Comerse un cocodrilo (en Dinamarca) #9 // Género chico #33: The Felines

Asta (bajo), Ditte (guit.) y Mei (bat.), copenhaguenses y residentes en el barrio de Nørrebro, son las tres deliciosas componentes de The Felines. Bjierre, Melgaard y Long Bao con sus respectivos apellidos. La primera le da al bajo; la segunda, a la guitarra; la tercera, a la batería. Concepto, pues, básico y esquemático, sin florituras que impidan demostrar su amor incondicional por el garaje sesentero, la música surf y el punk rock. 

Su primer concierto lo dieron en marzo del año pasado. Unos meses después grabaron sus primeros cuatro temas en la ciudad sueca de Mälmo, que ha publicado en forma de EP de 7’’ el sello español Hey Girl! Records (¡un aplauso bien fuerte, por favor!).

«Daddy Walk», «The Sneak», «Boots» y «Black Joe» son cuatro pildorazos descoyuntantes que nos hacen felices a nosotros y que harían sentirse orgullosos a The Pandoras, The Cramps, Link Wray y The Sonics. 

Qué ganas de verlas. Ya podían traerlas al PopFest. Y si no, habrá que ir pensando en una escapada a la tierra del queso Havarti.

Sales en mi canción #49 // Cameos musicales #41

Los tres discos que grabó Joe Strummer con los Mescaleros son muy fáciles de apreciar y de degustar si uno se olvida de quién fue Strummer y de qué grupo fue miembro. En realidad, el comentario anterior resulta injusto, porque a poco que se rastree por la discografía de The Clash —«The Magnificent Seven», «Car Jammin’», sus querencias por el reggae, etc.— se puede comprender perfectamente que derivara hacia ese cóctel de folk-rock y rocabilly pasado por la world music que practicó con la mentada banda. 

De hecho, ya había dejado diseminadas más señales casi una década antes del primer álbum con los Mescaleros. Finiquitados The Clash, se dedicó a componer bandas sonoras y a interpretar pequeños papeles en el cine; o ambas cosas a la vez. Para I Hired the Contract Killer (Kaurismäki, 1990), por ejemplo, compusó e interpretó, acompañado por The Pogues, «Afro-Cuban Bebop», e hizo un cameo con «Burning Lights», acompañado por un bonguero:

 

Para Global a Go-go (Hellcat, 2001), el segundo álbum de Joe Strummer & The Mescaleros, el concepto y el mensaje eran más explícitos que los exabruptos del actual ministro de educación. El tema homónimo proponía llegar con la música a cualquier parte del planeta: 

This tune is going out to Marconi 

To all corners of the globe 

Como muchos otros músicos: 

For some anti-gravity mixing 

With two dub plates of U-Roy 

[…] 

Buddy Rich in Burundi 

Quadrophenia [The Who] in Armenia 

[…] 

Big Youth booming in Djkarta 

Nina Simone over Sierra Leone 

Wild sound of [Master Musicians of] Joujouka in Nevada - hey, Joujouka 

Everywhere, everywhere Bob's [Dylan] bringing it all back home. 

[…] 

Cos tonight Bo Diddley's in Finland Station - hey, Bo Diddley 

Sun Ra's in Omaha 

The Skatalites in New York City - hey, Skatalites 

The Stooges rule over Habana 

The Bhundu Boys rock Acapulco - hey, hey Bhundu Boys 

[…] 

Ali Farke Toure's in Oaxaca - hey, Farke Toure 

And Baaba Maal's all over Stalingrad 

[…] 

We calling out for Ronnie [Spector] and da-do Ron, Ron, Ron 

Y nos queda la duda de a quién se refería en la línea «Oh, send the rock steady out to Freddy», aunque a primera vista parece muy obvio. 

Se supone que el efecto que causarían todos ellos sobre la tierra sólo podría ser beneficioso. Bendito ingenuo, Joe; si levantaras la cabeza y vieras cómo está el patio…

...Y ellos se juntan #63 // A mí no hace falta que me cambies el plato #33: RZA + The Black Keys

El rapero RZA y el dúo The Black Keys se alían para interpretar juntos uno de los temas de la banda sonora de The Man With The Iron Fists (2012), una de samuráis dirigida por Robert Diggs, o sea, el propio RZA. Además, a la canción le han hecho vídeo exclusivo, en el que los tres se enzarzan en una pelea en un restaurante chino cuando la camarera, al llevarles la cuenta, sólo les pone una galleta de la fortuna para compartir. La guerra de comida en la que se enfrascan tiene su culmen en el momento queso de tetilla (en 3’12’’).

