Mientras Echo & the Bunnymen andan últimamente presentando en directo su mítico Crocodiles tocado del tirón, unos californianos se miran en el espejo de los de Liverpool y adoptan el título de ese álbum como nombre de guerra. Estos Crocodiles lo tienen todo para triunfar, al menos en lo que hace a su imagen de modernos gigacool y su actitud. Pero.
El inconveniente mayor que tienen es que se muestran demasiado esclavos de sus referentes. Quieren ser The Jesus & Mary Chain y Primal Scream, pasando antes por los mentados Echo. Camaleones más que cocodrilos. El cantante, por ejemplo, es puro Bobby Gillespie sobre el escenario.
Describir más el pop ruidoso y encendido que practican no aporta mucho más. Han publicado dos discos —Summer of Hate [2009] y Sleep Forever [2010]— y tienen algún tema potente meritorio:
Brandon Welchez (voz) y Charles Rowell (guitarra) se llaman los pilares de la banda. De hecho, son los dos únicos que figuran como componentes oficiales. Les acompañan otras dos chicas (morena la teclista y lo contrario la batería) y un bajista.
Parece que a todos les gusta comer bien.
Mientras, aguardamos a que muden de piel y luzcan por fin la suya propia. Tienen un blog donde cuelgan sus cositas.
Tiene Gog muy abandonada esta sección del blog, pero se ha animado a recuperarla hoy después de leer este post, influenciado por este otro, que al parecer a su vez también tiene su inspiración en otro.
Unas pocas aportaciones de Gog al asunto:
NO…
…vi el concierto de los Smiths en Rosales (ni me importa).
…me gusta Blade Runner.
…entiendo por qué los mochileros no se quitan la mochila de la espalda cuando suben al metro o al autobús, sobre todo cuando van petados.
…encuentro un disco que estoy seguro que tengo (Sly Stone, Listen to the Voices)
…pido perdón cuando, jugando al tenis, la bola da en la red y cae al otro lado; tampoco espero que me lo pidan si ocurre al contrario.
…he hecho nunca puenting, parapente, paracaidismo o cualquier otra actividad que suponga saltar en el vacío. Si alguna vez me suicidio, no creo que sea así. ¡Qué miedo!
Tiene Gog un amigo que se ofende mucho si cuando se le recomienda un disco de alguna banda que no conoce se le aconseja empezar por «el más fácil». Esté tranquilo este amigo con el caso de The Residents —suponiendo que no los haya trabajado nunca—, porque con ellos es imposible recomendar un álbum fácil.
En primer lugar, estamos hablando de elegir entre más de 60 títulos. Esta prolífica banda ha llegado a publicar dos o tres trabajos en un año, y siguen en activo desde comienzos de la década setentera sin que conste que el asunto está finiquitado. Su último capítulo, The Ughs!, tiene un par de calendarios.
En segundo lugar, porque son los reyes del álbum conceptual, impenetrables a veces hasta el desaliento con sus experimentos sonoros, que incluso hay momentos en que cuesta considerarlos 'música'. Todo lo extremo cabe en su ideario musical: componentes electrónicos, distorsión, avant-jazz, sinfonías de clásica, grabaciones naturales, voces chirriantes, parodia, alma de performance, elementos multimedia…
Por si fuera poco, jamás han revelado su identidad. En sus actuaciones en directo —contadas no, lo siguiente— van disfrazados con trajes de etiqueta, sombreros de copa y enormes máscaras con forma de ojo gigante. No conceden entrevistas. Y aunque están asentados en San Francisco, en realidad tampoco se está seguro de su origen; es comúnmente aceptado que llegaron a SF en 1966 provenientes de Shreveport (Louisiana). Con estas condiciones, la comercialidad no parece una apuesta viable. Y es que practican lo que denominan su Teoría de la Oscuridad, según la cual el artista únicamente puede crear arte puro cuando las expectativas e influencias del mundo exterior no se toman en consideración.
The Residents, en fin, una inconformista, radical y monumental odisea sónica en pos de la libertad artística más absoluta.
—Venga, Gog, recomienda algún álbum.
Bueno, que nadie imagine a Gog tan friqui como para haberse escuchado la discografía entera de estos marcianos; nada más lejos. Esta entrada está escrita con conocimiento de causa de una décima parte de la obra, como mucho. Eskimo (1979) y The Commercial Album (1980) son de los más afamados pero pinchan como cactus. Gog se queda con Stars & Hank Forever (1986; versiones de Hank Williams y J.P. Sousa) y Wormwood (1998): son más fáciles.
