedy (de The Limboos)

“Se me van los pies”, dice la castellana expresión cuando una canción tiene tal cantidad de ritmo que no puedes dejar de moverlos mientras está sonando. Que mucho tiene que ver el ritmo con los pies lo demuestra Daniela Kennedy, que toca descalza la batería en The Limboos, como si así sintiera más los pedales y pudiera transmitir mejor toda su energía, que es la que derrocha a raudales la banda entera guiados por sus baquetas y por la voz y la guitarra de Roi Fontoira. 

 

Quien se asome por vez primera al sonido de The Limboos sin estar avisado de quiénes son pensará ipsofactamente que se trata de la reedición de una oscura e ignota banda de R&b de finales de los años 50 o principios de los 60. Pues no. Daniela y Cia. pertenecen al presente; afincados en Madrid, han amasado un artefacto sonoro titulado Space Mambo (Penniman Records, 2014), que destila sabor a otra época, una mezcla de influencias añejas traídas con salero, devoción y vitalidad. Guateque sideral.

No son hombres: son Devo #29: Heavy Metal

En Canadá decidieron que en 1981 había llegado el momento de hacer una película de animación basada en el legendario cómic para adultos Heavy Metal. Dirigidos por Gerald Potterton, en su realización intervinieron un millar de dibujantes, que trabajaron simultáneamente en cinco ciudades. En la película se entrelazan varias historias de ciencia ficción y ciertas dosis de erotismo; en el recuerdo quedan algunos personajes memorables, como el taxista Harry Canyon, que resultó ser una mezcla de el Fary y Chuck Norris. 

 

Una de las singularidades fue la banda sonora. Haciendo honor al título, se recurrió a grupos metaleros en su mayor parte —desde Black Sabath a Nazareth, pasando por Blue Öyster Cult o Journey—; pero por aparentemente incomprensibles razones, también incluyeron temas de Stevie Nicks, Donald Fagen y Devo. De estos últimos, que es el motivo por el cual estamos aquí reunidos hoy, se eligió «Through Being Cool»; además, es la única banda que aparece dibujada, si bien no son exactamente ellos, aunque el parecido es evidente. 

 

Aquí puede escucharse la banda sonora al completo. Como puede comprobarse, en la edición fonográfica el tema de Devo era otro: su versión del «Working In The Coal Mine».

Debut #94: Zebra Hunt

Una decena de escuchas después —varias de ellas seguidas— en pos de desentrañar por qué el álbum de debut de Zebra Hunt resulta tan fascinante, de cuál es la clave para que vuelva a darse al play según acaba, de dónde está la raíz que lo hace tan entrañable, podemos concluir que gran parte radica en el diálogo que establece Robert Mercer con su guitarra. Es como si ésta tuviera vida propia, como si hablase. Mercer no suele recitar sus frases de corrido, sino que a veces hace una mínima pausa en medio de ellas, las parte, mientras que la guitarra, alegre y dicharachera, parece responderle, le acompaña y «cantan» juntos. 

City Sighs (Tenorio Cotobade, 2015) está envuelto, además, en una atmósfera cálida y reconfortante. La guitarra, el bajo y la batería chisporrotean como ascuas en una chimenea. Uno escucha, por ejemplo, «Delaware», y sólo puede sentirse bien, acogido, y ser feliz, aunque sólo sea durante algo menos de tres minutos. Le sigue «20 Ways To Belong» y así hasta una docena de cortes que se escucha del tirón, sin que haya un momento de decaimiento. Es uno de esos discos en que la inspiración y el talento cohabitan y sacan juntos lo mejor de sí mismos; no ocurre a menudo, pero cuando sucede el resultado tiene mucho que ver con la magia y el arte. 