Ette aquí #39 // Discos con portada con discos #48: Dansette Damage

No le queda otra a Gog que comenzar esta entrada reconociendo sus limitaciones y su escaso conocimiento sobre el asunto del que va a escribir a continuación. Claramente: Gog no tenía ni idea de que había existido una banda llamada Dansette Damage hasta que un poco antes de este verano se topase con su álbum Sold As Seen en una cubeta de segunda mano. La incompetencia de Gog se desarrolla a partir de aquí. Veamos. 

Dansette Damage era una banda de punk del área de Birmingham que en 1978 grabó un single con dos canciones: «The Only Sound»/«N.M.E.». Ambos temas están incluidos en el álbum que publicó Shoestring Records en 1994. Pero este álbum, ¿es una reedición? No parece. ¿Se recuperaron ambos temas y se reunió de nuevo la banda entonces para completar un álbum que no llegó a grabarse en su día? 

En la galleta del 7’’ de 1978 se hace constar muy llamativamente que lo produjo The Wolverhampton Wanderer, ni más ni menos que el alias de Robert Plant. 

En 2008 se colgó el vídeo de «N.M.E.» en YouTube, donde además puede leerse el siguiente comentario: 

We made this record in early 1978 and were lucky enough to get Robert Plant from Led Zeppelin and their live sound engineer Beji LeFevre, to twiddle the knobs in the studio for us. Robert put all needles in the red which is why it sounds so raw! Also, we couldn't sing and you can hear Robert's high falsetto at the top end, trying to keep us lot in tune! 

Lamentablemente, Gog no se animó a comprar el vinilo cuando lo tuvo en sus manos, porque ya llevaba un cargamento, y eso que le había llamado la atención por la portada (con discos) y por el nombre de la banda (con el sufijo -ette), así que ahora no puede aportar el nombre del productor del álbum, dato este que ayudaría a deshacer el entuerto. Cualquier aportación al tema sería bienvenida.

A1 Modern Love 

A2 N.M.E. 

A3 The Only Sound 

A4 2001 3/4 Approximately 

A5 People In My Room 

A6 After Dark 

B1 Modern Toys 

B2 Europe 

B3 The Beast 

B4 (I'm Not Warning) I'm Drowning 

B5 Assassination

...Y ellos se juntan #62 // La bella y la bestia [enésima versión] #10: David Byrne & St. Vincent

El mítico David Byrne y Annie Clark, de St. Vincent, liados en un sorprendente y gozoso disco conjunto: Love This Giant (4AD, 2012). En la foto de la portada se ve a ambos con los rostros acaballados, medio deformados por efectos de ordenador; cuentan que se trata de una relectura del cuento de la bella (aquí él, inspirado en el muñeco protagonista de Toy Story) y la bestia (ella). 

La historia es sencilla y carece de grandes alardes: Byrne y Clark coincidieron en un par de conciertos y en seguida cuajó entre ellos la idea de colaborar juntos e incluso grabar un álbum completo. Así que se pusieron a escribir letras y a enviárselas por correo electrónico. Después cada uno de ellos cantó sus propias composiciones en el estudio, excepto "The Forest Awakes", escrita por Byrne pero interpretada por ella. De Clark fue la idea de vestirlas con una sección de metales, sin duda uno de los mayores aciertos de Love This Giant, lleno de cálidos y colosales instrumentos de viento: saxos, trompetas, trompas, trombones, tubas y hasta un eufonio o bombardino. Por si no fuera suficiente, los Dap-Kings colaboran en un tema. Abrassador, si se le permite el juego de palabras a Gog. 

En pleno estado de inspiración. 

Y como no podía ser menos estando de por medio un artista tan arty como Byrne, el título de la obra procede de un poema de Walt Whitman.

Faropedia #14 // Ellas llevan el ritmo #31

A Malmö, ciudad en todo el sur de la sueca Suecia, le van las arquitecturas verticales, como el anonadante Turning Torso de Calatrava o su más modesto faro, hoy día más casi una baliza ornamental que señal para navegantes.