Dicho con un poco de literatura: «La alta torre del faro de Biarritz, deslumbradoramente blanca, semejaba haberse puesto una camisa nueva. Las olas pequeñas y nítidas que crecían y morían junto a la misma playa, con un rumor travieso que fingía, de cada vez, desgarrar largamente la seda beige de la arena, ofrecían ese encanto japonés de la miniatura. En lo alto del cantil, bajo los árboles, grupos de paseantes se asomaban a contemplar el rincón bullicioso de la Grand Place.» (Wenceslao Fernández Florez, El ladrón de glándulas, 1929)
Y un poco de Wikipedia: «El cabo Saint-Martin, que domina el faro de Biarritz, señala el límite entre la costa arenosa al norte, que comienza en el punto extremo de la Gironda y que se termina en Anglet, y la costa recortada de acantilados del País Vasco al sur.»
73 m de altura y 248 escalones. Hay quien los ha contado.
Para ponerle voz al pop electrónico cargado de ácida dinamita social de Black Box Recorder, Luke Haines (The Auteurs) y John Moore (The Jesus & Mary Chain) acudieron a la estática, estilosa y susurrante chanteuseSarah Nixey (Baloon). Extinto el proyecto en 2003 y divorciados Moore y Nixey en 2006, ha habido después algún ligero intento de resurrección del trío; concretametne, tres temas: «Christmas Number One» (2007) (a pachas con Art Brut, y acreditados todos como Black Arts) y el single «Keep It In The Family» / «Do You Believe In God?» (2010).
A la espera de ver si el grupo vuelve a la carga, Nixey ha grabado ya un par de discos en solitario. Para ellos no ha querido salirse de los patrones vocales que desarrollaba en la banda, probablemente porque son los que mejor domina y con los que más segura se siente. Haciendo un ejercico extremo de síntesis, se diría que lo suyo suena como unos Black Box Recorder pasados por Goldfrapp, o al revés.
Brave Tin Soldiers (Black Lead, 2011) es más denso y profundo que su debut. Nixey ha compuesto letras escabrosas que hablan del lado oscuro (suicidios y otros trágicos desenlaces), en contraste con las frías y elegantes atmósferas orquestales. Contiene el temazo indie-disco «Love Gets Dangerous», el momento más agitado o movido del álbum y que más réditos le promete a Nixey.
Steve Zissou (Bill Murray), un capitán Cousteau a la deriva, cuenta en su equipo con Pelé (el músico brasileiro Seu Jorge). No se sabe muy bien el cometido que tiene este Pelé en el barco, aparte de tocar entre la tropa versiones de David Bowie con una guitarra acústica y cantadas en portugués.
Seu Jorge después las recogió y amplió en el álbum The Life Aquatic Studio Sessions (Holywood Records, 2005). Una guitarra templada y una voz cálida y armoniosa, nada más para extraer toda la pureza de las canciones de Bowie.
1. Rebel Rebel
2. Life on Mars?
3. Starman
4. Ziggy Stardust
5. Lady Stardust
6. Changes
7. Oh! You Pretty Things
8. Rock N' Roll Suicide
9. Suffragette City
10. Five Years
11. Queen Bitch
12. When I Live My Dream
13. Quicksand
14. Team Zissou
La banda sonora de la película contiene, además, temas compuestos expresamente para ella por Mark Mothersbaugh. Y de Devo se incluye «Gut Feeling» en versión instrumental.
TRACKLIST: Sven Libaek - Shark Attack Theme / M. Mothersbaugh - Loquasto International Film Festival / David Bowie - Life on Mars? / Seu Jorge - Rebel Rebel / M. Mothersbaugh - Let Me Tell You About My Boat / Seu Jorge - Starman / M. Mothersbaugh - Zissou Society Blue Star Cadets/Neds's Theme Take 1 / Devo - Gut Feeling / Sven Libaek - Open Sea Theme / Joan Baez - Here's To You / M. Mothersbaugh - We Call Them Pirates Out Here / Seu Jorge - Life on Mars? / M. Mothersbaugh - Ping Island/Lightning Strike Rescue Op / Seu Jorge - Five Years / Scott Walker - 30 Century Man / The Zombies - The Way I Feel Inside / David Bowie - Queen Bitch.