Mitch Leffler, Erik Bennett y el mencionado Mercer no parecen unos jovencitos, aunque como Zebra Hunt sólo llevan desde 2012. En las redes sociales se reconocen deudores de The Feelies —algo inocultable tras escucharlos—, lo cual hace pensar que quizá el apellido Mercer tenga algo que ver en ello (recordemos que uno de los cabecillas de The Feelies era Glenn Mercer). No es así. Sin embargo, si alguien está pensando en que el líder de The Shins también se apellida Mercer, únicamente queda por decir que los padres de Robert y James pueden estar orgullosos de haber tenido a dos hijos como ellos.

5 sobre... #35: el insomnio

Si el que sueña es un soñador, ¿quien tiene insomnio es un insomniador? El insomnio es esa batalla que sabes perdida de antemano pero que aún así te lanzas a ella. Con el insomnio de nada sirve hacerse el dormido. 

> The Records – Insomnia (1979). El power pop de The Records no te dejará dormir, ni a ti… ni a tus vecinos. Ponlo a tope y no te dormirás jamás. 

> Martha & the Muffins – About Insomnia (1987). Un grupo al que le faltó algo para alcanzar más categoría y notoriedad pero que quienes sí les conocían les guardaban una querencia sincera. Caían muy bien. 

> Café Tacuba – Insomnio (2001). Los mexicanos, de habitual jaraneros y bulliciosos, aquí en un registro más tranquilo. El tema se incluyó en la banda sonora de Y tu mamá también. En el grupo estaban los hermanos Rangel. "Sin prejuiciar", decían. 

> Alain Chamfort – L'Hotel des Insomnies (2003). Una nana elegante, para mecer adultos y adormilarlos. 

> Bachelorette – Instructions For Insomniacs (2009). Esta neozelandesa desgrana su folk-pop electrónico a lo Juan Palomo. Aquí, en directo en un teatro de Sydney, dando instrucciones a los insomniacos. 

Y luego estaban The Insomniacs: 

Grafitis por el mundo #41: Altea (III)

En la valla del aparcamiento de la Universidad de Bellas Artes.

En una pequeña bocacalle que une la calle La Mar (N-332) con carrer Sant Pere (el paseo marítimo).

Las nuevas aventuras del llanero solitario #44: Dean Blunt

Hay discos mágicos, dicho sea esto en el sentido de que destilan un algo intangible que los hace hipnóticos, que acaparan por entero tu atención, te sumergen en su sonido y te transportan allí dónde sólo la música puede llegar. No tienen por qué ser discos perfectos, ni por qué tener una producción estelar. De hecho, la imperfección a veces es más atractiva, más adictiva. Es el caso de Black Metal (Rough Trade, 2014), del geniecillo Dean Blunt, su tercer álbum en solitario tras las celebradas aventuras sónicas en Hype Williams. Black Metal es un disco irregular, a veces como a medio cocinar, con errores evidentes, desequilibrios en el minutaje, pero con un efecto turbador en quien lo escuche con demorada atención. Está lleno de ideas, desarrolla estructuras musicales llenas de personalidad, construye y deconstruye, tiene un tono monocromo engañoso y un fascinante aire desolador. Otro acierto es el contrapunto de la voz dulce y luminosa de Joanne Robertson para equilibrar la voz grave de Blunt y esa oscura desolación. 

Como curiosidad final, en «100» Blunt samplea el tema «Over Your Shoulder» de The Pastels, y en «Lush», el «For You» de Big Star.

Ette aquí #62: Brunettes Shoot Blondes

No es Ucrania un país al que se le identifique con el pop, y menos aún con el pop masivo, pero el cuarteto de mozos bautizados como Brunettes Shoot Blondes lo ha conseguido merced al ingenioso vídeo realizado para una de sus canciones. El resultado ha sido seis millones de reproducciones para «Knock Knock», que no deja de ser una canción agradable, sencilla y tierna, que quizá no habría llamado tanto la atención sin el acierto visual que la envuelve.

Ahora la incluyen en su EP de debut, Bittersweet (2015).