Le pone banda sonora las ya desaparecidas Electrelane, que llegaron a ir de gira por aquel país. Curiosamente, «The Lighthouse» fue el tema que cerró su último álbum, es decir, esta pieza instrumental resultó ser a la postre lo último que se escuchó de la carrera de este cuarteto de chicas inglés.

A la batería estaba Emma Gaze.

Las nuevas aventuras del llanero solitario #27 // A mí no hace falta que me cambies el plato #32: Joe Goddard

 

Hoy día es menos frecuente que antes encontrarse temas instrumentales en los discos de pop y de rock; así, sin pensarlo mucho, The Clash o The Police, por ejemplo, grabaron algún corte sin voz. En fin, tal vez sea una mera cuestión de percepción y resulta que hay más de lo que Gog se percata. De lo que no hay duda es de que la electrónica es género abonado para el desarrollo de la música instrumental. Así Harvest Festival (Greco Roman, 2009), de Joe Goddard, uno de los cabecillas de los exitosos Hot Chip. 

Por ser un poco respetuosos con la exactitud, habrá que señalar que de la docena de temas que contiene este álbum, en tres de ellos sí hay interpretación vocálica: en [5], [7] y [12], es decir, convenientemente repartidos. De hecho, en la primera de ellas se trata de una repetición vocálica más encaminada a crear una sensación que a transmitir un mensaje al uso. En [7], sí hay una letra cantada; el resultado es un delicioso juguete de pop electrónico en la línea de la factoría Hot Chip. El álbum se cierra con la tercera de las piezas cantadas, tal vez de lo más interesante del álbum, una extraña letanía construida con electrónica. 

El resto del álbum es un despliegue de tecno, house y electro orientados hacia la pista de baile. A su favor, que Goddard no parece tomarse demasiado en serio esto del clubbing, o al menos esa es la aliviadora sensación que nos transmiten los temas, como con un cierto tono de distanciamiento, perceptible pero difícil de describir. Deja para el final las piezas más experimentales, sobre todo [9] y [10]. Y mención aparte para el puro Kraftwerk que es [2]. 

A ese no tomarse demasiado en serio el asunto contribuye el hecho de que parece que Goddard se hubiera dado un garbeo por una frutería, con sus plataneces incluidas, a la hora de titular las canciones: 

[1] Apple Bobbing 

[2] Tinned Apricot 

[3] Pear-Shaped 

[4] Strawberry Jam 

[5] Go Bananas

[6] Half-Lime Oranges 

[7] Lemon & Lime (Home Lime)

[8] Tropical Punch 

[9] Sour Grapes 

[10] Pineapple Chunk 

[11] Mango Chutney 

[12] Coconut Shy 

Nota para gourmets: en el interior de la portadilla viene la receta de un chutney de tomate preparado por Rosie Lovell, propietaria del Rosie’s Deli Cafe de Brixton.

Hubo un tiempo en que bastaba con una portada #12: hoy lo cuenta Javi Abad

Supongo que ganaría puntos de autenticidad diciendo que descubrí a los Go-Betweens en el 78, cuando desde su Australia natal dejaban para la posteridad aquella mítica “Lee Remick”, o en 1980, cuando nos decían que necesitaban dos cabezas desde el mítico sello Postcard. Incluso podría decir que llegué a ellos en el 83, con su primer (menor, como siempre) éxito, “Cattle and Cane”. O que enamoré a alguna Molly Ringwald local grabándole una cinta con “Bachelor kisses”… Pero no, todo eso vino después. 

Lo cierto es que descubrí a los Go-Betweens con el que sería el último disco de la primera etapa del grupo, el sexto en su carrera, este 16 Lovers Lane (Beggars Banquet) de 1988. Y lo hice como se hacían estas cosas en los 80: escuchando el single por la radio. El single era “Streets of Your Town”, claro, la canción que cambió mi vida. Pero esto iba de portadas así que a ello voy. 

Uno en los 80 seguía las siguientes fases: escucha de la canción en la radio, enamoramiento irrefrenable de la misma, carrera a la tienda de discos, dar el coñazo al tendero hasta que traía el disco (si tenía edición española, como era el caso, tenías suerte), pasar todos los días a ver el disco, olerlo, esconderlo detrás de discos infumables para que nadie lo viera, ahorrar y finalmente comprarlo. No voy ahora a reflexionar sobre el estado de las cosas, hoy con un click habría superado todas las fases anteriores, pero no sería más feliz. 