When the night has come And the land is dark And the moon is the only light we see No I won't be afraid No I won't be afraid Just as long as you stand, stand by me
Como Ramón y Cajal, o Pi i Margall, no se concibe a la pareja de compositores Leiber y Stoller si no va unida, solidificada, como una sola presencia.
Tú la letra (Jerry Leiber), yo la música (Mike Stoller). Aunque únicamente fuera por haber creado las primeras líneas y los primeros acordes de «Stand By Me», merecerían estar en el Olimpo musical. La versión en la voz de Ben E. King sigue siendo jodidamente emocionante:
Y por si aún quedara alguien a quien no le parezca suficiente, ahí va un puñado para refrescarle la memoria:
Hound Dog
Yakety Yak
Poison Ivy
Jailhouse Rock
Spanish Harlem
On Broadway
I Smell a Rat
…
Con ellos nació el rock & roll. Leiber murió ayer.
Los californianos Maroon 5 y la popular Christina Aguilera se lo acaban de montar juntos en «Moves Like Jagger». La canción es la que es y no hay que darle más vueltas; lo realmente divertido está en ver a esa gente del vídeo —al parecer con imágenes de archivo inéditas del Stone—, moverse como Jagger. Gog lo está practicando ahora mismo y todo apunta a que acabará consiguiéndolo.
Y ya que estamos, aprovechemos la ola para repasar algunos otros temas que citan a los Rolling Stones o a alguno de sus componentes. (Como se verá, muchas veces van acompañados de The Beatles.)
The Beatles and the Stones
Sucked the marrow out of bone
[...]
The Beatles and the Stones
Made it good to be alone
(House of Love, «Beatles & Stones»)
No Elvis, Beatles, or The Rolling Stones
in 1977
(The Clash, «1977»)
Chuck is The Beatles and The Stones
(Eddy Grant , «Chuck is the king»)
En «American Pie», Don McLean alude a ellos con lo de “jack flash”.
This is the new hit single from the Rolling Stones
(The Lucksmiths, «Are you having a Good Time?»)
And my brothers back at home with his beatles and his stones
(Moot the Hopple, «All young dudes»)
I saw a band called the Rolling Stones
I thought, "that's it, I'll get a band,
(The Kinks, en «The Road»)
You like the Beatles and I like the Stones.
(Art Brut, en «What a Rush»)
Chrisma, en «Thank You». En este tema aparecen también Jagger y los casi siempre ninguneados Bill Wyman y Charlie Watts.
[Seguro que hay un ciento más. Como siempre, cualquier aportación al tema será bienvenida.]
Adenda: el sabio Viceflai hace una aportación cuantiosa al tema, e incluso se ha molestado en aportar los enlaces al yotuve. Así da gusto. Muchísimas gracias.
Cualquier momento del día, cualquier estado de ánimo, todo quehacer, toda actividad por minúscula que sea, puede ir asociada a una canción. Es algo parecido lo que piensan en Finger Magazine, publicación electrónica y en papel couché dedicada, ¡¡¡exclusivamente!!!, a hacer listas de canciones favoritas preguntando a cientos de músicos por ellas.
En su web, se pueden buscar por artista o por pregunta concreta, y encima las canciones tienen enlace a Spotify. Bendita locura. Desde a priori se advierte que la consulta puede resultar tan entretenida como peligrosamente adictiva.
El tipo de preguntas abarca desde cuál es la primera canción que recuerdas hasta cuál es tu canción favorita cuando te das un baño de espuma; la que gustaría que sonara en tu funeral o la que pones antes de ir a una cita… A modo de ejemplo, he aquí algunas de las canciones elegidas para cocinar.
JAMES MURPHY: Terry Reid - Sweater
ANNIE: Madonna - Into The Groove
BLOC PARTY: MC5 - Sister Anne
DAVID HOLMES: Sly & The Family Stone - Sing A Simple Song
ESG (Renee Scroggins): Abba - Voulez Vous
GRIZZLY BEAR: Nina Simone
KID LOCO: The Beach Boys – Vegetables
MAX ROMEO: Jacob Miller - Tenement Yard
SEÑOR COCONUT: Enrico Caruso
SAINT ETIENNE (Bob Stanley): Burt Bacharach - Pacific Coast Highway
SONS & DAUGHTERS (David Gow, drums): Hasil Adkins - Chicken Walk
SPINTO BAND: The Buena Vista Social Club - Pueblo Nuevo
TOM VEK: Gonzales - Gogol
Y si se le preguntara a Gog qué disco suele ponerse cuando va a aplicarse en los fogones, sin duda elegiría The Best of The B’52’s. Dance this Mess Around.