Lo cierto es que la portada del disco me impactó, sí. Los cinco miembros de la banda por entonces (Grant, Robert, Amanda Brown, Lindy Morrison y John Willsteed) aparecían en diversas posiciones de la carpeta, separados, sin cruzarse las miradas, todo lo contrario a un grupo unido. No era fácil en aquel entonces tener información sobre tus grupos favoritos por lo que tardé años en saber los motivos. El grupo estaba a punto de romperse en mil pedazos, Grant acababa de romper con Amanda, Robert y Lindy también, los egos de Robert y Grant chocaban con frecuencia. Una explosión de sentimientos y talento que curiosamente les hizo dar lo mejor de sí mismos a nivel compositivo. Las canciones de un Grant siempre tocado por la varita mágica de la melodía perfecta encuentran en este disco la réplica inapelable de un Robert demostrando que él también sabía tocar el cielo del pop. La melancolía siempre presente, siempre a punto de romperte en mil pedazos, pero magistralmente llevada hasta el límite de la tristeza que una canción pop debe invocar, siempre equilibrados. Canciones que puedes cantar en la ducha o corear en un bar, pero con las que también puedes llorar. 

La portada, curiosamente, la hizo el quinto en discordia, el bajista John Willsteed, que debía asistir como espectador privilegiado a unas escenas impagables de tensión e inspiración, plasmando todo ello en un diseño perfecto. A los pocos meses se separaron dejándonos huérfanos de su magia hasta su vuelta años después, pero esa ya es otra historia, y tiene un final tan horrible que no me apetece ni recordar. 

Como ellos mismos cantaban cerrando el disco: “Deep down I'm lonely, and I miss my friend”. Te echamos de menos Grant, amigo. 

[Autor del texto: Javier Abad. Su Twitter. Lleva el sello discográfico Pretty Olivia Records]

Hit instantáneo #20: Espanto

Una de las mayores y más logradas metamorfosis musicales que se recuerdan. Espanto, con este pedazo de hit instantáneo, más instantáneo que el nescafé, han dado tal salto que les pone en la órbita de los artistas más -ísimos y los -érrimos. 

Comerse un cocodrilo (en Dinamarca) #8: Agnes Obel

A Gog, todo un profano en música clásica, se le hace que si Claude Debussy o Maurice Ravel vivieran hoy les agradaría el debut de Agnes Obel, Philharmonics (PIAS, 2010), copenhaguense, frente despejada —que delata inteligencia—, mirada dulce, muy estilosa (de sencilla sofisticación), con sólida formación clásica y admiradora del quehacer de PJ Harvey y Joni Mitchell. Es talentosa, compone al piano, canta con voz acogedora y pergeña pequeños pero cálidos arreglos para acompañar a su inseparable teclado. En su país, y en el norte de Europa en general, obtuvo un éxito inmediato que apenas se filtró por los riscos de los Pirineos. 

Al parecer se encuentra preparando el segundo álbum de estudio (tiene otro grabado en directo; sí, ya). En el primero, hizo suya «Close Watch», de John Cale. 

(Nota mental de Gog: recuerda mucho a lo que hacían las Azure Ray o incluso Maria Taylor en solitario.)

5 sobre... #21: novedades 2012

Cinco propuestas musicales tan diferentes como interesantes, todas ellas entre lo más granado del año: 

> Ariel Pink’s Haunted Graffiti, Mature Themes (4AD, 2012). Cuando ser raro y excéntrico se convierte en una virtud. Alma glam y vocación setentera, no es fácil describir su sonido. Este álbum es lo más accesible que han hecho desde que comenzaran hace una década. La mitad de los temas son una pasada. En los apenas dos minutos que dura "Is this the Best Spot?" son capaces de condensar a Can y Devo.

> Matthew Dear, Beams (2012). Eres de Detroit, te trasladas a Nueva York y en tu electrónica entra la luz. La consecuencia es que ha acercado posiciones hacia el post-punk y la música disco, todo ello dentro de los parámetros muy particulares de Dear.
 