El caso de dos chicas de nombre artístico parecido, pero muy separadas en estilos y en el tiempo.
> Nikki & the Corvettes hacían puro new wave y power pop de comienzos de los 80. Un solo álbum es la única huella que dejaron impresa en su paso por la escena, de título homónimo (Bomb, 1980; reeditado en 2000). Lo suyo era rock 'n roll y voz de piruleta o la versión femenina de los Ramones.
Ya en solitario como Nikki Corvette (se llamaba Dominique Lorenz) lo volvió a intentar, con similar escaso éxito. Y en 2003, agrupada de nuevo como Nikki and the Stingrays, que publicaron Back to Detroit (Dollar Records).
> Mary Lee's Corvette, de nombre Mary Lee Kortes, es una cantautora de fuego de campamento y parecido musical con Sheryl Crow. Ya lleva un puñado de discos publicados.
Por mucho que se empeñen los compiladores de relatos fantásticos, a Felisberto Hernández (Montevideo, 1902-1964) no puede considerársele un puro hacedor de literatura fantástica como un Borges o un Quiroga. De acuerdo que alguno de sus cuentos tienen trazas irreales o fantasmagóricas: el balcón que se suicida, lleno de celos, porque la joven de la casa está enamorada de otro («El balcón»); o, sobre todo, ese otro personaje que tiene el don de emitir luz («El acomodador»). Pero en conjunto, Hernández fue, básicamente, un recordista. La suya es una literatura memorial, desarrollada a partir de sus recuerdos, que viste, simula y pinta. En cualquier caso, al leer su obra la cuestión deja de ser si se trata de literatura fantástica o no, sino simplemente de que qué bien escribía Felisberto Hernández, pianista de profesión (comenzó tocando en cines en pelis mudas y recorrió varios países dando recitales), enamoradizo y faldero (hasta cuatro esposas) y que murió tan hinchado (de púrpura) que hubo que sacar el cuerpo por la ventana porque por la puerta no cabía.
Por su novela corta Por los tiempos de Clemente Colling, sobre un profesor de piano «ciego y tuerto», merece estar en cualquier tratado de historia de la literatura hispanoamericana o más allá.
Veámosle regodearse con una cáscara de plátano cual magdalena proustiana en Tierras de la memoria:
Cuando yo recién entré en los «Vanguardias» y él nos enseñaba los estatutos y códigos de la institución, se había detenido mucho en explicarnos cómo un vanguardia debía ser servicial y no esperar recompensa. Para esto puso muchos ejemplos; pero a mí me quedó en la memoria sobre todo este: si nosotros encontrábamos en la vereda una cáscara de banana, debíamos echarla a la calle para que otro que pasara no resbalara. Yo tenía curiosidad por saber qué ocurriría si echaban una cáscara de banana a la calle sin esperar recompensa. El primer encuentro con una cáscara lo tuve una noche que iba con mis padres y que también nos acompañaba un primo lejano, ya entrado en años y del cual hablaban oprobios. Yo vi la cáscara unos cuantos metros antes; me adelanté unos pasos y la tomé por el tronquito: era muy amarilla y el forro interior bastante blanco. Después de que yo la tiré, el primo lejano dijo: —¿Por qué la tiraste? —Para que otro que pase no la pise y se resbale. —Que se embrome. ¿Qué se te importa de los otros? Al principio a mí me había dado fastidio. […] Pero este sentimiento me duró poco instantes, porque en seguida hice pie de nuevo y volví a sentir felicidad de pertenecer a esta especie de pandilla secreta cuya seña era tirar a la calle las cáscaras de banana. Otra vez que me encontré con una cáscara yo llevaba el uniforme de vanguardia. […] Desde lejos yo vi la cáscara amarilla en medio de la vereda. Aquel día estaba muy lejos de pensar que la cáscara de banana era algo dañino; ella con su color amarillo era muy simpática y además se prestaba para el ritual de mi pandilla secreta. No sé por qué, en vez de tirarla a la calle se me ocurrió tirarla en el campo de alfalfa; preparé el brazo para que la cáscara fuera lejos; pero después, cuando vi caer y desaparecer tan bruscamente aquel pedacito amarillo en aquel inmenso verde me quedé un poco triste; miraba el oleaje que hacía un poco de viento en el verde de la alfalfa y tenía cierta pena de pensar que aquella pequeña cáscara que hacía un instante había estado en mis manos y había sido un poco mía, hubiera tenido el destino, impuesto por mí, de ser tragada por aquel inmenso campo; además, ahora hubiera sido muy difícil saltar el alambrado y buscarla entre tanta alfalfa. Me sorprendí mucho cuando me encontré con estos recuerdos y pensé que tal vez podrían haber sido provocados por esta otra cáscara de banana que ahora tenía enfrente.