038 - Matthew Dear - Her Fantasy

> Alt-J, An Awesome Wave (Infectious, 2012). Cuatro universitarios de Leeds se marcan un debut antológico, lleno de melodías bailables y tarareables, sonando a todo pero con personalidad propia. Puro pop del nuevo siglo. Sintético y humano, etéreo y carnal. 

alt-J - Something Good by alt-J 

> Dan Deacon: America (Domino, 2012). El álbum conceptual como se ha entendido siempre, con sus títulos y subtítulos, sus suites y sus movimientos. En lo musical, esta combinación de electrónica y elementos orquestales a ratos llega a sobrecoger; entre los meandros que se forman, percibimos a un creador vaciando sus entrañas. Gasta gafas y pinta de adorable chiflado. 

> Teen: In Limbo (Carpark, 2012). Vencida la pereza primera de tener que escuchar a un grupo “teen”, el sorpresón te lo llevas desde los primeros compases, cuando te das cuenta de que de adolescente esto no tiene nada. De hecho, el nombre de la banda hace referencia a la líder de este cuarteto femenino, Teeny Lieberson (también en Here We Go Magic). La acompañan sus hermanas Lizzie y Katherine, y Jane Herships. Según los créditos del álbum, todas ellas tocaron la batería en la grabación, aunque en directo es Katherine la que lleva las baquetas. Ambiente denso, teclados penetrantes y flotantes, desarrollos sinuosos y voces al unísono. Produce Sonic Boom —ahí es nada—, así que ha quedado un space rock de categoría. 

TEEN - "Electric"

Discos con portada con discos #47

Hasil Adkins: Out to Hunch (Norton, 1986)

Un Pingüino En Mi Ascensor: En la variedad está la diversión (La Fábrica Magnética, 1993). [Con el My Aim Is True de Elvis Costello en la maleta.]

Boris Vian #19

El exceso de castidad es inhumano.

Boris Vian

Hacer un encargo a Boris Vian y pretender que el resultado se ajuste a los patrones preestablecidos es lo más parecido a una quimera que pueda haber. Así las cosas, en 1950 la editorial Toutain le había propuesto a Vian que escribiera un manual sobre del barrio de Saint Germain-des-Prés para su colección de guías. Vian aceptó a condición de que le publicaran también una novela que ya tenía terminada, La hierba roja. Cuando apenas se llevaban distribuidas mil copias de la novela, la editorial cayó en bancarrota y el Manual de Saint Germain-des-Prés se quedó en las galeradas. Se editó póstumamente en 1979, y ahora lo hace en español a través de la editorial Gallo Nero. 

El resultado de la lectura de este tratado tan instructivo como chiflado es: 

Desopilante 

Fascinante 

Descojonante 

Tronchante 

Desbordante 

Vian fue el alma mater del cotarro bohemio en aquel barrio parisién de la posguerra. Por sus cafés y sus cuevas —como se conocía a los antros donde se tocaba jazz— pasaron desde Sartre a Giacometti, de Miles Davis a Raymond Queneau, de Simone Signoret a Tristan Tzara, pero el maestro de ceremonias, el testigo omnipresente de todo aquel bullicio fue Vian. Asombra, pues, cómo pudo Vian, siendo protagonista de la historia que relata, no aparecer en la obra. Su talento, su encanto y su ingenio le llevaban mucho más allá de donde podamos llegar el resto. 

Manual de Saint Germain-des-Prés es una pequeña enciclopedia en la que, con un estilo vivaz, irónico y original, da cuenta de las calles, los bares, los clubs de jazz y los personajes que conformaron una época dorada de la cultura francesa. Después de la lectura de este libro a uno le sobrecoge la amargura de no haber nacido en aquella época.

ANNE-MARIE CAZALIS 

Flaca falsa, dotada de una especie de genio para conseguir que la gente cuente chistes o haga bromas. Paul Guth ve en ella un ave párida y establece un astuto vínculo entre esa clasificación naturalista de los páridos, grandes o negros, pero siempre carboneros, con el gusto de Anne-Marie por las cuevas; a mí me recuerda más bien a una cabra pelirroja: tiene la misma cara, la expresión maliciosa y un tanto terca, pero siempre diabólica, e incluso la perilla, que sustituye por una larga patilla delgada sobre el hocico (p. 148).

La edición se acompaña de un mapa callejero con los hitos fundamentales bien señalados.

Faropedia #13 // Género chico #32

Un faro es cosa marítima y navegante. Obviamente, si alguien sabe de marinerías y de linternas costeras son los habitantes de islas. Los tinerfeños, por ejemplo. Menos frecuente es, en cambio, un grupo indie salido de Tenerife. Vaya una cosa por la otra y celebremos el nacimiento del trío El Faro. 

Andan estos dando sus primeros pasos musicales. Al single compartido el año pasado con Algodón Egipcio, le sigue ahora otro tanto de lo mismo pero esta vez al lado de Los Lagos de Hinault, split sin título publicado a la limón por Acuarela y Fikasound en edición limitada de 350 copias. 

Cara A 

> LOS LAGOS DE HINAULT: Beti Jai 

> EL FARO: No te soporto 

Cara B 

> EL FARO: El día en el que empezó a notarse el otoño 

> LOS LAGOS DE HINAULT: Semana fantástica 

Las de El Faro son canciones intimistas, con tensión centrífuga, que va creciendo y expandiéndose poco a poco desde dentro. Si no resultara demasiado cursi, podría decirse que se abren como rosas; y quedan las espinas. Como dijo el propio Carlos Díaz hace un par de noches en la presentación en directo, «empiezas a elucubrar y acabas teniendo un single». 

No te soporto El Faro by Acuarela Discos

Por su parte, Los Lagos de Hinault aportan dos piezas de brevedad gigante. Directas, frescas, llenas de lalalalaes exultantes. 

Todo el que sube a tu alcoba se deja abajo el corazón, 

los chicos no se enamoran 

y lloras porque estás sola. (...) 

Vivan los bares de copas, 

las canciones tontas, 

la primavera 

y el amor. 

Y viva esta canción. (No sale del giradiscos de Gog.) 

Matilde, habitualmente a los coros, lleva la voz solista en «Semana fantástica», tema que ya conocíamos de sus primeras maquetas. Y para el directo han incorporado teclista y batera; han ganado contundencia. Se diría que Los Lagos de Hinault han metido un piñón más para disponerse a saltar del pelotón.

Grafitis por el mundo #24

Como un juego de matrioskas llevado al mundo del arte: en Berlín, un artista urbano desconocido, ha sobrepuesto, en la obra de Banksy titulada Keep Britain Tidy, en la que aparece una anciana brocha en mano tras pintarrajear dicha frase, un dibujo del Ecce Homo de un pintor del siglo XIX tal cual quedó tras el intento de restauración por parte de la octogenaria Cecilia Giménez, vecina de la localidad de Borja.

No son hombres: son Devo #14 // El arte de la versión #62 // Género chico #31

En la vida los hay que no se enteran de las cosas aunque estén bajo sus narices y los hay de olfato fino capaces de detectar el husmo de lo bueno a distancia. Un ejemplo de estos últimos fue el sello inglés Stiff Records, como lo demuestra la historia que sigue. 

En 1977 Stiff Records descubrió en Europa antes que nadie a aquellos benditos venados de Akron y los introdujo en el mercado con el que es —y perdónese a Gog su tono vehemente y categórico— el mejor EP de la historia: Be Stiff EP, de Devo. Nunca el género chico fue tan grande. En puridad era la recopilación de los tres singles que les habían publicado. Obsérvese su apabullante lista de cortes: 

Cara A 

1. Jocko Homo (Mark Mothersbaugh) - 3:21 

2. (I Can't Get Me No) Satisfaction (Mick Jagger, Keith Richards) - 2:53 

3. Be Stiff (Gerald V. Casale, Bob Lewis) - 2:35 

Cara B 

1. Mongoloid (G.V. Casale) - 3:30 

2. (I Saw My Baby Gettin') Sloppy (M. Mothersbaugh, Bob Mothersbaugh, G.V. Casale, Gary Jackett) - 2:20 

3. Social Fools (G.V. Casale, M. Mothersbaugh) - 2:52 

El productor fue un tal Brian Eno. 

«Be Stiff» sirvió, además, para promocionar a otras bandas del sello en la gira conjunta que llevaron a cabo. Así, Jona Lewie, Rachel Sweet, Wreckless Eric, Lene Lovich y Mickey Jupp grabaron cada uno de ellos una versión del tema para un promo.