Y hoy otro tanto de lo mismo con el panorama patrio. Gog lleva tiempo con ganas de recomendarlos. Les ha llegado el momento.
> Sr. Chinarro: Presidente (Mushroom Pillow, 2011). Antonio Luque está exultante, expansivo, vacilón, suelto y desahogado como jamás lo había estado. La medicación, o lo que sea, por fin ha surtido efecto. Cuánto va de aquel Sr. Chinarro primigenio, que los suyos parecían discos como de un Ian Curtis en solitario, a este otro juguetón y popular. Se le han abierto los poros y rezuman decenas de influencias. El ritmo de «Vaciones en el mar» recuerda a «El Rey del glam»; «San Borondón» es de una liturgia inversa; «María de las Nieves» es un baladón trágico, como un Lorca pop; y «Babieca», simplemente, es uno de los mejores temas de su cancionero. Más Babieca que él aquí no hay. [Dedicado a BL]
> Abraham Boba: Los días desierto (Limbo Starr, 2011). En cambio Abraham Boba está como triste y deprimido, de bajón mientras sube por la calle Espíritu Santo. Anda distraído y así le pasa, que tropieza una y otra vez en la misma piedra sentimental. Mal de amores. En lo musical, muy al contrario, anda erguido como su tupé, que no le hace sombra cuando desliza los dedos por su piano. «Podría haber sido peor» es otro de sus himnos; y si «Así se vive aquí» es biográfica y confesional, lo lleva con elegancia y aplomo. Como un Leonard Cohen ligero; nuestro Leonard Cohen. [Dedicado a IL]
> Christina Rosenvinge: La pequeña Dolores (Warner, 2011). En plena cresta de la ola desde su aclamado disco anterior, y encima arropada por el batera de Sonic Youth y el guitarrista de Come y de Codeine. Más dúo avecBenjamin Biolay; y hasta Georgia Hubley se echa un cantecito... El hilo conductor es casi conceptual: una especie de tratado de femeneidad, entre mitológica (Eco, Eva, sirenas...) y doméstica (Te espero en la esquina tomando café / Ingle depilada, negro corsé). Pero sobre todo altísimas cotas literarias. [Dedicado a JJA]
> The New Raemon: Libre asociación (BCore, 2011). Existencialismo y entraña en las letras, y guitarras en tensión permanente. Se le nota a Ramón Rodríguez que ha cogido seguridad y confianza. No hay temas impepinables como en su debut, pero todo el álbum es intenso y, perdón por la pedante y fácil retórica, de un frío ardiente. Sombría satisfacción. [Dedicado a AG]
> Fernando Alfaro: La vida es extraña y rara (Marxophone, 2011). Se acabaron los canes y otros bichos, ahora Fernando Alfaro firma los discos con su propio nombre. Su mundo alucinado, el humor insano y los juegos de palabras siguen ahí. Y el surrealismo como fuente vital: influencia de Dalí en el diseño de la portada (“La Estación de Perpiñán”) y sample de El Ángel Exterminador al comienzo. La novedad está en la producción, del ubicuo Raül Fernández 'Refree', que le ha puesto un caldito al típico sonido del albaceteño para enriquecer. Es posible que haya quien prefiera un Alfaro más crudo. [Dedicado a JMG]
Describir más el pop ruidoso y encendido que practican no aporta mucho más. Han publicado dos discos —Summer of Hate [2009] y Sleep Forever [2010]— y tienen algún tema potente meritorio:
Parece que a todos les gusta comer bien.
Mientras, aguardamos a que muden de piel y luzcan por fin la suya propia. Tienen un blog donde cuelgan sus cositas.
